具体描述
附珍贵史料照片及作者推荐聆赏曲目
本书颠覆以音乐家生平拼凑的断简残编
用最宏观的视野，探索音乐革新带来的人类历史改变
由当代作曲家古铎拨开音乐起源的层层迷雾
带你一同聆听随着时代变迁而进化的声响
知名乐评家焦元溥专文导读
吴家恆、金立群、马世芳、杨照、詹宏志、蔡永文、谢哲青等国内音乐界专家、名人一致推荐
21世纪的人类，在音乐的选择上完全被宠坏了。只须用手指按个按键，就几乎能无所不听，但在距离我们不远的19世纪末期，即使是最痴迷的爱乐者，终其一生也顶多只能听3或4次他们最喜欢的曲子。从前音乐的流行品味由少数富有的赞助者与机构组织主宰，现在音乐已成为人类日常生活不可或缺的一部分，然而它大约4万年的发展历史，却复杂得令人困惑。
关于音乐精彩绝伦的故事，笼罩在神祕的术语和扑朔迷离的分类中，像是一个为专业人士俱乐部所设的特权圣地与保护区。对于古典音乐的分类方法，人们延续前人一连串错误且令人混淆的历史标签，时代的错误与死胡同让古典音乐摧毁了自身的路标。当代作曲家古铎通过《音乐大历史：从巴比伦到披头四》，逐章解决这些问题，并解开前人遗留在身后那一团混乱的结。古铎诉说的这本音乐历史，主要聚焦在随着时代变迁而进化的声响，以及音乐本身的革新，用一般音乐爱好者能产生共鸣的方法来讲述，分享音乐发生的奇蹟。
本书共分8章，从音乐、乐器如何诞生开始说起，分别经历人类历史的探索时期、忏悔时期、发明时期、优雅与感性时期、悲剧时期、反叛时期，以迄流行时期。
在这场从史前乐器到当代流行音乐的奇幻旅程中，古铎活力充沛地带领人们走进音乐的历史，让读者身历其境地感受到每项音乐上的演进，如和声、记谱法、人声剧场、管弦乐、舞蹈音乐，以及录音技术、广播电视诞生时对人们带来的冲击，当他挑选那些对人造音乐具有革命性影响的发明时，他着重于发现其对音乐所带来的改变，此外他将某些作曲家具有前瞻性的音乐视野带到读者面前，从较鲜为人知的佩罗汀到鼎鼎有名的华格纳皆然。
除此之外，古铎对于什么是音乐，以及音乐如何运作的知识做出生动清楚的介绍，例如音阶是什么、何以有些和弦听起来很不和谐，以及二次战后流行歌曲的共同点，是广纳正确的音乐知识和雄辩的各种观点，却又平易近人的一本知识丰富之书。
国内音乐界专家、名人同声推荐
专文导读
焦元溥（知名乐评家、作家、古典音乐广播节目主持人）
吴家恆（知名广播节目主持人）
金立群（国立交通大学音乐研究所副教授）
马世芳（作家、广播节目主持人）
杨照（知名作家、评论家、广播节目主持人）
詹宏志（PChome网路家庭董事长）
蔡永文（国立台湾艺术大学表演艺术学院院长）
谢哲青（知名作家、节目主持人）
（依姓氏笔画排序）
国际媒体一致好评
古铎文笔诙谐、机锋处处……更重要的是，他以深入浅出的方式层层展现出个人深厚的学术涵养……可以预见的是，此书将不只能获奖，更能改变人生。──《英国每日电讯报》（Daily Telegraph）
这是一本平易近人的工具书……兼而广纳正确的音乐知识和雄辩的各种观点……，是一场充满知识且引人入胜的阅读飨宴。──《苏格兰週日报》（Scotland on Sunday）
古铎的笔触颇有滚石摇滚乐团名曲〈跳跃的杰克福兰西〉（Jumpin' Jack Flash）的朝气。──《泰唔士报》（The Times）
拨开音乐起源的层层迷雾，追寻宇宙和艺术定律的演进历程，还有谁能比这位作者更能担此重任！──《每日快讯》（Daily Express）
著者信息
霍华‧古铎（Howard Goodall）
生于1958年，英国当代炙手可热的作曲家，专长是创作音乐剧、合唱曲和电视配乐。曾获艾美奖（Emmy）、古典全英音乐奖（BRIT）和英国电影与电视艺术学院奖（BAFTA）等殊荣。
于BBC策画并主持《音乐的故事》（The Story of Music）系列节目。重要作品有由小说改编的舞台音乐剧《雇工》（The Hired Man）、《爱情故事》（Love Story），以及合唱音乐作品《永恆之光：安魂弥撒曲》（Eternal Light: A Requiem）等。
古铎制作了无数的电影与电视配乐，包括《第伯雷的牧师》（The Vicar of Dibley）、《黑爵士》（Blackadder）、《红侏儒》（Red Dwarf）、《QI》，以及《直闯暴风圈》（Into the Storm）等。2011年获颁大英帝国奖章（CBE）以表扬他在音乐教育上的卓越贡献。
