自由自在地弹奏吉他的「大调音阶」（附CD） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 音阶
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• 附带CD
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• 技巧
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• 吉他学习

对应乐器
　　电吉他（Electric Guitar）
　　原声吉他（Acoustic Guitar）
　　
　　对应等级
　　初级者～中级者

　　让吉他进步停滞的瓶颈是
　　「大调音阶」！
　　深入了解指板的结构，
　　用吉他弹奏出所想的旋律！！
　　直接连结吉他与心的新感觉技巧

音乐的翅膀：开启指尖上的无限可能 本书并非专注于某一特定乐器技巧或曲目解析，而是以一种更为宏大、更具启发性的视角，探讨音乐创作、欣赏与表达的底层逻辑与广阔疆域。它致力于引导读者跨越技术壁垒，深入理解音乐的结构美学、情感共鸣的原理，并最终实现个人音乐语言的独立构建。 第一部分：音乐的骨骼——结构与逻辑的解构 本部分将音乐视为一种精密的建筑艺术，探讨支撑起一切旋律与和声的框架。我们不会局限于特定的调性体系，而是着眼于音乐形式的普适性原则。 一、节奏的脉搏：时间艺术的几何学 本章深入剖析节奏在不同音乐文化中的表现形式，重点不在于如何数拍子，而在于如何“感受”和“构建”节奏的张力。 复合节拍的张力与释放： 探讨如何利用不对称的节拍组合（如5/4、7/8）创造出驱动人心的律动，并分析这些节奏在爵士乐、前卫摇滚乃至世界音乐中的应用策略。 切分与重音的心理学效应： 节奏的“错位”如何影响听众的预期并引发兴奋感。我们将通过分析巴赫赋格中的对位节奏与斯特拉文斯基《春之祭》中的多层节奏叠加，揭示节奏如何从单纯的时间标记，升华为叙事工具。 自由时间（Tempo Rubato）的艺术： 探讨弹性速度如何成为表达个人情感的细腻工具，而非简单的速度变化。我们将研究浪漫主义时期钢琴作品中，演奏者如何在既定的框架内进行呼吸与停顿的“微调”。 二、和声的色彩：跨越调性的色彩学 本章旨在超越传统的大小调概念，探索和声如何成为构建情感氛围的主导力量。 功能和声的突破口： 分析和声功能（导音、主和弦、属和弦）在不同时代如何被故意“破坏”或“延伸”。重点解析印象派（如德彪西）如何利用九和弦、十一和弦构建流动、模糊的音响画面。 模态（Modes）的语汇库： 介绍古老调式（如多利亚、弗里吉亚）如何在现代流行音乐和电影配乐中被重新激活，以赋予旋律特定的地域性或情绪基调，例如用利底亚调式营造明亮、梦幻的氛围。 音色与和声的统一性： 探讨乐器音色如何影响听众对和声的感知。例如，弦乐的弱奏与铜管的强奏对同一组和弦会产生截然不同的心理影响。 三、旋律的线条：叙事性的构建 旋律是音乐的脸庞，本章关注如何设计出令人难忘且具有内在逻辑的线条。 动机发展（Motivic Development）的逻辑： 分析如何从一个极短的音乐“种子”（动机）出发，通过移位、逆行、扩大、缩小等手段，构建出完整乐章的统一性，而非仅仅是片段的堆砌。 轮廓与空间感： 探讨旋律的起伏和音域的选择如何塑造音乐的“空间感”。高音区往往带来紧张感，而中低音区的连续性则营造出沉思的氛围。 旋律与歌词（或意象）的契合： 分析不同语言的音韵结构如何影响旋律的走向，以及如何通过音高变化来强调文本中的关键意义。 第二部分：音乐的灵魂——情感与哲学的交汇 此部分将视角从技术层面提升至哲学层面，探讨音乐与人类内心世界的深层联系。 一、诠释的权力：从创作者到倾听者 音乐的意义并非固定不变，而是在演奏和聆听中不断生成。 “作品”与“事件”的辩证： 探讨音乐何时从一个静态的乐谱文本，转变为一个动态发生的、不可重复的“现场事件”。分析录音技术对这一转变的影响。 演奏者的主体性： 讨论演奏者在忠实于原作精神与融入个人理解之间的张力。优秀的演绎是如何通过对速度、动态的细微处理，揭示出原作中隐藏的张力的。 沉默的意义： 探讨“不发声”的部分在音乐结构中的重要性。休止符如何定义了旋律的形状，以及在特定文化中，环境噪音或观众的反应如何成为音乐体验的一部分。 二、风格的演变与流派的边界 本章旨在培养读者对音乐史的批判性理解，认识到风格的形成与消亡是社会文化交互作用的结果。 古典主义的理性与浪漫主义的激情： 并非简单罗列时间线，而是聚焦于两种美学观对音乐结构选择的具体影响。古典主义如何追求平衡与清晰，而浪漫主义如何服务于个体化的情感宣泄。 爵士乐的即兴哲学： 即兴创作的核心并非“随机”，而是基于深厚知识储备的“结构化自由”。分析和声进行框架如何为创造性的爆发提供支撑。 全球化时代的音乐融合： 探讨不同地理区域的音乐元素如何在技术推动下相互渗透，以及“世界音乐”（World Music）标签背后的文化挪用与尊重问题。 第三部分：构建个人的音乐叙事 本部分将理论与实践相结合，引导读者将所学的知识转化为自身的创作工具。 一、超越模仿的创作路径 “为什么是这个音”： 引导读者反思每一次音乐选择背后的动机。是服务于和声的连贯性？是服务于情感的增强？还是仅仅服务于音色的新颖性？ 音乐主题的视觉化： 学习如何将抽象的音乐概念转化为具体的视觉或情境描述，从而帮助在创作中保持清晰的“画面感”。 结构性思维在短小作品中的应用： 即使是三分钟的片段，也需要有引子、发展、高潮和尾声。学习如何在有限的空间内，构建一个完整、有力的音乐旅程。 二、聆听的深度训练 本书最后强调，最伟大的学习工具是专注的耳朵。我们将提供一套进阶的聆听练习方法，帮助听者： 1. 分离层次：在复杂的管弦乐中，区分出旋律声部、和声支撑声部和节奏基础声部。 2. 预测与验证：在熟悉的乐曲中，尝试预测下一个和弦或旋律走向，并验证自己的判断是否符合作曲家的意图。 3. 情绪追踪：记录自己在聆听不同音乐时，身体和心理上产生的具体生理反应，建立个人化的“情绪-音乐”图谱。 通过对音乐内在结构、情感张力与文化语境的全面探索，本书旨在为所有音乐爱好者和学习者提供一把钥匙，去开启一个超越乐器限制、自由翱翔的音乐宇宙。它教导的不是“如何弹奏某个音阶”，而是“如何让你的声音拥有意义”。

