中国戏曲概论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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本书是吴梅在戏曲理论方面的主要着作，包括《顾曲麈谈》及《中国戏曲概论》两部分。除了阐述戏曲理论、曲律、曲谱以外，并论述元明清的杂剧、传奇和散曲，为研究戏曲者不可不读之作。

《中国古典诗词鉴赏与创作》 书籍简介 本书深入探讨了中国古典诗词的源流、演变、体裁、意象与审美特征，旨在引导读者跨越时空的鸿沟，与古人进行精神上的对话，并掌握诗词创作的基本规律与技巧。全书内容扎实，论述精辟，兼具学术深度与普及广度，是文学爱好者、在校学生及文化研究者的理想读本。 第一部分：诗词的源与流——历史的脉络 本部分追溯了中国诗歌自《诗经》《楚辞》以来的漫长发展历程，勾勒出不同历史时期诗歌的时代精神与艺术风貌。 第一章：诗之肇始：《诗经》与《楚辞》的奠基 《诗经》的现实主义与四言体： 重点分析《诗经》“风、雅、颂”的结构，探讨其社会功能与艺术手法，如赋、比、兴的运用，以及朴素而深沉的民间情感表达。 《楚辞》的浪漫主义与骚体： 详述屈原的“香草美人”传统，解析《离骚》的宏大结构、瑰丽想象与独特的句式节奏，确立中国浪漫主义文学的基石。 第二章：汉魏风骨与六朝流变 汉乐府与五言诗的成熟： 考察汉代乐府民歌对民间生活风貌的直接描绘，以及建安风骨中曹氏父子的慷慨悲凉，标志着五言诗体的确立和成熟。 魏晋玄学的浸染： 分析竹林七贤对个体生命价值的探讨，重点剖析“幽”“远”意境的形成，为后世山水诗的兴起埋下伏笔。 六朝声律的精雕细琢： 探讨骈文对诗歌形式的影响，特别是声律学在南朝的初步发展，以及谢灵运、谢朓山水诗的意境营造。 第三章：唐诗的辉煌与高峰 唐诗是中国古典诗歌艺术的顶峰，本章将按时间线和流派进行细致梳理。 初唐的过渡与奠基： 初唐四杰在格律上的贡献，以及陈子昂的“复古”思潮。 盛唐的多元与气象： 深入剖析“诗仙”李白的浪漫奔放、“诗圣”杜甫的沉郁顿挫，以及王维、孟浩然的山水田园诗派，探讨盛唐气象与边塞诗派（高适、岑参）的时代精神。 中唐的变革与反思： 重点分析韩愈、柳宗元的古文运动对诗歌思想性的提升，以及白居易新乐府运动对社会现实的关怀。 晚唐的精致与感伤： 探究李商隐、杜牧对意象的精妙锤炼和唯美主义倾向。 第四章：宋词的兴盛与格律的拓展 宋词的体制与音乐性： 词体的起源、格律的严格性，以及长短句对抒情表达的独特优势。 