译者简介
赖晋楷
政大广电系毕业，美国百克里音乐学院（Berklee College of Music）主修爵士吉他与现代音乐。现从事唱片编曲、短片及纪录片配乐、广告配乐、电视节目片头配乐、电脑多媒体配乐等。
图书目录
前 言 奇蹟诞生
第一章 探索时期 西元前40000年─西元1450年
第二章 忏悔时期 1450─1650年
第三章 发明时期 1650─1750年
第四章 优雅与感性时期 1750─1850年
第五章 悲剧时期 1850─1890年
第六章 反叛时期 1890─1918年
第七章 流行时期（一） 1918─1945年
第八章 流行时期（二） 1945─2012年
谢 词
延伸聆赏
延伸阅读
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图书序言
知其然，也要知其所以然／焦元溥（知名乐评家、广播节目主持人、伦敦国王学院音乐学博士）
首先要说的，是这本书叫作「音乐大历史」，而不是「西方古典音乐史」。因此如果你是「当代古典音乐」的爱好者，却发现作者把第一次世界大战至今的时代归类为「流行时期（一）和（二）」，讲爵士乐、摇滚乐和披头四远远超过魏本、梅湘与史托克豪森，音乐剧多过歌剧，可千万不要觉得讶异。
既然是「音乐大历史」，主要讨论的范围又长达2000年，这本书自然不可能详尽介绍个别作曲家的生平与作品，也不可能是名曲指南─对于已经看腻这类着作的朋友，您大可放心手上这本，内容绝对和我们所熟知的音乐书很不一样。但作者古铎要讨论什么呢？他最主要的内容，在于告诉读者我们今天听到的音乐，为何会是这样的面貌：比方说，什么时候我们从单声部歌唱演进到多声部？什么时候我们把旋律配上和声？摇滚乐在什么时代背景中出现？古铎不只交代事实，更不厌其烦地解释背后的原因，回答各式各样的「为什么」。如果你想知道为何钢琴键盘上一个八度里是12个音？大调和小调是什么关系？什么是「对位」？为什么要有「不和谐音」？甚至摇摆乐为何听起来会摇摆？「流行音乐」何以取代「古典音乐」成为世间主流？身为作曲家的作者都毫不怯战，以最少量的音乐术语和最精简扼要的篇幅，为一般读者说明道理何在。换言之，《音乐大历史》可以是优秀的教科书，更可以是爱书人与爱乐人的「音普」读本。作者写作很认真笃实，但这本书并不是僵硬死板的学术着作，而你若能带着幽默感阅读（而且是英国式的冷幽默），更能被古铎的文笔逗乐，边读边听之外更能边读边笑。
也正是因为古铎的写作目标明确，他才可以从西方音乐的立场来谈「音乐大历史」，否则这本书该是一本介绍世界各地音乐的总集，从南美洲民歌到日本歌舞伎都该涵括在内。再次强调，音乐类型没有高下之分：印度传统音乐和中国古琴，两者都是精彩艺术，非洲部族合唱和马勒交响曲也都值得尊重。作者以「西方音乐」为主轴，并不是因为他独尊西方，而是论及创作技术的发展，所谓的「西方（经典）音乐」确实是已知所有音乐类型中，人类投注最多心力，发展也最丰富多元的一门艺术。它不断拓展表现可能与技法种类，也包含愈来愈多的观念、价值与文化。特别从19世纪末至今，经过这120多年来资讯逐渐无国界的发展，现在的「经典音乐」已是高度融合性的概念。它来自「西方」，却也不再专属于「西方」。
就像油画，其观念和技法虽然来自「西方」，但席德进或陈澄波并不因绘制油画就变成西方人，中国与台湾画家也并非仅能以书法水墨来表达情感与思考。以此观之，有人以义和团的心态否定「西方经典」，或认为「古典／经典音乐」是专属西方的过时产物，台湾本土文化和「西方音乐」无法融合，都是昧于事实。如果「古典音乐」和本土文化不能融合，其思考与技法不为台湾文化所接受，那邓雨贤的歌曲中显然导音不用回到主音，属和弦最后不用回到主和弦─这是事实吗？
当然不是。但为什么邓雨贤不用台湾传统音律，而要用西方和声系统下的调性音乐谱曲呢？这就回到古铎此书的主轴，音乐不只是作品，更是观念、思想与技术，而且是持续蓬勃发展上千年的观念、思想与技术。今日全球音乐的主要面貌，乃奠基于「西方」音乐而来。这是历史事实，我们无须否认，但也不用妄自菲薄。「西方音乐」与本土（台湾）文化的融合，并不只在我们的垃圾车播放贝多芬《给爱丽丝》，或周杰伦在作品里引了柴可夫斯基《船歌》，而是我们如何运用这个现今已经无所不包的技术与观念来表达自己。若能真正认识音乐艺术的内涵，特别是它的发展进程，我们可以从中欣赏「西方」，同时也可欣赏自己。
