I PLAY音乐手册（二版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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本书特色

　　◎真正有音乐生命的乐谱，各项乐器皆适用‧
　　◎102首中文经典乐谱手册，活页装订，无需翻页即可弹奏全曲‧
　　◎音乐随身带着走‧小开本、易携带，外出表演、团康活动皆实用‧
　　◎内附吉他、乌克丽丽常用调性和弦图，方便查询、练习‧
　　◎内附各调性移调级数对照表，方便转调‧

《指尖上的古典：精通巴赫赋格的艺术与实践》 一部深入剖析西方复调音乐巅峰之作的权威指南 导言：跨越时空的对话 巴赫的赋格，不仅仅是音乐史上的里程碑，更是思维结构、逻辑推演与情感表达的完美统一体。这部《指尖上的古典：精通巴赫赋格的艺术与实践》旨在为所有严肃的音乐学习者、演奏家、作曲家以及古典音乐爱好者，提供一套全面、系统且极具操作性的学习框架。我们不满足于停留在表面对巴赫的赞美，而是要深入其创作的内核，理解“结构即意义”的深刻哲学。 本书的撰写，基于对巴赫《平均律钢琴曲集》、《赋格的艺术》以及大量早期与晚期赋格作品的细致分析，结合现代音乐认知科学与演奏实践中的最新洞察。它是一座桥梁，连接着十八世纪的严谨与二十一世纪的理解，让巴赫的音乐不再是遥不可及的学术对象，而是可以被指尖和心灵完全掌控的生动语言。 --- 第一部分：赋格的基因——结构基础与历史语境 (The DNA of Fugue) 第一章：从旋律到结构——复调音乐的演进 本章首先追溯了赋格艺术的源头，从早期的奥尔加农（Organum）到盛行的经文歌（Motet），以及文艺复兴晚期复调音乐（如帕莱斯特里那的音乐）如何奠定对位法的基石。我们详细探讨了“模仿”（Imitation）与“对位”（Counterpoint）的区别，为理解赋格的严格性做好铺垫。 第二章：赋格的骨架——主题、动机构与呈示部 核心章节之一，专注于赋格作品中最关键的元素： 主题（Subject）的构建与特性： 探讨一个成功的赋格主题应具备哪些特征——节奏的独特性、音高的可塑性，以及其内在的和声倾向。我们将分析如何通过旋律动机（Motive）来预示后续的展开。 应答（Answer）的类型与处理： 区分“真实应答”（Real Answer）与“偏属应答”（Tonal Answer），并深入探讨在实际创作或分析中，如何根据主题的内在需求来决定应答的性质，避免机械操作。 间奏（Episode）的艺术： 间奏绝非填充物，而是结构转换的枢纽。我们解析了如何利用主题的片段进行模进、转调和节奏的压缩，实现从一个调区到另一个调区的平稳过渡。 呈示部的完成： 详细剖析了双主题赋格（Double Fugue）和三主题赋格（Triple Fugue）的起始布局，以及主题进入的顺序策略。 第三章：理论与实践的交汇——对位法的严苛法则 本章侧重于技术层面，但始终服务于音乐表达： 和声对位法的规则： 深入研究巴赫时代对不协和音的处理——经过音、邻音、倚音的准确使用，以及对五度平行和八度平行的禁忌性应用。我们使用清晰的图表展示了不同声部间的垂直关系。 声部运作的逻辑： 探讨四声部、三声部乃至两声部赋格中，声部间的相互独立性与整体的和谐感是如何达成的。特别是对“声部交织”（Voice Crossing）与“声部遮蔽”（Voice Obscuring）在表现特定情绪时的功能性分析。 --- 第二部分：展开的宇宙——巴赫赋格的技法精粹 (The Universe of Development) 第四章：展开部的策略与心理学 赋格的展开部是作曲家展现其结构魔力的场所。我们系统梳理了巴赫常用的展开技术： 模进（Stretto）： 探讨压力与冲突的制造者。如何通过主题的重叠来营造高潮，并区分“紧凑模进”与“松散模进”在音乐情感上的差异。 倒影与反向（Inversion and Retrograde）： 分析当主题以倒影形式出现时，如何保持其可识别性，以及这种技法在音乐叙事中往往代表的“反思”或“戏剧性转折”。 增值与减值（Augmentation and Diminution）： 这些节奏的变形如何影响主题的速度感和重量感，特别是在《赋格的艺术》中对这些技术的极致运用。 第五章：中点与调性导航——赋格的结构对称性 赋格的整体结构往往遵循一个精妙的对称性，即使在看似自由的展开中也是如此。本章着重分析： 关系调与远关系调的运用： 如何从主调稳步过渡到关系小调、属调、以及更遥远的调性，并利用这些调性对比来构建音乐的宏大叙事。 调性中心的回归： 论述再呈示部（Recapitulation）前，音乐如何通过特定的和声语汇（如弗里吉亚终止式或强力和弦的延迟解决）来为最终的主调回归积蓄力量。 第六章：终结的权威——再呈示与科达（Coda） 赋格的结尾必须是权威且令人信服的。我们分析了： “假”的再呈示： 探讨作品中段或后段出现的，看似是再呈示但很快转入新材料的处理方式。 皮卡第三度（Picardy Third）的应用与意义： 在小调赋格的结尾，如何利用这一古典手法瞬间改变情绪基调，实现从沉思到光明的转变。 尾声（Coda）的稳定作用： 最后的和声停顿和主题的最后一次宣告如何为整个复杂的结构画上终极句号。 --- 第三部分：演奏与教学的实践指南 (Performance and Pedagogy) 第七章：声音的维度——演奏巴赫的触键艺术 理论的最终目标是声音。本章讨论演奏家如何将结构理解转化为可听的音乐体验： 清晰度与独立性： 如何通过触键力度、重量分配和手指独立性，确保听众能够清晰地区分出每一条声部线，即使在密集的模进中。 呼吸与乐句： 尽管巴赫没有明确的表情记号，但对位法本身就蕴含着内在的“呼吸”。探讨如何在不破坏对位逻辑的前提下，赋予乐句以歌唱性（Cantabile）。 速度与织体密度： 分析不同速度（快板、行板、柔板）对赋格中织体密度感知的影响，以及如何根据作品的复杂程度来调整速度的弹性。 第八章：教学法的演进——如何向学生介绍赋格 本章为教师提供了一套从零基础到精通的教学路径： 从单线条到多声部： 建议从巴赫的两部创意曲入手，逐步引入三部，最终过渡到更复杂的赋格。 聆听训练的重要性： 强调在动手演奏前，必须进行大量的“听辨练习”，训练学生在听觉上分离和追踪不同的主题。 分析工具的应用： 介绍如何使用简化记谱法、色彩标记法来帮助学生直观地“看见”赋格的结构。 第九章：超越巴赫——赋格在后世音乐中的回响 我们简要展望了赋格艺术如何被后来的作曲家（如莫扎特、贝多芬、肖斯塔科维奇）吸收、改造和发扬光大，证明赋格的逻辑和美学是永恒的。 --- 结语：理性的激情 《指尖上的古典》旨在揭示巴赫音乐中“秩序之美”与“情感深度”的共生关系。赋格是逻辑的产物，但它绝非冰冷的数学公式。它要求演奏者和聆听者投入全部的智力与情感，去追随那股穿越声部的强大意志力。掌握了赋格，便掌握了古典音乐创作的黄金法则之一。 本书适合： 钢琴、管风琴、键盘乐器专业学生；作曲与和声学进阶人士；致力于深入研究巴赫作品的演奏家与学者。

