罗青中西艺术美学赏析套书（墨彩之美＋当代艺术市场结构） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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　　《墨彩之美》
　　以〈吃西瓜的六种方法〉闻名的诗人罗青，不只写诗也画画，从小在墨彩名家溥心畲、任博悟门下习画，四处看画展，他以诗人的灵魂、文人的笔墨，建构出他个人独特的墨彩画，因此获奖无数，被楚戈先生赞为「新文人画的起点」。

　　在《墨彩之美》他以自身对墨彩画的研究与创作经验，为「墨彩画」正名，从三大方面：绘画美学、古典传统画流变、近代绘画的传承与发扬，切入墨彩画的发展历史、绘画内涵与特质。从「彩墨画」到王维提倡「水墨画」，无须彩色，运用不同墨法呈现「浓、淡、干、湿、燥」五色，形成文人画的传统，搭配赏析〈女史箴图卷〉、〈雪中芭蕉〉、〈清明上河图卷〉等画作。旁及唐、宋、元、明、清及民国以来的重要画家，王维、徐兢、石涛、王原祁、齐白石等，综论、赏析、重估，不只提供绘画相关知识，了解墨彩的历史渊源，还有中国独特的扇面绘画艺术和历史。篇篇新诠古典绘画美学，连接当代社会，配合独创的美学原则，具体而微的说明「墨彩画」的最新发展，并讨论二十世纪中国艺术史的编写之道，改写千年来的墨彩画史及美学史，回顾过去，展望未来。

　　《当代艺术市场结构》

　　目标读者群
　　喜爱现代艺术、或对墨彩绘画创作有兴趣的读者。

本书特色

　　★罗青中西艺术美学赏析套书包含《墨彩之美》、《当代艺术市场结构》二本，从墨彩画发展切入，深入探究艺术市场，从墨彩画的主题、绘画市场大小，到收藏方式、维持画作卖价等等，透过精辟的论点呈现近代墨彩绘画历史发展和市场结构的样貌。

 