不过，即使古铎博学雄辩且思路通畅，《音乐大历史》也不是不可质疑的圣经。比方说，我就不能同意他对华格纳「影响力」的评论。我讶异作者居然对法朗克与其学生对华格纳的崇拜视而不见，更疑惑他何以不理解「影响」可以展现在恰恰相反的表现上─写得像张爱玲，或刻意避开张爱玲，其实是一体两面，背后都是祖师奶奶巨大的身影。更何况大作曲家有办法另辟蹊径，例如德布西就是从刻意摆脱华格纳的压力中找出新方向，一般作曲家或许就只能随波逐流或守旧不前，因为他们缺乏能力跟上时代。只看大作曲家而不看一般人，并不能忠实呈现一个时代的面貌。至于其他更个人化的观点，诸如「李斯特的曲子旋律性不够，曲调让人记不起来」、「德沃札克新世界交响曲（可能）引用了黑人灵歌调子，而这是一种优越白人对其他文化的掠夺」、「荀贝格用十二音列技法所写的作品都不好」、「电影音乐是古典音乐的救星」等等，对此我有自己的意见，读者更可以有相异的看法。但无论我们是否同意古铎，他都以证据支持自己的看法，尽可能详细申说，态度开放而非独断。至于偏见，古铎当然也有─别忘了他是英国人，而我觉得他对英国作曲家与音乐活动的重要性，有时显得过于强调。但这不一定是坏事，至少当他在评介韩德尔时，你会知道他下笔时绝对动了真情，而我也深深被他的文字感动。
期待大家能更喜爱音乐，更喜爱阅读。知其然，也要知其所以然，就让《音乐大历史》带您一同探索，每天都有新收获。
前言
奇蹟诞生
也许你最喜欢聆听的是1600年蒙台威尔第（Claudio Monteverdi）的音乐，或者是1700年的巴赫（Johann Sebastian Bach）、1800年的贝多芬（Ludwig van Beethoven）、1900年的艾尔加（Edward William Elgar），也可能是2000年的酷玩乐团（Coldplay）。不论你喜欢的是哪一种，事实上，足以产生那种音乐的每个条件，例如和弦、旋律以及节奏等元素，大约在1450年就已经被发现了。
当然我指的并不全然是人们所使用的乐器，或是那些让每一首歌曲、协奏曲或歌剧听起来既独特又鲜明的无数新奇古怪创意，而是那些原始素材：音乐的积木。为了让莫札特（Wolfgang Amadeus Mozart）的歌剧《唐．乔凡尼》（Don Giovanni）开场可以仅用3个戏剧性和弦就技惊四座，必须有人先想到同时演奏不只一个音的主意。为了让盖希文（George Gershwin）能在他的乐曲〈夏日时光〉（Summertime）用高音独奏在旋律上空恣意翱翔，并制造出迷人的翘翘板伴奏效果，有人得先研究和声的魔法，以及那诱人的轻快节奏。为了使我能轻松写意地坐在家中钢琴前面，悠闲地弹奏这两首杰作──即刻且要如作曲家所想表达的一样──得先有人想出记谱的方法，并伴随着演奏表情指示。
事实上，21世纪的人们很容易忽略一个事实，那就是我们在音乐的选择上完全被宠坏了，只须用手指按个按键，就几乎能无所不听。但在距离我们不远的19世纪末期，即使是最痴迷的爱乐者，终其一生也顶多只能听3或4次他们最喜欢的曲子，除非你刚好有机会接触乐谱与乐器的专业演奏者；而且想在家中欣赏大规模曲式的作品，也几乎是不可能的任务。在录音技术与无线电收音机科技问世之前，前人对于要听什么与何时可听这种事，实在没什么选择。也是因为录制音乐技术的进步，人们可以自由购买喜欢的音乐，并借由展示自己对某一首曲子或某种音乐风格的偏好来参与音乐，也同时影响其他人。