收录曲目
童年｜1981 艾嘉
认错｜1991优克李林
分享｜1993 伍思凯
泪海｜1996 许茹芸
情书｜1996 张学友
解脱｜1996 张惠妹
听海｜1997 张惠妹
被动｜1997 伍佰
约定｜1997 王菲
红豆｜1998 王菲
爱情｜1998 莫文蔚
征服｜1998 那英
温柔｜2000 五月天
后来｜2000 刘若英
安静｜2001 周杰伦
记得｜2001 陈奕迅
十年｜2003 陈奕迅
遇见｜2003 孙燕姿
朋友｜2003 周华健
宁夏｜2004 梁静茹
童话｜2005 光良
知足｜2005 五月天
宝贝｜2006 张悬
暖暖｜2006 梁静茹
放生｜2006 范逸臣
背叛｜2006 曹格
彩虹｜2007 周杰伦
天后｜2010 陈势安
积木｜2011 陈奕迅
爱你｜2012 陈芳语
萍聚｜1990 李翊君+李德明
拥抱｜1999 五月天
小薇｜2002 黄品源
甜蜜蜜｜1979 邓丽君
天黑黑｜2000 孙燕姿
找自己｜2003 陶喆
恋爱ing｜2005 五月天
小情歌｜2006 苏打绿
菊花台｜2006 周杰伦
小酒窝｜2008 林俊杰+蔡卓妍
那些年｜2011 胡夏
末班车｜2011 萧煌奇 
还是会｜2011 韦礼安
微风往事｜1981 郑怡
张三的歌｜1986 李寿全
快乐天堂｜1987 滚石众歌手
译动的心｜1987 姜育恆
梦醒时分｜1989 陈淑桦
海阔天空｜1993 Beyond
用心良苦｜1993 张宇
浪人情歌｜1994 伍佰
新不了情｜1994 万芳
光辉岁月｜1996 Beyond
爱很简单｜1997 陶喆
爱我别走｜1998 张震岳
写一首歌｜1998 顺子
普通朋友｜1999 陶喆
开始懂了｜2000 孙燕姿
K歌之王｜2000 陈奕迅
情非得已｜2001 庾澄庆
分手快乐｜2002 梁静茹
痴心绝对｜2006 李圣杰
千里之外｜2006 周杰伦
无乐不作｜2008 范逸臣
微加幸福｜2011 郁可唯
爱情酿的酒｜1985 红蚂蚁
台北的天空｜1985 王芷蕾

