小提琴乐理课1 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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☆ 【小提琴乐理课1】是第一本完全配合筱崎教本编写的乐理，无论是弓法、音符种类、音高、弓法记号，都完全按照筱崎的进度编写。
 
　　☆ 初学者第一堂课从夹琴开始，所以【小提琴乐理课1】一开始就先教基本的弓法和弓段记号，在开始练长弓之前，学生已经透过书写练习学会分辨上下弓。
 
　　☆ 教长弓的时候，老师可以利用【小提琴乐理课1】先教五线谱的基本结构和谱号，等到要教课本上的曲目时，学生已经学会看谱数拍子，衔接毫无困难，而且还能让家长看到孩子在乐理上的成长，每堂课都交出漂亮的成绩，孩子也会更有成就感。
 
　　☆ 【小提琴乐理课1】先教C大调，且从A弦的音开始再逐渐扩展到D弦，每一个音高都有充分的书写练习，而且利用提琴指板图作为示范，学生上手快又能记得清楚。针对学生分不清全半音导致的音准问题，书中特别加强按弦时手指「开」-「併」的概念，写完习题，学生已经记住手指位置，再也不会把全音按成半音。
 
　　全书共有96页，习题易懂易写内容丰富，内页採用100磅特级白道林纸印刷，正反面不会互相透色，题目和说明看的清清楚楚，小朋友反覆擦写也不容易破。

弦之律动：西方音乐史的宏大叙事 一本引领您穿越西方音乐数千年演变、领略不同时代风格精髓的深度导览 本书特点： 深度聚焦： 并非仅仅罗列作曲家和作品，而是深入剖析了塑造不同音乐时代的社会、哲学、宗教和技术背景。 脉络清晰： 采用编年史与主题分析相结合的方式，将巴洛克、古典、浪漫、乃至二十世纪的音乐流派，置于清晰的历史坐标系中。 鉴赏指南： 每一章节后附有“关键作品赏析”，引导读者从专业的角度聆听和理解那些里程碑式的音乐巨著。 文化交织： 探讨音乐与同时代其他艺术形式（绘画、文学、建筑）之间的相互影响和映照。 --- 第一章：远古的回响与中世纪的奠基 (约公元前至1400年) 本章追溯西方音乐的源头，从古希腊的“缪斯”精神，探讨毕达哥拉斯对音高数学关系的发现，以及早期音乐理论（如四调式）的建立。随后，我们将聚焦于基督教化进程中音乐的演变。 格里高利圣咏的诞生与规范： 详细阐述教皇格里高利一世在统一礼拜仪式音乐中的历史角色，以及单音音乐（Monophony）在教堂中占据的主导地位。我们将分析圣咏的文本与旋律结构，及其对西方记谱法的间接影响。 记谱法的革命： 重点介绍纽姆（Neumes）的发展历程，从不精确的提示性符号，如何逐步演变为带有明确音高的线条系统。伽洛的四线谱（以及后来的五线谱）的出现，标志着音乐脱离了口头传承的局限，成为可以被精确保存和再现的艺术形式。 复调的萌芽——奥尔加农的尝试： 分析早期复调（Organum）的出现，特别是在法国圣母院乐派（Notre Dame School）的奠基性工作。莱奥南（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）如何通过“有节奏的奥尔加农”（Organum Purum）和后来的“等时段记谱法”（Modual Rhythm）实现多声部线条的独立与交织，这是西方音乐史上最重大的结构性突破之一。 --- 第二章：文艺复兴的和谐之光 (约1400年 – 1600年) 文艺复兴标志着人文主义思潮对艺术的深刻影响。音乐开始从完全服务于宗教，转向表达更广泛的人类情感和世俗主题。 “新音乐”的勃兴与技术成熟： 探讨尼德兰乐派（Franco-Flemish School）的统治地位，如约斯坎·德普雷（Josquin des Prez）。他们的核心贡献在于模仿写作技法（Imitation）的完善，使得不同声部间的对话更加流畅自然，形成了均匀的织体。 宗教音乐的巅峰与危机： 深入剖析帕莱斯特里纳（Palestrina）的“纯净风格”，及其在特伦特会议后，如何通过清晰的文本处理和精致的和声，挽救了复调音乐的声誉。同时，我们也考察了马德里加尔（Madrigal）在意大利和英国的世俗发展，理解“文字摹写”（Word Painting）如何成为表达强烈情感的关键手段。 音乐印刷术的影响： 分析宠物鲁奇（Petrucci）等出版商的技术进步，如何使得乐谱得以大规模流通，极大地促进了音乐实践的普及和风格的统一传播。 --- 第三章：巴洛克时期的戏剧性与装饰 (约1600年 – 1750年) 巴洛克时期是音乐结构和情感表达技法大爆发的时代。本章着重探讨“巴洛克风格”的核心特征：强烈的对比、装饰的丰富性、以及数字低音（Basso Continuo）系统的确立。 歌剧的诞生与早期发展： 详细考察佛罗伦萨的“Camerata”及其复兴古希腊悲剧的理想。