然而无可避免的，音乐上的民主化同时也带来新的问题。一直以来，音乐的流行品味都是由少数富有的赞助者与机构组织主宰，他们在景气繁荣时，偶尔会给作曲家一点实验空间，而作曲家们也不必害怕饿肚子。但后来这个被称为「流行音乐」的时代，却无预期地变成一道分水岭，在所谓古典音乐范畴的现代派音乐，以及较平易近人的当代音乐之间画出一条界限。对在世的作曲家而言，古典音乐的过去让他们承担沉重的压力，尤其当过去录制的大量音乐被发现又重新出版之后，更是雪上加霜。如果作曲家们不把怨怼转化成创意，并想办法结合其他领域的养分重新唤回听众，古典音乐几乎可说是走入绝境。现代的电影音乐，就是古典型态的音乐与现代流行艺术形式巧妙结合的其中一例。对音乐家而言，这种适应环境与随潮流改变的直觉，在过去100年来特别强烈──也特别需要，但它一直都是音乐生活的残酷现实。假使所有时代的作曲家都不愿意去学习、发明、借镜甚至剽窃，那我们今天可能还在听单音圣歌。很幸运的，他们共同努力的心血，转化成当代西方音乐的主干。
我们口中所谓的「西方」音乐──现在世界上几乎所有音乐创作、录制与表演的媒介，在过去100多年来，吸收世界上「其他」的音乐文化加以混合─是起源于世界音乐地图的局部分支。欧洲中世纪部落有他们独有的音乐形式，在非洲、亚洲、美洲及澳洲（他们至今仍保留其传统）的部落也是。然而造就「西方音乐」这通用的类别，是交织了其他音乐丝缕，由埃及、波斯、希腊、赛尔特、北欧及罗马人的音乐组成。然而，就像世界上所有音乐文化传统一样，音乐一开始都是即兴、分享、自发及短暂的。
世界上其他伟大的音乐文化，至今仍保有即兴和父母口述传子的传统，而这项传统至今已经延续千年，例如印尼与峇里岛的某些传统音乐，已理直气壮地维持数百年不变。然而，从冰岛繁盛到里海的音乐分支，并没有原地不动，借由一连串地改革，使它拥有傲人的新能力。这么说并不代表我们所继承的西方音乐比印尼音乐来得更好，然而西方世界广角发展的音乐动能，大于其他地区的音乐文化，却也是无法忽视的历史事实。渐渐的，借由过人的决心与开创精神，西方音乐的语汇与脉络，现在看来已成为能够容纳世界上每一个音乐点子的共同语言。
然而要诉说音乐那精彩绝伦的开放故事，对每个人而言多少都是虚幻的。更糟的是，它看起来像是人为的虚幻，笼罩在神祕的术语和扑朔迷离的分类之中，像是一个为专业人士俱乐部所设的特权圣地与保护区。
对于古典音乐的分类方法，人们延续了前人一连串错误且令人混淆的历史标签，几乎没有一个能精准描绘出当时音乐发生了什么事。以文艺复兴──「再生」（rebirth）──来说，那是大约介于1450到1600年之间的阶段，期间艺术、建筑、哲学与社会观的步伐，都往前迈进一大步。事实上，音乐也在此阶段经历许多转变，也就是它最伟大的变革─音乐记谱法的发明、格律组织的发想、和声与乐器制作的发展─其实这些过程早就随着许多生活的其他面向，在中世纪无数漫长、无知、黑暗的夜晚中悄悄进行。文艺复兴时期那些有权势的人（顺道一提，没有一位是音乐家），受到古希腊罗马古典（classical）文明的灵感启发，但是在音乐上的「古典时期」，一直到18世纪晚期才真正萌芽，而古典这个词，却已经十分令人困扰地占领了所有西方音乐中非「流行」（popular）的地盘。而在这两者之间，我们还有巴洛克时期，巴洛克风格在艺术上以华丽多余的装饰着称，但在音乐上却以纯粹与简约的风格呈现。
接下来，音符本身出现一个混乱的错误标示。例如音乐中长度最长的音符称为「短音符」（a breve），「a breve」是「短」的意思，一个「breve」能被细分成四个「微量」（minim），意思是「最短的」─即使它最多还能再细分为八个。在英国公认的「八分音符」（quaver），到了法国却叫「croche」，英国化的「croche」叫作「crotchet」，但是它代表的却是原来「croche」两倍长的音符。德国人和美国人把两个「crotchet」称为「半音符」（half-note），然而法国人把半个「croche」叫作「double-croche」，把「crotchet」叫作「黑色」（noire），把「minim」叫作「白色」（blanche），但是这黑与白并不是指钢琴上的黑白键，族繁不及备载。
时代的错误与死胡同，让古典音乐摧毁了自身的路标，我将逐章解决这些问题，并试图解开前人遗留在身后那一团混乱的结。
最重要的是，我诉说的音乐故事主要聚焦在随着时代变迁而进化的声响，以及音乐本身的革新，而不在那些因为出名而出名的作曲家们。当然大多数的音乐改革是由知名的作曲家所发动，但有时改革的推动者是由许多不起眼的男男女女组成，他们的名字也不会出现在世界各大音乐厅的大厅石板上，他们代表的是庞大西方音乐拼图的一小块。世界上已经有许多书籍告诉你，贝多芬在他的钢琴下到底藏了什么，或是谁杀死了猫王，而我只在乎他们对音乐带来什么样的改变（你们到时就能知道他们两位如何改变音乐）。