作者简介

藤田Tomo

　　1965年出生于京都。21岁前往美国。91年，波士顿吉他竞赛(Boston Guitar Competition)中首位的日本人优胜。93年，就任伯克利音乐学院(Berklee College of Music)吉他科讲师。98年，晋昇为同校助理教授。教导过的学生有着名的John Mayer、Eric Krasno(Soulive)等许多人。95年1st专辑『Put On Your Funk Face』，2007年2nd专辑『Right Place,Right Time』发行。2010年，发行了迎接？Steve Gadd、Steve Jordan、Bernard Purdie、Will Lee的3rd专辑『Pure』。现为讲师‧吉他手，在美日两国活动中。

　　官方网站　www.tomofujita.com/

第1章    学习大调音阶(Major Scale)的意义
LESSON 01    借由学会大调音阶(Major Scale)所能得到的成效
LESSON 02    至今所有学习法的问题点
LESSON 03    即兴演奏(ad lib)及大调音阶(Major Scale)

第2章    学会大调音阶(Major Scale)
LESSON 04    对于大调音阶(Major Scale)的各种想法
LESSON 05    记住大调音阶(Major Scale)的响音
LESSON 06    在各种调性(Key)上的大调音阶(Major Scale)
LESSON 07    2条琴弦的结合
LESSON 08    掌握住八度音(Octave)的位置

第3章    大调音阶(Major Scale)的应用训练
LESSON 09    探索把位选择的可能性的练习
LESSON 10    深入了解旋律的练习
LESSON 11    使用了CAGED的琴弦组合
LESSON 12    3 Note Per String Scales的运用
LESSON 13    三和弦(Triad)＆琶音(Arpeggio)
LESSON 14    总复习的练习曲

第4章    音感训练
LESSON 15    唱出Do-Re-Mi的训练
LESSON 16    乐理与大调音阶(Major Scale)

第5章    调式(Mode)
LESSON 17    理解调式(Mode)的特色

前言
结语
作者档案
录音机材
CD收录内容清单

评分☆☆☆☆☆

对于已经掌握了一些基础乐理，但希望在吉他即兴演奏上更进一步的乐手来说，《自由自在地弹奏吉他的大调音阶》绝对是一本值得细细品读的佳作。我曾经尝试过很多关于音阶的书籍，但很多都停留在理论层面，缺乏将乐理与实际演奏相结合的指导。这本书最大的亮点在于，它真正做到了“理论与实践并重”，并且以一种“赋能”的方式，让学习者能够真正“理解”大调音阶的内在逻辑，从而实现“自由自在”的运用。书中的案例分析非常到位，它不仅仅给出音阶图谱，更重要的是引导你去思考为什么这个音阶在这个和弦下听起来是这样的，以及如何通过对音阶的“变奏”来创造出富有表现力的旋律。CD里的内容更是如虎添翼，它提供了多种风格的即兴示范，让我能清晰地听到不同音阶在实际演奏中的应用，并且能够模仿学习。这本书让我明白了，大调音阶并非只是一个固定的“模版”，而是一个充满无限可能的“音乐宇宙”，等待我去探索和创造。