探寻艺术的深度与广度：精选艺术理论与实践读本导览 本导览旨在为您呈现一系列聚焦于艺术史、美学理论、创作实践以及当代艺术生态的重量级著作，这些书籍相互关联，共同构建了一个多维度的艺术认知框架。它们涵盖了从古典到现当代，从中西视角到全球视野的广阔领域，是艺术爱好者、研究者及从业人员案头的必备参考。 --- 第一部分：西方艺术史的宏大叙事与经典解析 1. 《西方艺术史：从史前到后现代》 (The Story of Art) 作者： [通常为 E.H. 贡布里希 (E. H. Gombrich)] 核心内容聚焦： 这部被誉为“艺术入门圣经”的著作，以其清晰的脉络和引人入胜的叙事方式，系统梳理了西方艺术自洞穴壁画到20世纪末的演变历程。它不仅关注了风格的流变（如古典主义、巴洛克、浪漫主义、印象派等），更深入探讨了艺术的“目的”——艺术家是如何看待并描绘他们所处的时代与世界。书中对图像的解读、对艺术家的动机分析，都建立在扎实的历史语境之上，而非纯粹的风格罗列。它强调艺术的延续性与革新性之间的辩证关系。 重点章节解析： 古希腊雕塑的理想化追求： 分析了黄金比例、人体解剖学在塑造“完美”形象中的作用。 文艺复兴的人文主义光辉： 重点阐述透视法、明暗对比（Chiaroscuro）等技术革新如何服务于对人性的深度挖掘。 巴洛克时期的动感与情感张力： 探讨光线、戏剧性构图在宗教和政治宣传中的运用。 印象派的瞬间捕捉与科学光影理论： 揭示了摄影术对绘画媒介本体的冲击与解放。 2. 《艺术的现代性与现代艺术的传统》 (Tradition and the Individual Talent & Aspects of the Novel 等相关理论) 作者： [通常为 T.S. 艾略特 (T. S. Eliot)] 核心内容聚焦： 尽管艾略特主要以诗歌理论著称，但其对“传统”的重新定义，对理解现代主义的发生至关重要。此书或选集探讨了艺术家在面对前人遗产时所应持的态度。它主张“现代艺术”并非简单地抛弃传统，而是与整个西方艺术史进行一场持续的“对话”。艺术家必须深刻理解传统才能进行有效的反叛与超越。书中对于“非个人化”（Impersonality）的论述，也对后来的抽象表现主义产生了深远影响。 侧重分析： 艺术的“历史感”如何塑造当代作品的意义。 --- 第二部分：东方美学精粹与哲学底蕴 3. 《中国绘画史纲》/《中国艺术精神》 作者： [通常为 潘天寿 或 徐复观 等] 核心内容聚焦： 这类著作的核心在于阐释中国艺术，特别是书画艺术，是如何根植于中国哲学（如儒、道、禅）与文人精神之中的。它不同于西方艺术对“再现”的执着，更注重“写意”、“气韵生动”和“笔墨精神”。 关键议题： “气”与“韵”的不可言说性： 探讨了东方美学中超越视觉表象的精神价值。 书法与绘画的同源性： 分析笔墨作为媒介的物质性与精神性的统一。 留白（虚实相生）： 解释了空间处理在中国艺术中的哲学意义——“无画处皆成妙境”。 文人画的自觉与演变： 从董源、巨然到“四王”乃至近现代的革新，梳理了以士大夫阶层为主导的美学体系。 4. 《禅宗与日本的审美意识》 (Zen and the Japanese Aesthetic) 作者： [通常为 铃木大拙 或 达尔文·柯尔 (Dainippon)] 核心内容聚焦： 深入剖析了禅宗思想如何渗透并重塑了日本的文化与审美情趣。这对于理解东亚设计、园林艺术、茶道（侘寂 Wabi-Sabi）以及现代日本艺术（如极简主义）至关重要。 核心审美概念： “侘”（Wabi）： 强调朴素、自然、不完美之美。 “寂”（Sabi）： 赞颂时间流逝带来的痕迹和宁静感。 “物哀”（Mono no aware）： 对短暂生命的深切感怀。 --- 第三部分：当代艺术的生态、批评与实践 5. 《艺术的终结与艺术的开端》 (The End of Art) 作者： [通常为 乔治·迪基 (George Dickie) 或 阿瑟·丹托 (Arthur Danto)] 核心内容聚焦： 本书是对20世纪后半叶艺术的深刻反思。它探讨了当代艺术（尤其是杜尚的现成品之后）是如何挑战了传统艺术的定义边界，并提出了“艺术品是否还有本质？”的问题。作者们通过对大量概念艺术、极简主义和波普艺术的分析，构建了“艺术世界”理论，阐明了艺术的意义不再仅仅依靠视觉形式，而更依赖于其背后的理论框架和制度性认可。 论述焦点： 艺术的“哲学化”趋势及其对传统美学的颠覆。 6. 《批评的姿态：艺术评论的理论与实践》 作者： [涉及多位当代艺术批评家，如哈罗德·罗森伯格、克莱门特·格林伯格等] 核心内容聚焦： 本书精选了20世纪中后期最具影响力的艺术批评文本，重点关注现代主义批评的旗手们如何界定“媒介的纯粹性”。例如，格林伯格对绘画平面性的坚持，与他对“低俗文化”的警惕。同时，书中也收录了后现代转向的批评声音，讨论了社会学、政治学如何介入艺术的解读，批评不再是纯粹的美学判断，而是对权力结构和文化语境的介入。 实用价值： 为读者提供了一套分析当代展览和艺术现象的理论工具箱，理解“好坏”的判断标准是如何随时代变迁的。 --- 第四部分：商业维度与全球流动 7. 《艺术市场的隐形之手：从苏富比到画廊联盟》 作者： [聚焦于艺术经济学、市场研究的学者或资深行业观察者] 核心内容聚焦： 本书将艺术领域从象牙塔拉回现实的交易大厅。它系统剖析了当代艺术市场——一个高度专业化且不透明的全球体系——的运作逻辑。 关键分析点： 估价机制的形成： 分析了拍卖纪录、评论家声誉、画廊网络如何共同构建艺术品的“市场价值”。 全球艺术资本的流动： 探讨了亚洲、中东等新兴市场对西方传统市场格局的冲击与重塑。 机构收藏与私人资本的关系： 揭示了大型博物馆、基金会与超级收藏家之间的微妙博弈。 “炒作”与“投资”的边界： 探讨了当代艺术品如何被视为一种另类资产类别，而非单纯的文化消费。 通过以上七个维度的深度阅读，读者可以建立一个横跨东西方、贯穿历史与当下、兼顾美学理论与市场实践的立体化艺术认知体系。

作者简介

罗青

　　本名罗青哲，湖南省湘潭县人，一九四八年九月十五日生于青岛。辅仁大学英文系毕业，美国西雅图华盛顿大学比较文学硕士，曾任辅仁大学、政治大学英语系副教授，台湾师范大学英语系所、翻研所、美术系所教授，中国语言文化中心主任。明道大学艺术中心主任、英语系主任。一九九三年获傅尔布莱德国际交换教授奖。

　　一九七四年获颁第一届中国现代诗奖，国内外获奖无数，被翻译成英、法、德、义、瑞典等十三种语言。画作亦获奖多次，并获大英博物馆、德国柏林东方美术馆、加拿大皇家安大略美术馆、美国圣路易美术馆、中国美术馆、辽宁省美术馆、深圳画院美术馆、台湾美术馆等国内外公私立美术馆收藏。曾出版诗集、诗画集、画集、论文集、画论集五十余种。
 