这本书最主要的重点，是聚焦在西方音乐独特迅速的进步，必然会动用到其他音乐文化的观念与技巧，面不改色地在流行、民谣和艺术音乐之间来回摆动。我的使命是用一般音乐爱好者能产生共鸣的方法，重新讲述一次关于音乐的故事。我想这样做的决心，借由相信音乐是一种统一的语言而更加坚定，而在一切的努力之后，我确信人们在不同阶段所做的区隔和分类，常常是过于刻意的。音乐家们在日常工作、生活中演奏不同风格的音乐，并在各种领域之间转换技巧，是理所当然的事，这是一个不争的事实。现在该是把这个事实分享给其他人的时候了。
音乐的故事──一波波探索、突破与发明的浪潮──是一种持续的过程，而下一波大浪也许会在中国北京的后巷发生，或在英国盖兹黑德（Gateshead）的某个地下室彩排区。不论你喜欢什么音乐─蒙台威尔第还是曼托瓦尼（Annunzio Paolo Mantovani），莫札特还是摩城音乐（Motown），马肖（Guillaume de Machaut）还是混搭（Mash-up）──它所凭借的技巧并不是天上掉下来的礼物，而是某人在某地率先想到的。要讲述这个故事之前，我们必须先清除心中日积月累的纷乱杂音，试着想像我们今天视为理所当然的许多创新发明，对曾经目睹它们诞生的人们而言，是多么充满革命性、多么令人振奋，甚至多么令人摸不着头绪。
不久之前，音乐还只是寂静荒野中珍稀微弱的耳语，现在它就像我们每天唿吸的空气一样到处都是。
这奇蹟究竟是怎么发生的？
图书试读
在1906年的圣诞节前夕，一个座落在麻塞诸塞州（Massachusetts）勃兰特石（Brant Rock）、远眺大西洋并受到狂风勐烈袭击的发射台，一个意义重大的声音被听见了。那是人类首度使用无线电波传送唱片里的音乐：韩德尔广板的缓慢曲〈在那树荫底下〉（Ombra mai fu），由一位勇敢无畏的无线电先锋费森登（Reginald Fessenden）所传送。
这次「播送」（broadcast）──当时关于无线电传播尚无确切的名称，最后借用农业辞汇「播种」这个单字──的指定接收人待在苏格兰西方海岸特别建造的接收站里，但这个接收站近来在一场暴风中遭到摧毁，最后节目表居然出乎意料地被海上船只拾获。有一段时间，这个实验广播并没有被公开，但它仍是将音乐带往新时代试验性的第一步。
到了1922年，1000万个美国家庭拥有收音机──从1919年最初仅6万个开始──其中有许多是家庭自制的晶体收音机。从1921年起，多达600多个发射站加入这个荣景，芝加哥的KYW广播电台每晚播放歌剧，以及歌剧季以外的轻松节目。同一时间，一个位在阿根廷布宜诺斯艾利斯的广播电台，在1920年8月从科里西奥剧院（Teatro Coliseo）传送了华格纳的歌剧《帕西法尔》现场演出的讯号，而在该城市内拥有收音机能接收讯号的家庭却不超过30个。位于大西洋另一边的英国，世界上第一家国家广播公司BBC于1922年成立，迎向一个让音乐能在每个角落属于每个人的时代，而且通常是完全免费的（在美国，付费给广播电台的广告事实上是从1920年代中期才开始；而在英国，政府会征收电台执照费用来资助国家广播公司BBC）。
免费广播音乐的时代来临，当世界上无数心存感激的人们轻松享受音乐的时候，音乐的价值、目的与风格也同时产生显着的改变，远超过音乐史上所有的变化发展；而20世纪在科技上的长足进步，对流行音乐与古典音乐造成的影响也有很大的不同。
用户评价
我一直是个对历史颇感兴趣的人，尤其喜欢那种能够串联起时间长河，展现事物演变的宏大叙事。当我在书店偶然翻开《音乐大历史：从巴比伦到披头四》时，就被它宏大的主题深深吸引了。这本书的内容之丰富，视角之广阔，着实令人惊叹。它并没有将音乐史局限于某个地区或某个时代，而是以一种全球化的视野，追溯音乐的起源，探讨其在不同文明中的发展脉络。从我印象中遥远而神秘的古巴比伦，到声名远播的古希腊，再到宗教色彩浓厚的欧洲中世纪，以及后来蓬勃发展的文艺复兴和巴洛克时期，每一个阶段的音乐都得到了细致的梳理和解读。作者在介绍不同时期的音乐风格时，并没有停留在表面，而是深入剖析了其音乐理论、乐器发展、作曲技法以及当时的社会文化背景。