评分☆☆☆☆☆

我是一位有着几年吉他基础的乐手，一直以来对大调音阶的理解都停留在“知道有这么个东西”的层面，虽然能按着图谱弹出来，但总感觉抓不住它的灵魂，无法自如地运用到即兴演奏和创作中。《自由自在地弹奏吉他的大调音阶》这本书，就像一位经验丰富的吉他导师，用一种我从未想过的方式，为我拨开了迷雾。它不仅仅是关于“怎么弹”大调音阶，更是关于“为什么这么弹”以及“如何让它为你所用”。书中对大调音阶内在逻辑的解析，特别是将其与自然界、情绪色彩联系起来的比喻，让我眼前一亮，瞬间理解了不同音符组合所能营造出的氛围。我最喜欢的是它提供的“音阶思维”训练，不再是机械的上下行练习，而是引导我去思考音阶的“味道”，如何通过改变音符的顺序、节奏、力度来表达不同的情感。CD里的示范演奏也极具启发性，不仅仅是标准的音阶演示，还有许多将音阶融入旋律和即兴的片段，这让我看到了大调音阶在实际运用中的无限可能性。这本书的深度和广度，让我觉得我之前所学的关于大调音阶的知识，现在才真正被“激活”了。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直打开了我新世界的大门！作为一名对吉他充满热情但又常常被各种复杂的乐理理论搞得头晕脑胀的初学者，我一直渴望找到一本能让我“玩”起来而不是“学”起来的书。《自由自在地弹奏吉他的大调音阶》正是这样一本神奇的指南。它没有一开始就丢给我一大堆枯燥的音程、和弦构成，而是从最直观、最感性的角度入手，让我能立刻感受到大调音阶在吉他上的“样子”。书中的配图清晰明了，手指的按法、拨弦的方向都一目了然，配合附赠的CD，我发现自己竟然能够很快地跟着示范弹奏出一段段悦耳的旋律。最让我惊喜的是，这本书并没有止步于音阶的“形”，而是深入到了音阶的“神”。它通过各种富有启发性的练习，让我理解了每个音符在音阶中的“角色”，如何去“运用”它们来创作，而不是死记硬背。我曾经尝试过很多教材，都觉得进度太快，或者缺乏实践性，但这本书完全不同，它循序渐进，每一步都让我充满成就感，学习的过程变得轻松有趣，真正做到了“自由自在”。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐爱好者，平时喜欢自己摸索着玩吉他，但总觉得自己的演奏很“业余”，缺乏乐感和流畅度。偶然间看到这本书的介绍，被“自由自在”这几个字吸引了，想着也许能找到一些不那么死板的学习方法。《自由自在地弹奏吉他的大调音阶》这本书，真的做到了名副其实！它并没有上来就讲枯燥的乐理，而是从最容易入手的大调音阶开始，用非常直观的方式告诉你如何在吉他上找到它们，并且通过一些简单有趣的练习，让你很快就能弹奏出听起来很“好听”的片段。我最喜欢的是它没有把音阶当成一个独立的单元来教，而是把音阶和实际的旋律、歌曲联系起来。CD里有很多示例，我跟着弹，感觉自己一下子就能把学到的东西用起来，而不是学了就忘了。书里还提到了一些关于如何“思考”音阶的建议，比如怎么把音阶变成一个旋律，或者怎么用音阶来“填补”歌曲中的空白，这些对我来说都非常有启发。读完这本书，我感觉我对吉他的理解更深了，弹奏的时候也更加自信，不再是机械地重复，而是开始能加入自己的想法了。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对音乐理论有着强烈好奇心的独立音乐人，我一直想深入理解大调音阶在音乐中的核心地位。《自由自在地弹奏吉他的大调音阶》这本书，以一种极其新颖且富有艺术性的视角，彻底颠覆了我对传统乐理教学的认知。它不是一本冷冰冰的教科书，而是像一位与你一同探索音乐奥秘的伙伴。书中的语言充满诗意，将抽象的乐理概念具象化，让我深刻体会到大调音阶不仅仅是音符的集合，更是构成音乐情绪和色彩的基石。我尤其欣赏它对“情感与音阶”的深度探讨，它引导我思考每个音符在大调框架下所代表的“情绪光谱”，以及如何通过对这些音符的灵活编排，来精准地表达创作者内心的感受。这本书的价值在于，它不仅仅提供了“工具”（音阶指法），更提供了“思维”（如何运用音阶）。CD中的内容更是锦上添花，它并非简单的伴奏，而是精心设计的示范，让我能直观地感受到不同音阶走向和节奏变化所带来的音乐质感。读完这本书，我感觉自己仿佛获得了解锁音乐密码的钥匙，未来在创作时，能够更加自信地挥洒我的音乐灵感。