《墨彩之美》
〔自序〕
「墨彩画」的再生             

上卷 概论篇
中国墨彩美学初探
漫谈中国艺术的特色
论文人水墨画

中卷 古典篇
雪中芭蕉寓意多──论王维的画艺
被艺术史遗忘的绘画大师──北宋诗书画三绝的徐兢
清明上河图新解
诗中有画画中诗¬──论玉涧的《山市晴峦图》
清奇古怪通鬼神──论陈洪绶的画
一唿前后九百年──谈石涛的一开册页
墨中有色熟后生──论王原祈的山水画艺术
扇摇风生诗画香---扇画简史

下卷 近代篇
漫谈民国「三石」的书画艺术
第一位名扬世界的中国墨彩画家
雕刻中的石像──苏立文《二十世纪中国艺术》读后〉

《当代艺术市场结构》
〔自序〕
文化创意产业的基础

上卷 当代墨彩篇
当代墨彩画语言之探索
从绘画语言出发
中国墨彩画创新之道──如何将传统墨彩语言白话化
墨彩画语录
棕榈树，当代文化中国的新象征
中国墨彩画的过去与未来──二○○二年中国墨彩画大展序

中卷 当代评论篇
抽象与具象──序《一九八六中华民国抽象水墨大展》
艺评入门──塑造中国艺术批评的新形象
「美术中国」的省思
迈向专精建秩序
近代绘画史料之编选
有容乃大──迎海外艺术家回家
建立我国艺坛的世界新形象

下卷 当代市场篇
中国当代绘画的国际市场
艺术投资获利比贩毒还高？──当代艺术市场的结构
如何振兴台湾文化艺术创意产业
艺术鑑赏与投资
收藏成家

〔后记〕
从「彩墨」、「水墨」到「墨彩」

 

序

《墨彩之美》　「墨彩画」的再生

　　要想与西方艺术市场抗衡对话的第一步，便是对自己民族的美术遗产做精深的研究及发扬；把过去的艺术成就与二十一世纪的生活及思想联系起来，这样方能吸引大家来观摩学习。与西方的油彩绘画对照，中国艺术的特色之一，便是墨彩绘画，成就辉煌，足以傲视世界，领袖羣伦。因此对墨彩艺术及美学的深入研究，便成了艺术工作者应该努力的重点之一。

　　中国绘画从彩陶开始，一直是彩墨并行，到了春秋战国时代，壁画及帛画盛行，遂有「绘事后素」的美学典范出现，强调绘者在施以彩、墨绘画之前，必须把墙壁粉刷平整成为「素壁」，把帛布整治妥当成为「素帛」。这也就是说，必先把准备在其上绘画的各种不同材料，清理素净，才能在其上勾勒草稿，然后施以墨色及彩色。这种最后以施用彩色来完成作品的艺术，可称之为「彩墨画」，从战国到盛唐，独霸艺坛有一千多年的历史。

　　到了公元八世纪，诗画家王维（699-759）出现，着意于绘画中，追求佛家简净空寂之美，于是在〈山水诀〉一文中大胆提出：
　　夫画道之中，水墨为最上。肇自然之性，成造化之工，或咫尺之图，写百里之景；东西南北，宛尔目前；春夏秋冬，生于笔底。

　　王维认为，依靠单色「水墨」的丰富层次变化及灵动的笔法技巧，无需彩色，便可在一张小画里，以近乎「造化」的功夫，表达四季之不同，开启了「水墨美学」的新典范。此一「水墨」风气，发展了近三百年，在北宋初期，到达了顶峯，当时的绘画名家如荆浩、关仝、李成、范宽、董源、巨然、郭熙、许道宁、燕文贵……等，无一不是以水墨画为主，成就其艺术的独特面貌。

　　而这段期间，墨条与配合发墨的纸张，经过不断的研发，有了很大的改进。如南唐李廷珪的松烟墨，精良无比，就是一例；而南唐歙县出产的「澄心堂纸」，制造尤佳，最为名家爱用，与廷珪墨、龙尾砚、诸葛笔并称四宝。此外，苏州的「金栗山藏经纸」，湖北的「鄂州蒲圻纸」……等，亦名气响亮。名墨配上佳纸，把水墨的特色发挥到了极致，树立了新的美学品味与典范。

　　到了宋徽宗（1082-1135）即位，在翰林院中创立「画学」（1104），吸收了水墨画所发展出来的精华，以墨色的运用为主，重新让彩色回到绘画之中，变「彩墨」、「水墨」的传统为「墨彩」新猷，开创了影响广大的「墨彩画」时代，传承变化发扬至今，已有近千年的历史，成为农业时代美学与品味的代表，并继续向工业社会及后工业社会挺进。