蒙特威尔第（Monteverdi）如何通过早期歌剧，确立了咏叹调（Aria）和宣叙调（Recitative）的基本结构，使音乐成为戏剧的直接表达工具。 协奏曲体裁的成熟： 分析奏鸣曲（Sonata）、大协奏曲（Concerto Grosso）与独奏协奏曲（Solo Concerto）的发展轨迹。重点研究维瓦尔第（Vivaldi）在确立“快-慢-快”三个乐章结构中的关键作用，以及他如何运用对位法和乐队音响来实现戏剧性的对比。 对位法的集大成者——巴赫的世界： 深度解析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的赋格（Fugue）艺术。探讨《平均律钢琴曲集》如何展示了十二平均律在键盘乐器上的完美应用，以及他在宗教清唱剧和受难曲中，如何将复杂对位与深刻神学思考融为一体。 --- 第四章：古典主义的清晰与平衡 (约1750年 – 1820年) 启蒙运动的精神转向了对理性、清晰和普适美的追求。音乐风格从巴洛克的复杂装饰转向了旋律的清晰性和结构的平衡性。 “第二维也纳乐派”的塑造者： 聚焦于海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）和贝多芬（Beethoven）早期。分析海顿如何在交响曲中系统地确立了四乐章结构和奏鸣曲式（Sonata Form）的规范，并将其打磨至臻。 奏鸣曲式的解构与重构： 本节将详细拆解奏鸣曲式（呈示部、展开部、再现部）的内在逻辑，探究其作为一种“戏剧性”结构，如何在主题的冲突与解决中体现古典精神。 歌剧改革与人性化表达： 考察莫扎特在《费加罗的婚礼》和《唐璜》中，如何通过音乐性格的刻画和复杂的二重唱、重唱，超越了传统歌剧的刻板印象，展现出更复杂、更具心理深度的角色。 贝多芬的桥梁作用： 分析贝多芬如何继承并拓展了古典形式，尤其是在他中晚期作品中，如何运用更宏大的篇幅、更强烈的冲突和个人英雄主义色彩，预示了浪漫主义的到来。 --- 第五章：浪漫主义的激情与个性 (约1820年 – 1910年) 随着个体情感和主观体验的价值被提升，音乐不再是普世真理的载体，而是作曲家内心世界的直接投射。 抒情性旋律与和声的拓展： 探讨舒伯特（Schubert）如何将诗歌的精髓融入艺术歌曲（Lied）中，使钢琴伴奏成为与人声同等重要的叙事者。分析肖邦（Chopin）和李斯特（Liszt）如何将钢琴推向技术和情感表达的极限，确立了“独奏家-英雄”的形象。 交响诗的诞生与标题音乐： 重点研究李斯特开创的“交响诗”（Symphonic Poem）体裁，这是一种通过音乐描绘文学或绘画作品的创新形式。分析柏辽兹（Berlioz）的“主导意念”（Idée Fixe）在《幻想交响曲》中的应用，展示了叙事性音乐的潜力。 晚期浪漫主义的巨大音响： 考察瓦格纳（Wagner）的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理论，以及他对和声的革命性处理，特别是《特里斯坦与伊索尔德》中“特里斯坦和弦”对传统功能和声的瓦解作用，为二十世纪调性崩溃埋下了伏笔。 --- 第六章：二十世纪的多元探索与断裂 (约1910年至今) 二十世纪的音乐舞台是多元、激进和充满反思的。技术进步、两次世界大战以及对前人传统的反叛，共同塑造了这一时期的复杂面貌。 印象主义与原始主义的冲击： 德彪西（Debussy）如何利用音色和模糊的和声（如全音阶、五声音阶）来捕捉瞬间的“印象”，与拉威尔（Ravel）精致的配器技术形成对照。同时，分析斯特拉文斯基（Stravinsky）在《春之祭》中对原始节奏的运用，如何引发了巴黎乐坛的骚动。 调性的消亡与新秩序的尝试： 深入探讨勋伯格（Schoenberg）对无调性音乐的探索，以及他为解决无调性创作困境而发明的“十二音序列作曲法”（Twelve-Tone Technique）。分析其继承者如贝尔格（Berg）和韦伯恩（Webern）如何发展和应用这一严格的组织原则。 战后流派的激进实验： 考察第二维也纳乐派之外的非传统探索，如： 偶然音乐（Aleatoric Music）： 约翰·凯奇（John Cage）对随机性、静默以及演奏者自由的哲学探讨。 电子音乐与具体音乐： 探讨录音技术和合成器如何将声音本身从传统乐器束缚中解放出来。 当代音乐的语境： 总结后现代主义背景下，音乐在极简主义（Minimalism，如赖希、格拉斯）、新浪漫主义以及融合不同文化元素的趋势中，所展现出的包容性与持续的创新动力。 --- 附录：关键乐器演变与音乐术语速查表 键盘乐器的进化： 从羽管键到古钢琴，再到现代钢琴的音色与结构变化，如何影响了作曲技法的变迁。 管弦乐队的规模扩展： 探讨从巴洛克时期的小型合奏团到浪漫主义晚期百人交响乐团的演变过程及其对音响厚度的影响。 音乐史核心术语解析： 对位法、奏鸣曲式、调式、序列、音色、织体等核心概念的清晰定义。