婉约派的细腻情思： 集中分析柳永对都市生活和女性情感的描摹，以及李清照的格调之美。 豪放派的气魄与境界： 重点解析苏轼的“以诗为词”及其开阔的胸襟，与辛弃疾的爱国情怀和英雄气概的融合。 南宋词的余韵： 探讨姜夔、周邦彦在音乐与格律上的精湛造诣。 第二部分：诗词的结构与意象——艺术的密码 本部分从技法和审美角度，解析诗词之所以感人至深的核心要素。 第五章：体裁的规范与自由 近体诗的格律精要： 详述五绝、七绝、五律、七律的平仄、对仗、粘法的具体要求，理解格律对情感表达的内在约束与张力。 词牌的曲谱与内容： 阐释词牌（如《水调歌头》《沁园春》）的句数、字数、韵脚要求，以及“本调”与“过片”的结构作用。 曲的兴起与散曲的解放： 简要介绍元代散曲（套数、小令）在语言上的通俗化和题材上的世俗化倾向。 第六章：意象的构建与象征体系 核心意象的谱系： 系统梳理中国诗词中反复出现的关键意象，如“月”（永恒、思乡、孤独）、“柳”（惜别、春光）、“梅”（孤高、坚韧）、“酒”（超脱、悲愤）。 情景交融的境界： 分析如何将主观情感融入客观景物描写之中，达到“一切景语皆情语”的艺术高度。 炼字的艺术： 探讨动词和形容词在诗词中的决定性作用，分析点化之笔如何激活全篇。 第七章：声韵之美与节奏之妙 诗词的音乐性基础： 讲解“平仄”在营造诗歌音调上的作用，区分“平韵”与“拗救”对阅读节奏的影响。 对仗的工巧与自然： 剖析名词、动词、色彩、数词等对仗的类型，理解对仗在形式美感和内容对称性上的贡献。 节奏的呼吸感： 分析句内停顿（二二一、二二三等）对诗句内在张力和气息长短的控制。 第三部分：诗词的鉴赏与创作——实践的指南 本部分侧重于如何去读懂和创作出具有“诗意”的作品。 第八章：鉴赏的视角与层次 由表及里的解读法： 引导读者从字面意义入手，深入探究典故、用典、用典背后的时代背景。 审美范畴的区分： 区分“雄浑”“清丽”“沉郁”“旷达”等不同的审美风格，理解不同风格的产生原因。 阅读的代入与超越： 强调鉴赏不仅是分析技巧，更是情感的共鸣。 第九章：古典诗词的创作方法论 取材立意： 如何从日常生活中捕捉诗意，确立核心情感主题。 格律入门： 针对初学者，提供简易的格律学习路径，讲解“一三五不论”等实用技巧，强调“不拘泥于格律，但须合乎音韵”。 意境的模仿与创新： 鼓励学习前人成熟的意象组合方式，同时探索个人独特的表达视角。 结语 中国古典诗词不仅是文学的瑰宝，更是民族精神的载体。通过对这些经典作品的细致研读和感悟，读者将能提升自身的审美素养，领略中华文化深厚的底蕴。本书力求做一座桥梁，连接古代的诗魂与现代读者的心灵。

