流行爵士和声学（二）(附CD光碟一片) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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本书特色

　　自从第一本流行爵士和声学(一)出版之后，受到来自各地热爱爵士音乐的朋友们支持与鼓励，本着感恩的心继续编写了这本《流行爵士和声学(二)》，长达三年的慎密研究与思考，所有的工作；从资料整理、选曲、编写、打谱以及后续的校稿工作，几乎让我体力不支。曾经因为长时间的用脑过度与颈部僵硬而导致晕眩的反复发作。是什么力量如此支撑着我？又什么原因让我无悔的在盗版盛行的环境下几乎无偿的付出心力？因为我深知“生命只有一次，我不愿给未来留下遗憾”。这是我的倾心之作，也是我的倾情之作。

　　爵士音乐的内涵不断的在创新，其中包括旋律与和声的创意，即兴的自由发展也是不可缺少的重要环节。从1917年第一张爵士唱片问世至今，大约百年的爵士音乐经历了各个时期不同风格的发展与演变，形成当今爵士理论的丰富性与复杂性。为此，需要一部能够帮助我们弄懂其中的抽象意念与逻辑思维，

　　若将第一册比作爵士的入门指引，那么第二册(本书)就是带领我们遨游爵士寰宇的指导经略。

　　本书附带的光碟中，每一段音轨记载着与谱例相关的音乐现象，应该善于利用这些音频引领我们开发合理的听觉反应。因为所有的理论知识不外乎是为了帮助我们听到最正确的声音；包括对和声与旋律的理解，然后在演奏或者编／作曲的时候让我们能够预先感觉到那些正确的声音。这是一本进阶的爵士理论工具书，需要对第一册有通盘的了解后方可研读此书，否则事倍功半；徒然浪费时间而已。许多现代音乐从业者既是作曲家也是演奏家、教育家，他们都能够熟记好几百首与爵士有关的经典或流行曲，同好们应该尽量多熟记一些与爵士有关的经典或流行曲，或者至少将本书中所推荐的曲目多听、多弹、多背。然后，将是收获满满的迎接。

　　当今的社会朝向多元化的发展，音乐也不例外地反应了社会的多元性。所以当我们创作、演奏音乐的时候应该考虑到自然与社会的平衡、理性与感性的平衡、商业与艺术的平衡。其实音乐(大自然的各种声音)早就存在于这个世界上了，只不过人类是以一种表演的方式将它呈现。人类是目前地球上唯一的智能生物，人类能够发现合理或不合理的声音现象，透过推理与思考；找寻出一些新的规律。音乐一直存在你我的心里，我们需要倾听内心的声音，让它自然地流露。而此书中所阐述的音乐理论并不能代表整个音乐，它只能起到帮助我们了解某些音乐现象，真正的音乐必须是内心感性的自然流淌。因此当我们学会了许多音乐理论之后切勿被它捆绑，而是要能够为我们心中那个叫做音乐的灵性所使用，让音乐本身带领我们自然的去演奏与创作。

　　人生有许多可以挥洒的空间，我们应该好好把握。如果不够珍惜这些努力的机会，失去了自我实现的存在价值是何等可惜，仅管我不属于最聪明的那一类，但我愿是那个最勤奋努力与愿意将自己投入到音乐世界的人。感谢上海音乐学院，在这个优异的平台传授着我为之追求一生的知识，让我感动和自豪。每到上课时，当我用眼睛和大脑探索爵士音乐教学的规律和奥秘时，那份惊异和兴奋难以言传，也由此架起了我与学生们心灵沟通的桥梁。和声爵士天马行，铜管丝竹驭时空。悠扬乐声乍响起，因缘际遇得桃李。