　　自从一八四○年鸦片战争迄至一九七○年代，一百三十年间，传统农业社会遭到西方工业社会的巨大挑战，带来了深远的美术变革，「现代主义」（Modernism）风潮，随工业社会而起，所向披靡。许多现代主义画家，因为美学理论的不足与学养的匮乏，仓促重新启用「水墨画」一词，借以代表东方精神，期望从「形式技巧」上与油彩画所代表的现代主义理论接轨，完全忽略了「墨彩画」基本美学的再诠释、再开发与再创造，丧失了自家艺术精神的立足点，成了西方现代主义的附庸与註解。等而下之者的作品，则成了机械形式与新奇技巧的大量复制，沦为可以批发代工的工艺美术品。

　　从一九八○年代至今，近四十年间，因个人电脑及手机在海崃两岸普遍使用，有关后工业社会与「后现代主义」（Postmodernism） 的思想，勃然而兴，解构主义（Deconstructionism）、去中心主义（anti-logocentrism）与多元化（Pluralism）的风潮，刺激了艺术家对「墨彩画」根源的反省，大家开始分头在美学上探讨「墨彩画」的过去、现在与可预见的未来。

　　本书的上卷「概论篇」，就是在这个前提下写成的。其中〈中国墨彩美学初探〉、〈漫谈中国艺术的特色〉、〈论文人水墨画〉三篇通论文章，重新回顾了「墨彩画」的内涵与形式特质，希望找到其与当代社会的连接点。

　　接下来中卷「古典篇」，以〈雪中芭蕉寓意多—论王维的画艺〉、〈被艺术史遗忘的绘画大师—北宋诗书画三绝的徐兢〉、〈〈清明上河图〉新解〉、〈诗中有画画中诗—论玉涧的〈山市晴峦图〉〉、〈清奇古怪通鬼神—论陈洪绶的画〉、〈一唿前后九百年—谈石涛的一开册页〉、〈墨中有色熟后生—论王原祁的山水画艺术〉、〈扇摇风生诗画香—扇画简史〉八篇文章，分别选择唐、宋、元、明、清的重要画家，深入赏析，做为了解古典绘画发展史的钥匙。

　　下卷「近代篇」，以〈漫谈民国「三石」的书画艺术〉、〈第一位名扬世界的中国墨彩画家—齐白石〉、〈雕刻中的石像—苏立文《二十世纪中国艺术》读后〉三篇文章，讨论民国以来的重要画家，配合上述通论所揭橥的美学原则，具体而微的说明「墨彩画」的最新发展，并讨论二十世纪中国艺术史的编写之道，回顾过去，展望未来。

《当代艺术市场结构》　文化创意产业的基础    

　　一般人总认为要在经济发展起来以后，方能谈得上文化艺术的发展；认为经济是根茎，文化艺术是花果。事实上，文化艺术与经济之间的关系，千丝万缕，并非上述简单的因果论，可以描述得清楚。

　　台湾是属于海岛外向型的经济模式，其运作的方式是进口原料，加工，然后出口。半个世纪以来，台湾自身所能掌握的，不是原料市场，不是商品市场，而是加工型态的人力市场。

　　通过近六七十年的努力，台湾目前已经累积了在「进口、加工、出口」经济模式背后，扮演主要的原动力的角色─「资本」。这几十年来，大家拚命想将目前所累积的巨额资本，做更有效的运用，例如在「加工」外，进一步掌握世界商品「市场」。这样一来，大家就面临了如何把「加工」的层次，提升到自行研发、设计，自创品牌、风格，独立行销，有效管理……等课题，同时也了解到，要解决这些高层次的问题，必须要从文化艺术的创意上着手，方才有效。这也就是为什么，孙运璇先生（1913-2006）一九九〇年代初，公开自责，在他做行政院长任内（1978-1984），太过于注重经济科技的发展，而忽略了文化艺术的建设。而教育部也随之一改以往禁止设立艺术学院的态度，开始採取较具鼓励性的做法，着手培养文化艺术人才。

　　文化艺术活动与高层次的科技经济活动，有一个最重要的共同点，那就是「发明与创造」，这也就是二〇〇〇年后，世界各国喊得震天价响的「文化创意产业」（Cultural and Creative Industry）。艺术与科技，两者之间，相辅相成，相互激盪，缺一不可。有了精良的科技制造能力，而不懂得如何设计造型、如何包装推广、如何创造品牌、如何行销管理，那仍然只是停留在为人「加工」的阶段，无法更上层楼。