作者简介

陈加容

　　怎么样可以让学生学的更好？
　　怎么说会更容易懂？
　　怎么教可以更有效？
 
　　20年来，陈加容老师每天都在教学实践中不停的思索这些问题。辅仁大学音乐研究所毕业、精通多种乐器及音乐理论的陈加容老师认为，老师不能只是把资讯供应给学生，而要多想十步一百步，先规划好蓝图和目标，再依照学生的特性，用最适当的方法，给予最容易吸收的课程内容。
   
　　在多年的教学生涯中，陈加容老师开发了许多种不同的教学方法，也辅导多位学生跨进音乐班窄门就读知名音乐班校，担任知音音乐班主任期间，还因教学和行政效率卓越，连续两年获新北市教育局颁发优良补习班奖章。

一、运弓记号
二、运用的弓段
三、认识五线谱
四、高音谱记号
五、认识音符的排列方式
六、全音符
七、全休止符
八、四分音符
九、四分休止符
十、二分音符
十一、二分休止符
十二、A絃空絃音A
十三、D弦空絃音D
十四、反覆记号（1）
十五、附点二分音符
十六、指法记号
十七、A絃第一把位的B
十八、符桿位置
十九、A絃第一把位的C
二十、A絃第一把位的D
二十一、A絃第一把位的E
二十二、D絃第一把位的E
二十三、D絃第一把位的F
二十四、D絃第一把位的G
二十五、D絃第一把位的A
二十六、反覆记号（2）
二十七﹑反覆记号（3）
二十八﹑连弓记号
二十九、下加线与上加线
三十﹑G絃空絃音G
三十一﹑G絃第一把位的A
三十二、G絃第一把位的B
三十三﹑G絃第一把位的C
三十四﹑G絃第一把位的D
总测验一
总测验二

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书的时候并没有抱太大的期望，毕竟市面上关于乐理的书籍已经很多了，我很难相信又有一本能够脱颖而出。然而，《小提琴乐理课1》的出现，彻底改变了我的看法。这本书最让我赞赏的一点，就是它极其注重“理解”而非“死记硬背”。作者在讲解每一个乐理概念时，都会深入浅出地分析其产生的背景和内在逻辑，让你明白“为什么是这样”，而不是简单地告诉你“要这样”。比如，在解释大小调的区别时，它会从人类听觉的感知出发，让你体会到不同调式所带来的情感差异。而且，书中关于节奏和节拍的讲解，更是让我印象深刻。通过生动形象的图示和一些有趣的口诀，我终于能够轻松地掌握复杂的节奏型，并且在演奏时更加准确自如。我尤其喜欢书中提供的听力练习，这些练习能够有效地训练我的耳朵，让我对音高、音程和和弦有更敏锐的感知能力。总而言之，这是一本能够让你真正“听懂”音乐，并且“用对”乐理的书，对于希望提升音乐素养的演奏者来说，绝对是不可多得的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