好的，这里为您提供一份关于一本名为《流行爵士和声学（二）(附CD光碟一片)》的图书的不包含该书内容的、详尽的图书简介，侧重于其他相关或相邻领域的书籍内容： 现代音乐创作与理论探索：一部面向进阶学习者的综合指南 图书名称：《现代音乐创作与理论探索：一部面向进阶学习者的综合指南》 ISBN： (虚构) 978-7-5599-XXXX-X 出版社： 环宇音乐文化出版社 定价： 128.00 元 开本： 16开 页码： 680页 附录： 资源索引与术语表 内容梗概 本书并非聚焦于传统爵士乐的和声进行或特定的演奏技法，而是将视野扩展至20世纪中叶至今的各类现代音乐创作领域，特别是电子音乐制作、电影配乐的结构分析、当代古典音乐的音色运用，以及融合了世界音乐元素的作曲方法。本书旨在为已经具备扎实乐理基础，并渴望将理论知识转化为创新性作品的作曲家、编曲家和音乐制作人提供一套系统化、实践导向的进阶教程。 本书的结构分为四大核心模块，每部分都深入探讨了影响当代音乐面貌的关键技术和美学思潮。 --- 第一模块：电子音乐与声音设计前沿（约 200 页） 本模块彻底脱离了传统乐器和声的框架，重点探讨数字音频工作站（DAW）环境下的声音构建逻辑。 1. 颗粒合成与时间拉伸技术 详细介绍了如何利用频率调制（FM）合成、波表合成和颗粒合成技术，创造出前所未有的音色纹理。内容涵盖了对信号链中失真、滤波和调制效果器的深入理解，以及如何使用非线性效果器来模仿自然声学环境的衰减。 2. 节奏的解构与重构 超越传统的 4/4 拍，本章分析了如何运用多重对位节奏（Polyrhythm）、非对称节拍（Asymmetrical Meters），特别是在 IDM（智能舞曲）和实验电子乐中如何通过微小的节奏错位（Groove Quantization）来营造驱动力。还包括对早期磁带音乐中时间感操作的致敬和现代数字实现。 3. 空间化音频与沉浸式体验 探讨了Ambisonics（全景声）和双耳渲染（Binaural Rendering）在音乐作品中的应用。详细讲解了如何通过精确的延迟、混响时间常数（RT60）控制和相位处理，在听众的心理空间中构建出立体的声音景观，这对于游戏配乐和沉浸式艺术装置至关重要。 --- 第二模块：电影与媒体配乐的叙事结构（约 180 页） 本模块关注音乐如何与视觉叙事深度融合，分析了不同时代电影配乐的作曲策略。 1. 主题动机的动态发展（Thematic Transformation） 区别于传统的“华格纳式”或“浪漫主义”主题构建，本书侧重于后现代电影配乐中碎片化、非功能性和多层次的主题处理。例如，如何将一个简单的三音动机，通过变调、反向、频谱重构等方式，在不引起听众察觉的情况下，贯穿整部影片，并与角色的心理变化同步。 2. 极简主义在场景构建中的应用 深入分析了简约主义（Minimalism）作曲家如史蒂夫·莱奇（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）的技术，如何被好莱坞配乐借鉴。重点讨论了相位差（Phasing）技术在营造紧张感或催眠氛围中的有效性，以及如何将其与序列主义的节奏结构结合。 3. 声音景观（Soundscape）与音乐的边界 探讨了声场构建在非对话场景中的重要性。如何通过将环境音（如风声、机械噪音）进行音高和节奏的系统化处理，使其自然地融入到配乐的织体中，模糊了“噪音”与“音高元素”的传统界限。 --- 第三模块：当代古典与非传统复调（约 150 页） 此模块面向对20世纪后半叶“前卫音乐”感兴趣的读者，着重于拓展传统音高概念。 1. 十二音技法与序列化的延伸 超越勋伯格和韦伯恩的早期探索，本书着重于全序列化（Total Serialism）在不同参数（力度、时值、音高）上的交叉运用，以及机率音乐（Aleatoric Music）中，作曲家如何设定规则并允许演奏者的即兴空间。 2. 偶然性与开放形式（Open Form） 讨论了约翰·凯奇（John Cage）的哲学思想如何影响了乐谱的“非决定性”。详细分析了如何编写需要演奏者根据现场环境、乐器特性或观众反馈来即时决定的乐谱片段，以及如何记录和分析这些“开放式”作品的潜在结果。 3. 微音程与调式外和声 引入了1/4音（Quarter Tones）和更细微的音程系统。探讨了如何在标准五线谱记谱法之外，有效地记录和演奏这些音高，并分析了如何利用这些音程来创造出“失谐”或“漂移”的和声色彩，这在某些中东和南亚音乐的现代改编中尤为常见。 --- 第四模块：跨文化音乐元素的整合与创新（约 150 页） 本模块探讨如何以尊重和创新的态度，将非西方音乐的理论框架纳入到现代作曲实践中。 1. 印度古典音乐的拉格体系（Raga System） 详细介绍了拉格（Raga）的基本结构、升降音的使用以及与西方调式（Modes）的异同。重点分析了塔布拉（Tabla）节奏模式的复杂性（如 $ ext{Tintal}$），并教授如何将拉格的音高情感和塔布拉的节奏母题融入到交响乐或室内乐创作中，而不流于表面模仿。 2. 巴厘甘美兰（Gamelan）的复音织体 分析了五声音阶的复调织体（Hocketing）在甘美兰音乐中的运作原理，特别是互动性节奏（Interlocking Rhythms）如何产生一种“不断运动”的听感。提供了如何使用西方乐器组（如木琴、打击乐或合成器）模拟出这种层次丰富、永不停止的节奏动力学的方法。 3. 模式化与循环结构（Ostinato and Cyclical Forms） 对比分析了非洲西部的加纳节奏和欧洲的巴洛克固定低音（Basso Continuo），指出它们在“循环”与“渐变”之间的差异。此部分教授如何设计一个不易察觉的、但持续发展的循环结构，以替代传统的Tonic-Dominant的线性发展模式。 本书特色： 实践案例驱动： 每一章节均附带详细的分析案例（配乐片段、电子音轨或乐谱摘录），并指出其背后的核心理论工具。 跨学科视野： 融合了声学物理、心理声学、计算机科学在音乐中的应用知识。 专业资源索引： 附录提供了大量关于高级合成器插件、音色库、学术期刊和专业软件教程的推荐链接，为读者提供持续学习的路径。 本书适合音乐学院高年级学生、专业编曲人、希望拓宽创作边界的音乐教师以及所有对现代音乐理论深层结构感兴趣的严肃学习者。