　　然而，如何提升国人的设计包装能力？如何增进大众的鑑赏审美品味？一言以蔽之，要加强文学及美术的教育。唯有文学及美术二者相互辅助，国民的创造力及鑑赏方能大增，形成文创产业的金字塔结构。在金字塔上层，是「独特的美学理论」（Aesthetics and Literary theories）与「创意艺文作品」，以及随之而来的「实际评论」（Practical criticism），此三者乃文创产业的软体「发动机」与「火车头」，是新品味与新风尚的开创者与引领者。没有此一软体「火车头」，其他一切的投资与努力，都易事倍功半，难以发挥应有的效果。而文创产业的硬体「发动机」与「火车头」则是公私美术馆、大学美术系所、公私画廊艺术中心。在西方，重要美术馆长出缺，是开放向全世界征才的，其重要性不亚于一流大学的校长选拔。这一点，国内无论公私行政主事者，都无基本的认识，令人遗憾。文创金字塔的中层，是有关食衣住行的实用产品设计，如服装设计、室内设计…等；下层则为餐饮美食、旅游观光、休闲住宿；而中、下层的发展，与上层所提倡的美学及品味，则有相互启发的紧密关系。。

　　过去三四十年来，现代美术与现代文学似乎渐渐分了家，不再像一九五、六〇年代，双方有关系密切的来往，这对美术界，是一大损失。因为许多现代文学所开发出来的「新感知性」（New Sensibility）及新内容被美术工作者忽略了，画家一味专注于技术花样的更新，产生了「文」胜「质」的现象，这一点对美术的持续精深发展，十分不利。

　　美术界另外一项隐忧是「历史透视」的缺乏，「理论创发」能力薄弱，「图象料史」不足。「历史透视」的缺乏，造成了艺术史的各种分类史研究，严重落后不足，大大削弱了美术界「承先启后」及「反映时代」的能力。理论能力的不足，也使美术界无法深刻探讨「时代特色」与「美术创作」间的关系，更无法提出强而有力的诠释论点，具体评价当代美术创作的具体成就。

　　目前与美术相关的公私机构，图象史料严重缺乏，诸如有关美术与美术史料的文献、图片……等等的蒐集整理、分类、服务，都十分落后，削弱了「历史透视」、「理论诠释」的基础。使严重不足的美术研究工作，无法建立在扎实的图象及文献研究上，这是十分可惜的。

　　法国巴黎之所以能够成为世界艺术之都，自有其长远而客观的历史及社会条件，但法国政府对艺术及艺术家的各种赞助，亦是重要原因之一。初到巴黎的外国画家，往往会因为受到法国政府在生活上的照顾及优惠而感到纳闷。为什么一个政府会如此热心的赞助外国画家？如果我们仔细分析其政策之背景，便可了解，此项赞助措施的最后受惠者，乃是法国本身。

　　一个国家的艺术活动的蓬勃发展及艺术名家的不断出现，都一定会有周期性的起伏，不可能一直走荣不衰；而艺术名家的出现，也有定数，不能以时间的长短，及艺术参与者的多寡，来决定名家的人数及比例。以中国为例，元朝国祚不满百年，但却出现了影响艺术发展史至巨的「元四家」以及其他三、四位影响深远的名家。明朝国祚长达二百七十六年，画家多如过江之鲫，但也不过只出现了「明四家」以及其他六、七位名家。因此艺术活动的持续蓬勃发展，及艺术大家不断的出现，往往不能只靠一个民族的力量，但要各个民族都有参与者，方才有效。巴黎、纽约就看清楚了这一点，不断的以优秀的条件吸收世界各国的艺术家，前来工作发展，以致于成名。

　　以深刻反映现代工业社会的现代派艺术家为例，在巴黎成名的现代画家就有西班牙的毕卡索、米罗、达利、荷兰的梵谷、蒙德里安、俄国的康定斯基、夏戈尔……等。这些画家与艺评家、画廊经纪人、美术馆长、艺术史家、收藏家，产生了复杂的互动关系，造成了蓬勃的艺术活动，影响所及，连服装设计、家具、建筑……等等相关的行业，也大受影响，走向尖端，相互吸收彼此发展出来的最新成果。使巴黎不但在艺术创作及理论上，领先羣雄，甚至在其他相关的行业上，也手执牛耳，锐不可当。我们看从巴黎来的名牌服饰如皮耶‧卡当（Pierre Cardin 1950）之类的，便可明白。一国美术水准之高低，与该国「生产力品质」之优劣，是有密切关系的。

　　过去多年来，台湾纺织业因成本及高工资的关系，不得不走向自行设计产销的高级路线，大家都想增加自己的设计能力，以期待将来与义大利，甚至与巴黎一争长短。然，如果没有高水准美术设计人才培养的环境，那再努力也是枉然。其他相关出口产品，所面临的问题，与纺织界的，多半大同小异，非要从根救起，方才真能产生效果。

　　因此，如何扎实的办好国小、国中、高中及大学的美术教育；如何通过各种公正的美术竞赛，奖励创作及理论人才；如何持续举办美术研讨会，充实理论基础；如何修订税法，鼓励艺术投资，蓬勃艺术市场；都是行政院必须正视、随时注意的问题。