评分☆☆☆☆☆

我一直以为音乐学习是一件很遥远、很难触及的事情，直到我接触到《I PLAY音乐手册（二版）》。这本书最让我惊喜的是它那种“润物细无声”的教学方式。它不像有些教材那样上来就抛出一堆专业术语，而是从最基本、最生活化的乐器（比如大家都会接触到的键盘）入手，引导读者一步步认识音高、音名，然后慢慢引入音符、节奏的概念。它非常注重实践，鼓励读者动手去尝试，书中有很多简单的练习曲，难度不高，但能有效地帮助读者建立起对音乐的直观感受。我特别喜欢它关于“乐感”培养的部分，它并没有把它说成是天生的天赋，而是通过一些小技巧和练习，告诉你如何去“听”出音乐的情感，如何去“感受”节奏的变化。这本书还有一个很棒的地方，就是它的语言风格非常亲切，就像一个经验丰富的朋友在手把手地教你一样，没有丝毫的距离感。它会用一些幽默的比喻来解释复杂的概念，比如把乐谱比作地图，把音符比作路标，一下子就让枯燥的乐理变得生动有趣。我记得有一段讲到和弦的时候，它就用了“和弦就像是不同颜色的颜料混合在一起，会产生新的色彩”来类比，瞬间就明白了和弦的意义。这本书的二版在内容上也有不少更新，我感觉它更紧跟时代的潮流，融入了一些现代音乐的元素，这让我这个喜欢流行音乐的人觉得特别亲切。

评分☆☆☆☆☆

哇，我最近淘到一本超棒的音乐入门书，叫《I PLAY音乐手册（二版）》，简直是我的音乐启蒙神器！作为一个之前对乐理一窍不通，甚至连简谱都看得云里雾里的人，这本书彻底打开了新世界的大门。首先，它的排版设计就非常吸引人，不是那种枯燥的教科书风格，而是用了大量生动形象的插画和图表，让抽象的乐理概念变得直观易懂。比如，讲到音程的时候，不是简单地列出数字，而是用不同大小的音阶跳跃来比喻，一下子就理解了“大三度”和“小三度”的区别。而且，它还巧妙地融入了很多我喜欢的流行歌曲的例子，让我在学习的过程中，时不时就能跟着哼唱，感觉学习不再是任务，而是一种享受。我尤其喜欢它关于节奏的部分，以往觉得节奏很难掌握，总是跟不上拍子，但这本书用了非常生活化的比喻，比如将四分音符比作走路的步伐，八分音符比作小跑，十六分音符比作快速移动，瞬间就让节奏感变得清晰起来。而且，每一章后面都有配套的练习题，难度循序渐进，从最基础的音符识别到简单的旋律创作，都涵盖了，让我能及时巩固所学，而且还有参考答案，可以对照检查，非常有成就感。总而言之，这本书真的太适合初学者了，它让我从“零基础”到“有点感觉”，信心倍增！