作者简介

廖季文

　　台湾爵士吉他演奏家、上海音乐学院副教授。十四岁开始学习吉他，曾任台湾无线电视公司大乐队首席吉他手。经十余年里累积了扎实的基础和丰富的演奏经验，曾经为许多知名艺人、歌星担任现场及录音室的伴奏。

　　在没有信息科技、爵士音乐资源贫乏的年代，凭着一股对爵士音乐的热爱与强烈的求知欲，在客观环境极差的情况下，为更上层楼探求爵士音乐的奥秘，2001年毅然结束电视台的工作，只身到波士顿百克里音乐学院学习有关爵士乐的和声、编曲及演奏等相关课程，并以优异成绩毕业。

　　2003年返回台湾，担任台北法蓝瓷餐厅音乐总监；2006年，任教于上海音乐学院现代器乐打击乐系，开设“爵士吉他演奏”、“爵士音乐理论与创编”、“爵士音乐史”等课程；个人着作《流行与爵士和声学》得到上海音乐学院2011年优良教材奖；2006年发行个人演奏专辑《Taipei Blues》。

第一章  再论属七和弦
一.属七和弦分类
二.对称式减音阶
三.经过减七和弦
四.对称式全音阶
五.对称式增和弦音阶
第二章 虚伪解决
一.调性属七虚伪解决
二.次级属七虚伪解决之一
三.次级属七虚伪解决之二
四.次级属七虚伪解决之三
第三章 其他方式的属七和弦    
一.邻近(斜行)解决
二.特殊属七和弦
第四章 持续音与固定音型伴奏    
一.持续音
二.固定音型伴奏
第五章 持续性结构与多主音系统
一.持续性结构
二.多主音系统
第六章 复式和弦
一.转位和弦
二.混种和弦
三.双层结构
第七章 再论调式音乐
一.调式和弦概念
二.复式、持续音与调式的综合思惟
第八章 关于转调
一.调号问题
二.转调的各种方式
第九章 综合分析与音阶配置
附录一 和生分析与音阶配置解题参考
附录二 名词查询

评分☆☆☆☆☆

对于我这个曾经被和声理论“折磨”得体无完肤的乐手来说，这本书简直就是一场及时雨。我之前尝试过很多学习爵士和声的书籍，但要么是过于理论化，让人望而却步；要么就是过于碎片化，缺乏系统性。《流行爵士和声学（二）》却打破了这种困境。它的叙述逻辑清晰，从浅入深，层层递进。即使是一些我之前觉得很难理解的和声概念，在作者的讲解下，也变得生动有趣起来。我喜欢书中那种“实践导向”的风格，所有的理论讲解都紧密结合实际的音乐例子，而且这些例子都是我们耳熟能详的流行爵士名曲。这让我学到的东西能够立刻在脑海中形成画面感，并且很快就能运用到自己的演奏中。CD光碟的作用更是锦上添花，它不仅仅是简单的伴奏，更是对书中理论最生动的诠释。我常常在练习的时候，一边对照书本，一边跟着CD的演奏进行模仿和创新，感觉自己的音乐语汇得到了极大的丰富。这本书让我对爵士和声的理解不再是“知其然”，而是“知其所以然”，真的非常超值。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我拿到这本书的时候，并没有抱太大的期望，毕竟“流行爵士和声学（二）”听起来就有点专业，担心会太难，我只是一个业余爱好者，平时也就是跟着CD瞎弹弹。但翻开之后，我惊喜地发现，这本书的讲解方式非常平易近人。作者没有用太多晦涩难懂的术语，而是用非常形象的比喻和生动的语言来解释复杂的和声概念。比如，它把和弦的变化比作给色彩添上不同的“光影”，一下子就把我从枯燥的音程关系中解放出来，进入到一个更富有想象力的音乐世界。而且，书中提供的练习曲目都非常有针对性，而且都是我常听的那些爵士金曲的片段，这让我觉得学到的东西立刻就能派上用场。我最喜欢的是关于“即兴”的部分，书中提供了一些基础的即兴框架和思路，让我不再感到无从下手。CD里的演奏也非常精彩，节奏感十足，旋律流畅，简直就是音乐的盛宴。我常常在练琴的时候，一边听着CD，一边尝试着书里学到的技巧，感觉自己的演奏水平在不知不觉中提升了很多。这本书真的让爵士和声变得不再遥不可及，也让我对音乐的理解有了更深的层次。