　　良好的学校美术教育，还要有一流的公私立美术馆，在社会教育上继续配合，方能真正发挥成效。而美术馆只有在高瞻远瞩的馆长的带领下，方能成为文创产业的火车头，带领艺文界及文创中层及下层产业，在社会上创造有形与无形的巨大的文创财富与收益。希望台北能够有容乃大，率先迈出札实的步伐，逐渐成为中国大陆及东南亚、东北亚各国艺术家的摇篮，使我们的艺术家，成为国际瞩目的艺术活动焦点，并达到能与巴黎、纽约、伦敦抗衡对话的地步。

　　笔者有鉴于此，特别注重墨彩绘画语言之开发及美学典范之探索。本书上卷「当代墨彩篇」，着重于如何把农业社会的墨彩语言与美学，转化到工业社会中来；在有保存、有扬弃、有创新的原则下，寻找传统墨彩美学的新生之道。全篇共收录〈现代墨彩画语言之探索〉、〈从绘画语言出发〉、〈中国墨彩画创新之道〉、〈墨彩画语录〉、〈棕榈树，现代中国的新象征〉、〈中国墨彩画的过去与未来〉六篇文章，从文化记号学（Cultural Semiotics）的观点，将文字语言与图像语言平行对比，寻找其中共通的「思考模式」，从而建立创新图像「墨彩词汇」开始，然后扩展为「墨彩句法」、「墨彩章法」，最后形成一全新的「墨彩语言」体系，进入并反映、探讨二十世纪工业社会的特质。

　　中卷「当代评论篇」，则在唿吁大家从事美术研究、评论的基础建设：吸引训练人才整理编辑史料，创造有建设性的艺评环境，建立健全的艺术市场，鼓励收藏家深思好学。希望通过上述四项建设，使台湾的美术活动，能在真正坚实的基础上，蓬勃的发展起来，成为亚洲的艺术重镇。本篇收入〈抽象与具象〉一文，探讨西洋抽象画的本质，及其与当代中国墨彩画的关联；并以〈塑造中国艺术批评的新形象〉、〈「美术中国」的省思〉、〈迈向专精建秩序〉、〈近代绘画史料之编选〉四篇文章，讨论艺术资料库的建立与实际批评的问题；后两篇文章〈迎海外艺术家回家〉、〈建立艺坛的世界新形象〉、则讨论艺术研究活动及推广问题，

　　下卷「当代市场篇」，是由我一九八〇年写的一篇〈中国墨彩画的国际市场〉打头阵，率先报导当代墨彩画国际市场的萌芽。此文原来收入上卷的「当代评论篇」，做为一则补充资料。没想到近四十年后的今天，竟成了当代绘画市场研究的珍贵史料。

　　自从一九五一年，匈牙利马克思艺术史家豪瑟（Arnold Hauser 1892-1978）出版了他的四大卷本开山之作《艺术社会史》（The Social History of Art, Volume 1:From Prehistoric Times to the Middle Ages; Volume 2 :Renaissance, Mannerism, Baroque; Volume 3:Rococo, Classicism, Romanticism; Volume 4 : Naturalism, Impressionism, The Age.） 艺术家与艺术赞助者及社会阶层、商业市场的关系，开始受到研究者重视。

　　中国艺术社会经济史的研究，以李铸晋（1920-2014） 在一九八九年主编出版的《艺术家与赞助者—中国画的社会经济面》（Arists and Patrons: Some Social and Economic Aspects of Chinese Painting, Seattle and Kansas City: University of Washington Press, 1989）。一九九七年，将经过长达近十年的准备，牛津出版社推出一套全新的世界艺术史丛书，《中国艺术史》一书，由接替苏立文的剑桥前卫新锐艺术史家柯龙纳思（Craig Clunas），以全新的观点撰写，他立刻把习见的Chinese Art History，以「艺术多元化」及「去欧洲中心主义」思想，将之改为Art in China。

　　因为Art这个字，在印欧语系中，是专指文艺复兴以后的西欧艺术发展。我们看龚布理希的名着《艺术一家言》（The Story of Art），Art 一字就是指从希腊罗马到文艺复兴以降的西欧艺术，不必在Art前加上形容词「西方」（Western）。从西方人的观点看来，其他地方的艺术，都是附属支流或野蛮未开，必须在Art前加上地方形容词，以示区别。现在柯龙纳思以多元观点论世界艺术史，艺术（Art）无所不在，世界各地的艺术一律平等，西欧有艺术，中国也有。因此《中国艺术史》便必须写成Art in China才算公允。