评分☆☆☆☆☆

不得不说，《I PLAY音乐手册（二版）》真是颠覆了我对音乐理论学习的认知。之前总觉得乐理是一门高深莫测的学科，需要天赋和长时间的刻苦钻研，但这本书完全打破了这个刻板印象。它用一种非常“游戏化”的方式来引导读者学习，书中的每一个概念讲解都伴随着精美的插图，而且很多插图都带有动态感，仿佛能让你“看到”音乐的流动。我印象最深刻的是它关于“调性”的讲解，它不是生硬地告诉你“C大调就是没有升降号”，而是通过“色彩”的比喻，将不同的调性赋予不同的情绪色彩，比如C大调明亮，g小调忧郁，一下子就让我对调性的理解提升了一个层次。而且，这本书的练习题设计得非常巧妙，不会让你觉得是在做题，更像是小小的音乐挑战，完成之后非常有成就感。我特别喜欢它关于“旋律创作”的部分，它提供了一些非常实用的“旋律生成器”的思路，教会你如何运用一些基本的音程关系和节奏型来创作出自己的旋律，感觉自己瞬间也能成为一个小小的作曲家了。二版在细节上也有不少改进，比如增加了一些关于音乐情感表达的技巧，让我不仅能“弹”出音符，还能“弹”出情感。这本书真的让我体会到了音乐学习的乐趣，它让我从一个旁观者变成了一个参与者，让我对音乐有了更深的体悟。

评分☆☆☆☆☆

《I PLAY音乐手册（二版）》这本书，简直是为我这种“音乐小白”量身打造的。它没有花哨的语言，也没有高深的理论，一切都围绕着“简单易懂”和“实用性”展开。我最喜欢它关于“节奏感”的培养，书中用了大量的图示和例子，让你能够直观地感受到不同节奏的跳跃感。比如，它会将不同的拍子比喻成不同的步伐，从慢走到快跑，让你在脑海中形成清晰的画面。而且，它还提供了一些简单的节奏练习，让你跟着书本一起打拍子，我以前总是跟不上节奏，但自从用了这本书，感觉自己的节奏感真的提升了不少。这本书还有一个让我非常喜欢的地方，就是它将乐器的演奏技巧和乐理知识巧妙地结合起来。它不仅仅是教你认识音符，还会告诉你如何用不同的力度、不同的指法来演奏，让你在学习乐理的同时，也能更好地掌握乐器的演奏。二版在内容上做了不少更新，我看到里面增加了一些关于音乐表现力的技巧，比如如何运用渐强渐弱来增强音乐的感染力，这些都是非常实用的内容，让我觉得这本书不仅是入门，更能帮助我不断进步。总的来说，这本书让我觉得学音乐不再是遥不可及的梦想，而是触手可及的现实。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开《I PLAY音乐手册（二版）》时，我完全没想到它能带给我如此深刻的体验。这本书与其说是一本乐理书，不如说是一本“音乐探索指南”。它没有强制你背诵公式，也没有让你死记硬背大量的音阶，而是通过一种非常引导式的方式，鼓励你去“听”和“感受”音乐。我尤其喜欢它在讲解“和声”部分时，用了“对话”的比喻，将不同的音符在演奏时产生的音响效果比作人与人之间的交流，有些音符在一起和谐共鸣，有些则会产生紧张感，非常形象。而且，它还提供了很多不同风格的音乐片段，让你在实践中去体会和声的运用，一下子就明白了为什么有些音乐听起来那么“舒服”或者那么“动听”。这本书的编排也非常有逻辑性，从最基础的乐器发声原理，到复杂的音乐织体，层层递进，但又不会让你感到吃力。我特别喜欢它关于“音乐形式”的讲解，它用非常生动的图解，将乐曲的结构比作建筑，让你一目了然地看到乐句、乐段、曲式是如何组合而成的，这对于我理解一首完整的歌曲非常有帮助。二版在内容上做了不少优化，我感觉它更加注重培养读者的“音乐思维”，而不是单纯的知识灌输，这让我对音乐的学习充满了热情。