作者简介

吴梅

　　字瞿安，或作癯庵，别号霜厓，自称老瞿，光绪十年 (1884～1939)，出生于江苏苏州府长洲县（今苏州市）。以戏曲理论闻名。一生致力于戏曲及声律研究和教学，也是最早把崑曲带入大学成为正式科目者。着有《顾曲麈谈》、《中国戏曲概论》、《词学通论》、《曲学通论》等书。

顾曲麈谈
第一章　原　曲
第一节　论宫调
第二节　论音韵
第三节　论南曲作法
第四节　论北曲作法

第二章　制　曲
第一节　论作剧法
第二节　论作清曲法

第三章　度　曲

第四章　谈　曲
　
中国戏曲概论
卷　上
一　金元总论
二　诸杂院本
三　诸宫调
四　元人杂剧
五　元人散曲

卷　中
一　明总论
二　明人杂剧
三　明人传奇
四　明人散曲

卷　下
一　清总论
二　清人杂剧
三　清人传奇
四　清人散曲
 

五　元人散曲

元人散曲，作者至多，其词清新俊逸，与唐诗宋词可以鼎足。其有别集可考者，略记如下。

张养浩：《云庄乐府》。 曾瑞：《诗酒余音》。

吴中立：《本道斋乐府小稿》。 吴弘道：《金镂新声》。

钱霖：《醉边余兴》。 顾德润：《九山乐府》。

朱凯：《升平乐府》。 周月湖：《月湖今乐府》。

沈子厚：《沈氏今乐府》。

张可久：《北曲联乐府》、《吴盐》、《苏堤渔唱》、《小山小令》。

乔吉：《惺惺道人乐府》、《梦符小令》、《文湖州集词》。

汪元亨：《小隐余音》、《云林清赏》。 耶律铸：《双溪醉隐乐府》。

郑杓次：《夹漈余声乐府》。 冯华：《乐府》。

沈禧：《竹窗乐府》。

至元人所散曲总集，远不如明人之多，第就闻见所及，亦略记之。

《南北宫词》、《中州元气》、《仙音妙选》、《曲海》、《百一选曲》、《乐府群珠》、《乐府群玉》、《自然集》、杨朝英《太平乐府》、《阳春白雪》。

元人乐府，盛称关、马、郑、白，其次为酸、甜乐府，而乔梦符、张小山、杨西庵辈，亦戛戛独造，洵文学界之奇观也。关、郑二家，以剧曲着，不以散曲名，兹不论。马致远小令，以〔天凈沙〕为最，词云：「枯藤老树昏鸦，小桥流水人家，古道西风瘦马。夕阳西下，断肠人在天涯。」明人辄喜摹此词，而终无佳者，于此见元人力厚。其套曲以《秋思》为最，词云：「〔夜行船〕百岁光阴如梦蝶，重回首往事堪嗟。昨日春来，今朝花谢，急罚盏夜阑灯灭！〔乔木查〕秦宫汉阙，都做了衰草牛羊野。不恁渔樵无话说。纵荒坟横断碑，不辨龙蛇。〔庆宣和〕投至狐踪与兔穴，多少豪杰！鼎足三分半腰折，魏也，晋也。〔落梅风〕天教富，莫太奢，无多时好天良夜。看钱奴硬将心似铁，空辜负锦堂风月。〔风入松〕眼前红日又西斜，疾似下坡车。晓来清镜添白云，上床与鞋履相别。莫笑鸠巢计拙，葫芦提一任装呆。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，绝不仅仅在于它提供了一种学术性的框架，更多的是它所传递的那种对中国传统文化的深厚情感和敬意。作者在论述过程中，时不时会流露出对戏曲艺术的由衷热爱，这种情感很容易感染读者。我记得在讲到一些濒临失传的剧种或表演形式时，作者的语气里带着一丝惋惜，但也充满了对保护和传承的呼吁。这种人文关怀，让这本书显得格外有温度。书中提及的一些戏曲大师的故事，虽然篇幅不长，但都充满了传奇色彩，他们的一生，就是对戏曲艺术奉献的一生。读着这些故事，我仿佛看到了艺术家们在时代变迁中的坚守，他们如何克服困难，如何在有限的条件下，将戏曲的精髓一代代传承下去。这让我深刻体会到，戏曲不仅仅是一种表演艺术，更是一种文化符号，一种民族精神的载体。而且，书中还涉及了戏曲与社会、与历史的互动关系，比如在某些特殊的历史时期，戏曲扮演的角色，它如何反映社会现实，又如何影响人们的思想观念。这些宏观的视角，让我对戏曲有了更全面的认识，它不再是孤立存在的艺术形式，而是深深地植根于中国的土壤之中，与中国历史文化的发展紧密相连。这本书，确实让我对“国粹”二字有了更深刻的理解。