　　柯龙纳思以新观点将全书分成五章如下：〈墓葬艺术〉、〈宫廷艺术〉、〈寺庙艺术〉、〈文人艺术〉、〈艺术市场〉，笔下採用最新研究成果，不但叙述艺术家的艺术源头，同时也破天荒的，具体说明艺术家作品的市场结构与出售价格。在最后一章，柯氏将笔者与同时代的艺术家如陈逸飞…等，都纳入讨论，把艺术家作品的价格与出售年代，都详细说明。可见在艺术史的写作上，除了探讨艺术、艺术家与美学思想的变迁外，还要研究与艺术相关的艺术社会经济史，描述其兴衰起落，方能对一个时代地区的艺术面貌，有全面具体的掌握。

　　有鑑于此，笔者特别把一九八〇后所写的有关艺术市场的文章，按照年代次序排列，别成「当代市场篇」一卷，放在〈中国墨彩画的国际市场〉一文之后，分别为〈艺术投资获利比贩毒还高？──当代艺术市场的结构〉、〈如何振兴台湾文化艺术创意产业〉、〈艺术鑑赏与投资〉，读者前后对照，可以看出中国当代绘画，在中国本土及国际市场的飞速发展，其气势之惊人，可以直追明代万历或清代干隆年间的艺术荣景，足令全世界的艺术市场都目眩神摇。然如此快速的艺术市场发展，也带来了各种复杂的后遗症。因此在最后〈收藏成家〉一文中，我不得不提醒对艺术收藏有兴趣者，在艺术交易中，应该具备的修养与守则。

　　编完全书后，我们可以清楚的察觉，在各个地区活动的墨彩艺术家，当有所警惕，因为在手机笔电互联网的时代里，在艺术博览会全球四处开花的风潮中，一个世界性的墨彩画市场，正在形成。对个别艺术家而言，艺术世界的活动范围，已扩大到国界模煳、文化模煳的时代，如何准备并因应此一新兴美术形势的发展，不单是艺术家、艺术经纪人的重大考题，也是艺评家、出版家与收藏家的必答课题，大家无法回避逃避，更不能不严肃面对。

 

《墨彩之美》
 
中国墨彩美学初探
 
（一）前言：绘画应以展现「生命力」为主
 
中国艺术的范围广阔，种类繁多，源远流长，代有发展。在理论与实践上，都能够与时推移，前后连接，绵延不断。就以绘画一项来说，便有壁画、砖画、帛画、绢画……等项目；而以绘画的颜料来分，则有漆画、油画、重彩画、淡彩画、水墨画……等类别。
 
历来艺术史家讨论绘画，多半以绢本与纸本为主，只有在绢本与纸本真迹缺乏的情况下，才转而研究以其他方法制做成的绘画，来证明时代思想风格的演变，以及形式技巧的发展。例如汉、魏、隋、唐各代所留下来的绢本或纸本绘画十分稀少，于是在讨论此一阶段绘画时，便不得不大量引用地下墓室砖画、敦煌石窟壁画、山崖石刻画像、幡旗屏障上的佛画、彩漆屏风上的图绘、石棺碑版上的线刻等等，以为佐证。可是，一旦绢、纸本真迹材料充足时，艺术史家便立刻回过头来，仔细研究论证，而把纸绢以外的品类，放置一边备查。这一点，我们看元明清以来的艺术史研究，便可清楚。在这一大段时间之内，纸绢以外的绘画材料，是十分丰富的，但研究者并没有充分利用。
 
这样的现象，使后人易于产生错觉，认为历来艺术史家或评论家，都是士大夫阶级，受了阶级观点的限制，有意提高所谓的主流绘画，故意忽略民间艺术发展。因此，目前留传下来的画论及绘画史料当中所记，多半是所谓正统或上层建筑的绘画历史，而民间匠意的成就，则付之阙如。
 
如果我们从另一角度来看的话，上述种种现象，可能别有复杂原因，并非简单的阶级史观，可以解释周全。

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一直以来，我对“美学”这个词都有一种莫名的向往，感觉它触及了人类最本真的感受。这套书，尤其是关于“墨彩之美”的部分，更是将这种感受推向了一个新的高度。作者的文字有一种魔力，能够将那些抽象的哲学概念，转化成生动形象的描述，让我能够切实地感受到“美”的肌理。我被书中对于中国传统艺术的深邃解读所折服，它不仅仅是对技法的介绍，更是对精神内核的挖掘。比如，关于“气韵生动”的讨论，让我第一次如此深刻地理解了中国画的灵魂所在。它涉及到哲学、人生观，甚至是对自然的敬畏。我以前觉得西方艺术更注重形式和色彩，而中国艺术更注重意境和神韵，这本书恰好印证了我的想法，并且用极其详尽的论述让我心服口服。读这本书，就像是经历了一场心灵的洗礼，让我对“美”有了更深刻的敬意，也让我对中国传统文化的博大精深有了更深的体会。它不仅仅是一本书，更像是一次对自我审美的重新定义。