作为一名多年来被小提琴的魅力所吸引，却始终停留在“拉什么像什么”阶段的学习者，我一直在寻找一本能够真正帮助我理解音乐内在逻辑的书。我尝试过很多教材，但要么过于理论化，让人云里雾里，要么过于偏重技巧，忽略了乐理根基。这次偶然的机会接触到《小提琴乐理课1》，可以说是遇到了知音。这本书的独特之处在于，它并没有像传统乐理书那样堆砌概念，而是将乐理知识巧妙地融入到小提琴演奏的实际情境中。比如，在讲解音程时，书中会直接联系到弓法和指法的配合，告诉你为什么某个音程需要特定的揉弦方式；在讲解和弦时，它会分析不同和弦在小提琴上的演奏效果，以及如何通过和弦变化来丰富音乐的表现力。这种“学以致用”的学习方式，让我茅塞顿开，也极大地激发了我学习的积极性。书中大量的示例乐句和练习，都非常贴合小提琴的演奏特点，让我能够立刻将学到的乐理知识应用到实际练习中，感受到立竿见影的效果。这本书的编排也非常有条理，逻辑清晰，层层递进，让我能够稳扎稳打地建立起扎实的乐理基础。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对音乐充满热爱，但对乐理一窍不通的初学者，一直以来都想系统地学习一下小提琴的乐理知识，但往往因为教材的枯燥和难以理解而放弃。这次看到《小提琴乐理课1》的介绍，觉得它听起来似乎更适合我这种“小白”。拿到书后，我迫不及待地翻阅起来，果然没有让我失望。这本书的语言风格非常亲切，就像一位经验丰富的朋友在和你聊天一样，没有任何生硬的专业术语，即使是初学者也能轻松理解。书中用大量的图表和插画，将抽象的乐理概念可视化，让我能够更直观地感受到音符、音阶、和弦之间的关系。我特别喜欢它在讲解乐曲片段时，会结合实际的小提琴演奏技巧进行分析，让我明白乐理知识如何直接影响到演奏的表现力和情感色彩。例如，在讲解属七和弦的功能时，它会通过一个简单的旋律片段，让你体会到属七和弦解决到主和弦时那种“回归”的稳定感，这种体会比单纯记忆定义要深刻得多。这本书让我觉得学习乐理不再是痛苦的煎熬，而是一次充满探索乐趣的旅程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就非常吸引人，柔和的色彩搭配上精致的小提琴插图，让人一眼就能感受到音乐的韵味。拿到手后，纸张的质感也相当不错，厚实且光滑，翻阅起来手感极佳。我一直对小提琴有着浓厚的兴趣，但总觉得乐理知识像一座难以逾越的高山，让人望而却步。这次抱着试试看的心态购入这本书，没想到它真的给我带来了惊喜。从第一章开始，作者就用非常浅显易懂的语言，一点点地剥开了乐理的面纱。那些曾经让我头疼的音程、和弦、调式，在这里都变得生动有趣起来。书中穿插的许多小故事和名人轶事，更是让枯燥的知识点变得鲜活，仿佛一位经验丰富的老师，循循善诱地引导着我一步步探索音乐的奥秘。我特别喜欢它在讲解某个概念时，会用非常形象的比喻，比如将调式比作色彩的搭配，将和弦比作建筑的积木，这些都帮助我更好地理解和记忆。而且，书中的排版设计也很合理，重点内容会用不同的字体或颜色标出，便于我快速抓住关键信息。总体来说，这是一本让我觉得学习乐理不再是件难事，反而充满乐趣的书。

评分☆☆☆☆☆

作为一名多年学习小提琴，但总感觉自己在音乐理解上有所欠缺的演奏者，我一直在寻找一本能够填补我乐理知识空白的书。《小提琴乐理课1》的出现，可以说恰好满足了我的需求。这本书在内容编排上非常用心，它不是简单地罗列各种乐理知识点，而是将它们有机地结合起来，形成一个完整的知识体系。从最基础的音高、音名开始，逐步深入到音程、音阶、调式，再到和弦的构成与功能，每一步都走得扎实而稳健。我尤其欣赏书中在讲解每个概念时，都能够联系到小提琴的演奏实践。比如，在讲解各种音阶指法时，它会说明这些音阶在音乐作品中的常见运用，以及如何通过不同的指法和弓法来表现音阶的流畅性和情感色彩。这本书的语言表达也相当精准，虽然深入浅出，但丝毫没有牺牲专业性。它既能让初学者看得懂，也能让有一定基础的演奏者从中获得新的启发。我感觉通过学习这本书，我对小提琴演奏的理解又上了一个新的台阶，对音乐作品的分析能力也有了显著的提升。