例如，书中对格里高利圣咏的起源和发展，以及其对西方音乐和声学基础的奠定作用的阐述，就让我对宗教音乐有了前所未有的理解。而在谈到文艺复兴时期的复调音乐，那种复杂精巧的织体和人声的和谐统一，更是展现了当时人文主义精神在音乐领域的体现。更难得的是，这本书并没有止步于古典音乐，而是将目光投向了近代流行音乐的崛起，尤其是对披头士乐队的深入解读，让我看到了流行音乐如何从一种大众娱乐形式，演变成具有深刻社会意义和艺术价值的文化现象。这本书就像一位博学的向导，带领我踏上了一段充满发现和惊喜的音乐之旅，让我对人类文明的丰富性有了更深的敬畏。
评分《音乐大历史：从巴比伦到披头四》这本书，绝对是我近期读到的最令人震撼的一本书之一。它提供的不仅仅是知识，更是一种全新的视角和深刻的感悟。我一直认为，音乐是人类最古老的语言之一，但在这本书之前，我从未想过它的历史可以如此悠久，如此多元。作者以一种史诗般的笔触，将我们从遥远的古代文明拉回到现代，一步步揭示了音乐如何在不同的文化土壤中生根发芽，又如何枝繁叶茂。从书中我了解到，即使在文字尚未普及的年代，人类就已经通过歌唱、敲击来表达情感、祭祀神灵，这种原始的音乐冲动，是推动音乐发展的最根本动力。书中对古希腊音乐理论的介绍，让我明白了“和谐”这个概念是如何被古人赋予深刻哲学意义的，以及它如何影响了后世的音乐美学。中世纪宗教音乐的庄严与肃穆，让我感受到音乐在精神领域的力量。而进入到文艺复兴和巴洛克时期，音乐仿佛迎来了爆发，各种复杂精巧的曲式和技巧层出不穷，展现了人类智慧的结晶。我尤其喜欢书中对不同时期作曲家生平及其创作背景的描述，仿佛他们就活在眼前，他们的音乐也因此充满了生命力。而当书本进入近现代，特别是对披头士乐队的深入剖析，让我看到了流行音乐如何突破界限，成为一种全球性的文化现象，并深刻地影响了社会。这本书不仅仅是音乐的年谱，它更是人类文明发展进程中，音乐所扮演角色的精彩记录。
评分《音乐大历史：从巴比伦到披头四》这本书，是一次对我认知边界的彻底拓展。我一直以为自己对音乐算得上是有些了解，至少对于主流的古典音乐和一些流行的曲目有所涉猎。但这本书让我意识到，我所知的不过是冰山一角。作者以一种近乎史诗般的叙事，带领我穿越了数千年的时光，去探寻音乐最本真的起源和最广泛的演变。我从书中了解到，即使在没有文字记录的史前时代，人类的祖先就已经在用歌声和打击乐来表达情感、进行仪式。这种最原始的音乐冲动，竟然是如此深刻地根植于人类的基因之中。书中对古巴比伦、古埃及等早期文明音乐的描绘，虽然充满推测，但却足够引人入胜，让我对那些失落的文明产生了更浓厚的兴趣。接着，作者将我们带入古希腊，那里音乐与哲学、数学融为一体，形成了对“和谐”的深刻理解。而中世纪欧洲，宗教音乐的庄严与回响，更是塑造了西方音乐的早期面貌。我特别喜欢书中对于不同时代音乐风格的生动描绘，比如巴洛克时期的华丽与复杂，以及古典主义时期的清晰与均衡。而当话题转向现代，特别是对披头士乐队的分析，更是让我看到了流行音乐如何能够如此深刻地影响一代人的思想和文化，它的意义远远超出了简单的听觉享受。这本书的魅力在于，它不仅讲述了音乐的发展，更讲述了音乐如何与人类社会、文化、思想的变迁紧密相连，是一部关于人类文明的宏大乐章。
评分我一直觉得，音乐是一种非常抽象的东西，它触动人心，却又难以言说。直到我读了《音乐大历史：从巴比伦到披头四》这本书，我才真正开始理解音乐的“前世今生”。它不仅仅是一本关于音乐的书，更是一部关于人类文明发展史的另类解读。作者以一种宏观的视角，将音乐视为人类情感、思想和生活方式的载体，贯穿古今，连接东西。我被书中对古代文明音乐的探索深深吸引，从巴比伦的泥板文献中推测出的乐器模样，到古希腊哲学中对音乐伦理的思考，都让我对人类早期对声音的探索充满了敬意。书中对于中世纪宗教音乐的阐述，不仅解释了音乐如何在教会中扮演重要角色，还揭示了其对西方和声体系形成的深远影响。接着，章节过渡到文艺复兴时期，那种对人性解放的歌颂，在音乐中得到了淋漓尽致的体现，那些多声部的合唱，仿佛将听众带入了另一个精神世界。我尤其喜欢作者在描写巴洛克时期音乐时所使用的生动比喻，将复杂的对位技巧形容为精美的建筑，将宏大的交响乐比作时代的缩影。而当话题转向近代，书中对古典主义和浪漫主义音乐的对比分析，更是让我理解了音乐风格转变背后的社会思潮。更让我惊喜的是，本书的野心并未止于此，它还深入探讨了20世纪流行音乐的崛起，特别是对披头士乐队音乐革命性的分析，让我认识到流行音乐并非肤浅的娱乐，而是具有深刻文化内涵的艺术形式。这本书让我重新审视了自己对音乐的理解，它让我明白，每一段旋律，都承载着一个时代的故事，一群人的梦想。