评分☆☆☆☆☆

这套书真的打开了我看艺术的全新视角。我一直以来对艺术都抱着一种“看热闹”的心态，觉得它离我的生活很远，更多的是一种观赏和体验，但这本书让我认识到，艺术其实可以是一种非常深入的思考方式。尤其是关于“墨彩之美”的部分，作者不仅仅是讲水墨画，而是从更广阔的维度去探讨墨色的运用，以及它在中国传统文化中所承载的意义。我以前只觉得水墨画黑白灰，很素雅，但读了这本书才明白，不同的墨色层次，不同的笔触运用，都能传递出无比丰富的情感和意境。作者还把中国的墨彩之美和西方的色彩运用做了对比，这种跨文化的解读方式非常精彩，让我看到了不同艺术体系在表现“美”时各自的独特之处。他会提到一些关于“留白”的艺术哲学，这让我联想到生活中很多事情，有时候“不言而喻”或者“留有余地”反而更能体现深意。阅读过程中，我时不时会去翻阅一些之前看过的画作，现在再看，感觉完全不一样了，能够体会到更多作者想要表达的东西。这本书让我觉得，艺术不仅仅是视觉上的享受，更是一种精神上的对话和感悟。

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这套书我断断续续读了有一段时间了，一开始是因为对“美学”这个词比较感兴趣，觉得它听起来就很有深度，然后又看到了“罗青”这个名字，总觉得能从里面挖掘出些不一样的东西。翻开第一本，确实是被那种细腻入微的观察和独到的视角所吸引。书里对于很多我们日常可能司空见惯的艺术现象，都进行了深度的剖析，用一种非常接地气的方式，把那些看起来高深莫测的理论变得易于理解，甚至能联想到我们生活中的点滴，比如一幅画的构图，怎么就能让人看了就舒服，或者音乐的节奏，为什么会触动我们的情绪。我特别喜欢作者在描述一些具体的艺术作品时，那种旁征博引的能力，他不仅仅是告诉你“这个作品好在哪里”，而是会告诉你“为什么它好”，并且还会涉及到一些历史背景、文化渊源，让你仿佛置身其中，能够更深刻地体会到艺术的魅力。阅读的过程，就像是和一位博学的朋友在聊天，他总是能点醒你那些你从未注意过的角落，让你对“美”这个概念有了更宽广的理解。有时我会一边看一边在脑海里构思，如果我来画一幅画，或者写一段文字，应该注意些什么，感觉它真的给了我不少灵感，不仅仅是关于艺术，甚至包括生活中的其他领域，都会不自觉地受到一些启发。

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我一直认为，理解艺术，尤其是当代艺术，需要一个跳出“作品本身”去看待它的框架。这套书恰好满足了我的这个需求。在谈到“当代艺术市场结构”时，作者并没有止步于描绘市场表面的繁荣，而是深入剖析了其内在的驱动力。我特别着迷于他对于“艺术家的身份构建”和“作品叙事”的讨论。原来，一件艺术品之所以能够被市场认可，很大程度上是与其背后艺术家的人生经历、创作理念，以及艺术家与收藏家、评论家、画廊之间的互动关系紧密相连的。书里举了很多生动的例子，解释了为什么有些艺术家能够脱颖而出，为什么有些作品价格会一路飙升。它让我看到，艺术市场并非是纯粹的“大众评审”，而是存在着一种复杂的权力结构和话语体系。读完之后，我再看一些艺术新闻，或者逛艺术展览，都会有更清晰的思路，能够更好地去理解艺术品在市场中的定位和价值。这本书就像一个导航仪，指引我穿越当代艺术市场的迷宫，让我不再感到困惑，而是能够更有针对性地去观察和思考。

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不得不说，这本书带来的惊喜是持续不断的。我原本以为“艺术市场”这个话题会比较枯燥，充满各种数据和冷冰冰的交易规则，但事实完全不是这样。作者以一种非常流畅且富有洞察力的方式，将整个当代艺术市场的运作机制展现在我们面前，从画廊的生态，到拍卖行的角色，再到收藏家的心理，他都一一进行了细致的解读。我印象最深的是关于“价值”是如何被构建的这一部分，它不只是简单的供需关系，更涉及到艺术史的叙事、策展人的影响力，甚至是媒体的炒作。读完之后，我才明白，我们平时看到的新闻里那些天价的艺术品，背后是多么复杂的一个体系在支撑。作者还探讨了不同地区艺术市场的差异性，以及全球化对艺术品流通的影响，这让我意识到，艺术市场远比我想象的要更加多元和动态。而且，书中还涉及到一些关于艺术品真伪的辨别、版权的保护，以及一些法律层面的问题，这些都是普通读者可能不太会去关注，但却至关重要的方面。总而言之，它不仅让我对艺术品交易有了初步的了解，更让我看到了艺术品背后蕴含的经济和社会价值，这是一种非常宏观的视角，对于理解当代艺术的生态环境非常有帮助。