评分☆☆☆☆☆

这本书，我真的从里到外，从上到下，从头到尾都仔细研究过了。我是个爵士乐迷，尤其对和声部分一直情有独钟，总觉得光是听旋律远远不够，得理解了背后的“骨架”，才能真正体会到爵士的灵魂。所以，当我在书店里看到这本《流行爵士和声学（二）》的时候，简直就像挖到了宝藏！尤其是它还附带了一张CD，这对我来说简直是锦上添花。我迫不及待地买回家，然后就开始沉浸其中。这本书的内容编排非常合理，从最基础的和声概念开始，一步步深入到更复杂的爵士和声进行，比如转调、色彩和弦、以及各种代理和弦的应用。每一章都配有大量的例子，而且这些例子都是我熟悉的流行爵士乐曲片段，这让学习过程变得非常生动有趣，不像一些理论书那样枯燥乏味。我尤其喜欢书中对“色彩”的讲解，原来那些让爵士乐听起来如此独特、如此有味道的和弦，背后都有这么清晰的逻辑和技巧。CD里的示范演奏更是绝了，我一边听一边对照书上的乐谱，感觉就像请了一位私人爵士乐大师在给我上课，那种共鸣感和启发性是其他任何学习方式都无法比拟的。我强烈推荐给所有对爵士和声感兴趣的朋友，这本书绝对能让你在爵士音乐的理解上更上一层楼。

评分☆☆☆☆☆

这本《流行爵士和声学（二）》绝对是我近期阅读过的最具有启发性的一本书籍。作为一个在音乐领域摸爬滚打了多年的实践者，我始终在寻找能够连接理论与实践的桥梁，而这本书恰恰做到了这一点。它没有停留在对和弦理论的简单罗列，而是深入探讨了和声在流行爵士音乐中的实际应用。书中所提供的案例分析，我都一一进行了对照和研究，发现很多看似信手拈来的旋律，背后都蕴含着精妙的和声设计。我尤其欣赏书中对“和声色彩”的阐述，作者将抽象的音乐概念具象化，让我能够更直观地理解不同和弦组合所带来的情绪和氛围的变化。而附带的CD光碟，更是成为了我学习过程中不可或缺的伙伴。每当读到一个新的和声技巧，我都会立刻播放CD，仔细聆听原曲的演奏，通过耳朵和大脑的双重冲击，来加深对理论知识的理解。这种“视听结合”的学习方式，极大地提升了我的学习效率和学习兴趣。总而言之，这本书为我打开了一扇新的音乐大门，让我在爵士和声的探索之路上，迈出了坚实而有意义的一步。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开这本书的时候，就被它所呈现出的音乐的广度和深度所震撼。它不仅仅是一本教授和声技巧的工具书，更像是一本带领读者探索爵士乐灵魂的指南。《流行爵士和声学（二）》以一种非常独特的方式，将理论知识与艺术感受完美地融合在一起。我特别喜欢作者对“音乐情绪”的解读，他能够将枯燥的和弦进行转化成丰富的情感表达，这让我对音乐的理解上升到了一个全新的维度。书中提供的例曲都非常经典，而且覆盖了爵士乐发展的不同时期和风格，这让我能够在一个更广阔的视角下去审视和声的演变。附带的CD光碟，更是为我提供了一个无与伦比的实践平台。我通过聆听CD中的示范演奏，不仅能够检验自己对理论的掌握程度，还能够从中汲取创作灵感。每一次的聆听，都仿佛是一次与大师的对话，让我受益匪浅。这本书的价值，远不止于其内容本身，更在于它所激发出的对音乐无限的热情和探索欲。