评分我向来对那些能够连接过去与现在的、有深度的历史解读类书籍情有独钟，所以《音乐大历史：从巴比伦到披头四》这本书，简直就是为我量身定做的。它不仅仅是一本音乐史的入门读物，更是一部充满了人文关怀和哲学思考的巨著。作者以一种极其宏大的视野，将音乐的发展轨迹，与人类文明的演进紧密地联系起来。我被书中对早期文明音乐的探究深深吸引，从对巴比伦泥板上刻画的乐器符号的解读，到对古埃及壁画中音乐场景的想象，都让我感受到了一种跨越时空的连接感。接着，书中对于古希腊音乐理论的介绍，让我明白了音乐并非随意的声音堆砌，而是蕴含着深刻的宇宙观和伦理观。而当我读到中世纪欧洲，那些在昏暗的教堂里回响的圣歌，它们不仅是宗教的赞美，更是塑造了西方音乐审美的重要基石。我尤其喜欢作者在描写不同时期音乐风格时，所使用的精妙的比喻，将复杂的音乐理论变得生动有趣。比如，将巴洛克时期的音乐比作精美的建筑，将古典主义时期的音乐比作理性的哲学思辨，都让我对音乐有了更直观的理解。而当本书将目光投向近现代，对披头士乐队的深入剖析，则让我看到了流行音乐如何成为一种强大的文化符号，它不仅带来了音乐的革新，更深刻地影响了社会思潮和青年文化。这本书让我重新审视了音乐的价值，它不仅仅是耳朵的享受，更是心灵的慰藉，是历史的见证。
评分说实话，一开始我拿到《音乐大冒险：巴比伦风情至摇滚年代》这本书的时候，并没有抱有多高的期望。我只是觉得“音乐大历史”听起来挺唬人的，可能会像学校里上的那些枯燥的音乐史课一样，充斥着各种术语和年表。但万万没想到，这本书完全颠覆了我的认知。它就像一位经验丰富的导游，带着我穿越了时空的迷雾，领略了音乐在不同时代、不同地域的千姿百态。我从未想过，那些我们今天听起来司空见惯的音乐形式，竟然有着如此古老而传奇的起源。书中对古代文明音乐的描绘，比如巴比伦人如何利用简单的乐器来表达情感和进行宗教仪式，以及古希腊人对音乐“和谐”理念的追求，都让我感到新奇不已。接着，书中又巧妙地将我们带入了中世纪欧洲，那里宗教音乐唱响了神圣的殿堂，而民间音乐则在市井角落流传。我特别着迷于作者对复调音乐早期发展的描述，那些精妙的声部交织，简直就像一场听觉的建筑艺术。然后，随着历史的进程，我们又迎来了绚丽的巴洛克时期，那些宏伟的赋格、华丽的协奏曲，无不展现出那个时代的辉煌。更让我感到震撼的是，作者并没有将音乐史简单地停留在古典时代，而是将视角拉到了近现代，尤其对披头士乐队的详尽分析，让我看到了流行音乐如何深刻地改变了世界。这本书的语言流畅生动，丝毫没有学术的架子，反而充满了故事性，让我欲罢不能。
评分这本《音乐大历史：从巴比伦到披头四》简直是打开了我对音乐世界的新认知。我一直以为自己对音乐还算了解，但读了这本书才发现，原来那些熟悉的旋律背后，隐藏着如此漫长而丰富的演变过程。从古代美索不达米亚地区那些模糊的乐器残片，到如今席卷全球的摇滚浪潮，作者以近乎考古学家般的严谨和艺术家般的细腻，为我们描绘了一幅波澜壮阔的音乐画卷。我尤其喜欢书中对不同文化背景下音乐起源的探讨，比如古希腊音乐理论如何影响了后世的教会音乐，以及东方音乐元素如何在潜移默化中渗透到西方音乐的发展中。书中对于不同历史时期音乐家的生平事迹和创作理念的描写也十分生动，让我仿佛穿越时空，亲眼见证了那些伟大的作品是如何诞生的。不仅仅是技术层面的分析，作者还深入挖掘了音乐与社会、政治、宗教、哲学之间的紧密联系，解释了为何在某个时代某种音乐风格会盛行，又为何会逐渐式微。读到关于巴洛克时期复杂的对位技巧，以及古典时期严谨的奏鸣曲式，我才真正理解到音乐不仅仅是悦耳的声音，更是一种精密的结构和深刻的思想表达。而当章节过渡到浪漫主义时期，那种澎湃的情感宣泄和个人主义的彰显，又让我感受到了音乐作为情感载体无可比拟的力量。即便是我自认为已经很熟悉的披头士，书中对其音乐创新、歌词意境以及对全球流行文化产生的深远影响的分析，也让我有了全新的视角。这本书的叙事方式非常吸引人，它不是枯燥的学术论述，而是充满了故事性和人文关怀，让每一个普通读者都能从中找到共鸣，感受到音乐的魅力。
评分我一直对那些能够跨越时空、连接不同文化的作品充满好奇，所以《音乐大历史：从巴比伦到披头四》这本书，无疑满足了我的这种渴望。它所呈现的，是一部关于音乐的宏伟史诗，一段跨越了数千年的探索之旅。作者以一种极其宏观的视角，将音乐的发展与人类文明的进程紧密地编织在一起，让我得以从一个全新的角度来理解人类的历史。我被书中对早期文明音乐的解读所深深吸引，从巴比伦的泥板文献中挖掘出的信息，到古埃及壁画所描绘的场景，都让我对人类最古老的艺术形式充满了敬畏。接着，书中对于古希腊音乐理论的阐述，让我明白了音乐不仅仅是声音，更是数学、哲学和伦理的完美结合。而中世纪欧洲，宗教音乐的庄严与神圣，则为西方音乐的发展奠定了重要的基础。我特别欣赏作者在描写不同时期音乐风格时的细腻笔触，比如巴洛克时期的华丽与复杂，古典主义时期的清晰与均衡，以及浪漫主义时期的情感澎湃，都让我对音乐有了更深刻的体会。更让我惊喜的是，本书并没有止步于古典音乐，而是将目光投向了20世纪的流行音乐，特别是对披头士乐队的深入剖析，让我看到了流行文化如何以前所未有的方式改变了世界。这本书让我明白，音乐不仅仅是艺术，更是人类情感的表达，历史的见证，以及文化交流的桥梁。
评分《音乐大历史：从巴比伦到披头四》这本书，给我带来的震撼是难以用言语完全表达的。它就像一个神奇的宝盒，打开后里面闪耀着人类数千年音乐文明的光辉。我一直认为自己对音乐还算有所了解，但这本书让我看到了一个我从未触及过的广阔世界。作者以一种极其生动且富有洞察力的笔触，带领我们从最古老的文明出发，追溯音乐的源头。我被书中对巴比伦、古埃及等早期文明音乐的描述所吸引，虽然信息有限，但作者通过考古证据和历史推测，为我们描绘了一幅幅生动的画面，让我们得以窥见那个时代音乐的样貌。接着，书中对于古希腊音乐与哲学、数学的联系的阐述，让我深刻理解了音乐作为一种“和谐”的艺术，其背后蕴含的深刻思想。而中世纪欧洲教会音乐的发展，则展示了音乐在精神信仰和文化传承中的重要作用。我最喜欢的章节之一，是关于巴洛克时期和古典主义时期音乐的对比。作者精准地抓住了不同时期的音乐特点，并用引人入胜的语言加以阐述，让我仿佛身临其境，感受到了不同音乐风格的独特魅力。而当本书的焦点转向近现代，特别是对披头士乐队的深入分析，更是让我看到了流行音乐如何能够突破地域和文化的界限，成为一种全球性的文化现象，并深刻地影响了社会。这本书不仅仅是音乐史的普及，更是一次关于人类创造力、情感表达和文化演变的宏大叙事。
评分我一直对艺术史和文化史领域的东西很感兴趣，所以当我在书架上看到《音乐大历史：从巴比伦到披头四》这本书时，立刻就被它的名字吸引住了。这本书的内容之丰富、视角之宏大，远远超出了我的想象。它并没有将音乐史简单地局限于西方古典音乐，而是以一种极其广阔的视野，从人类文明的黎明时期开始，一直讲述到20世纪最伟大的流行音乐团体之一。我特别欣赏作者在处理早期音乐史时所展现的严谨和想象力。从巴比伦文明的壁画和出土的乐器残片中，作者努力还原了那个时代音乐的可能面貌，这让我看到了音乐作为一种最古老的人类表达方式，其起源的模糊而神秘。接着，书中对古希腊音乐理论的阐述，让我理解了音乐不仅仅是声音的组合，更是与数学、哲学、伦理紧密相连的思想体系。而中世纪欧洲教会音乐的发展，则揭示了音乐在精神信仰和文化传承中的重要作用。最让我感到惊艳的是，作者能够将如此庞杂的历史信息，梳理得井井有条，并且用引人入胜的语言呈现出来。我从未想过，对于复调音乐、奏鸣曲式、变奏曲等音乐术语，能够在如此清晰易懂的解释下被我理解。当我读到关于浪漫主义时期音乐家们情感的澎湃宣泄时，我甚至能感受到他们内心的激荡。而最终，当本书的目光聚焦到披头士乐队时，我看到了音乐如何在现代社会中扮演更加多元的角色，它既是娱乐，也是反叛，更是文化的力量。这本书让我对音乐的理解，提升到了一个全新的维度。
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