评分☆☆☆☆☆

我一直对中国传统文化中的各种仪式和象征符号充满兴趣，而戏曲在这方面无疑提供了最丰富的素材。这本书让我看到了戏曲表演中蕴含的深刻的文化意义和象征体系。作者在书中对一些重要的戏曲“程式”进行了深入的解读，比如“过场戏”、“报马”、“亮相”等等，这些看似简单的程式，背后却有着丰富的文化内涵和约定俗成的表演规则。我明白了为什么在戏曲舞台上，演员会做出一些特定的动作，这些动作不仅仅是为了表演，更是为了传达某种象征意义，或者遵循某种文化传统。书中对“亮相”的分析尤其让我印象深刻，它不仅仅是演员展示自己功底的时刻，更是人物性格、情感爆发的集中体现，是舞台艺术的“点睛之笔”。作者还讲解了戏曲中的一些“道具”象征，比如马鞭代表骑马，船桨代表行船，这些虚拟化的道具，在观众的想象中创造出无限的可能性。这本书让我看到了戏曲艺术中蕴含的东方哲学和思维方式，它是一种高度提炼和象征化的表达，通过符号和程式，传达着深邃的思想和丰富的情感。我不再仅仅将戏曲视为一种表演，而是将其看作是一种独特的文化载体，一种理解中国传统文化的窗口。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙述语言非常吸引人，有一种独特的魅力，让我读起来欲罢不能。作者善于运用生动的比喻和形象的描述，将抽象的理论变得通俗易懂。比如，在讲解戏曲的“虚拟性”时，作者会用“空竹”或者“水墨画”来类比，说明戏曲表演如何通过有限的动作和道具，在观众的想象中构建出广阔的场景和丰富的情节。这种类比非常贴切，让我一下子就明白了戏曲表演的精髓所在。而且，作者在描述唱腔和音乐时，也充满了诗意，他会用“如泣如诉”、“慷慨激昂”、“婉转悠扬”等词语来形容，让我仿佛能听到音乐在耳边响起。书中的一些细节描写，比如演员如何通过眼神传递情感，如何通过身段展现人物的内心活动，都写得非常细腻，让我仿佛置身于戏曲舞台之中，感受着演员的每一个表情和动作。这本书不仅仅是讲解知识，更是一种艺术的体验，它让我从文字中感受到了戏曲的魅力，也激发了我对戏曲表演的浓厚兴趣。我现在看戏曲，会更加关注演员的表演细节，会去体会那些看似简单的动作背后所蕴含的丰富情感和艺术技巧，真的受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的体例安排也非常合理，结构清晰，逻辑严谨，让我很容易就能找到自己感兴趣的内容。我特别喜欢书中对戏曲“行当”的介绍，这让我明白了为什么在戏曲舞台上，会有生、旦、净、丑这样细致的划分，以及不同行当在人物塑造上的侧重点。作者通过对各个行当的特点、代表性人物、表演技巧的详细分析，让我对戏曲人物的刻画有了更深刻的理解。比如，在讲到“净”行时，作者会生动地描绘出花脸角色的威严、粗犷，以及他们独特的嗓音和表演风格。而在介绍“丑”行时，则会强调其幽默、滑稽，以及在剧情中起到的烘托作用。这种对“行当”的系统性梳理，让我能够更好地理解戏曲的表演体系，也更容易区分和欣赏不同角色的表演。此外，书中还对戏曲的“角色”进行了深入探讨，分析了不同剧目中典型角色的塑造，以及演员如何通过对“行当”的把握，将角色演绎得活灵活现。这种从宏观的“行当”到微观的“角色”的分析，让我对戏曲的人物塑造有了全面而深入的认识。这本书就像是一位经验丰富的老师，一步步引导我去理解戏曲表演的奥秘，让我受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就很有意思，古朴的色调，搭配上京剧脸谱的元素，一眼就能看出是讲戏曲的，但又不是那种陈旧的学术感，反而透着一股灵动劲儿。我拿到手的时候，就被它吸引住了。虽然我之前对戏曲的了解仅限于知道几个流派的名字，比如京剧、越剧，还有一些经典剧目，比如《霸王别姬》、《梁山伯与祝英台》，但读这本书的时候，我并没有感到知识断层的焦虑。作者的叙述方式很平缓，像是老朋友在娓娓道来，从戏曲的起源讲起，一点点铺陈开来，你会发现原来戏曲的诞生与中国古代的祭祀、娱乐活动有着千丝万缕的联系，它不仅仅是“唱念做打”这么简单，而是承载了丰富的历史信息和文化基因。我尤其喜欢书中对不同时期戏曲发展脉络的梳理，比如元杂剧的辉煌，明清昆曲的雅致，再到近代京剧的崛起，每一个阶段都有其独特的时代背景和艺术特色，作者都能用生动的语言将其描绘出来，让我仿佛穿越时空，亲眼见证了戏曲艺术的演变过程。而且，书中穿插的不少图例，比如不同朝代的戏台样式、演员的服饰、脸谱的含义，都极大地增强了阅读的直观性，让原本抽象的文字变得具体可感。有时候，读着读着，我会不由自主地想象那个时代的场景，那些在戏台上挥洒自如的艺术家们，他们的悲欢离合，他们的艺术追求，都通过这本书的文字，慢慢地在我脑海中鲜活起来。这本书就像一把钥匙，为我打开了认识中国传统戏曲的大门，让我对这项古老而迷人的艺术有了更深层次的理解和欣赏。

评分☆☆☆☆☆

我一直对戏曲中那种独特的程式化表演深感好奇，也曾尝试观看一些戏曲片段，但常常因为看不懂其中的“门道”而感到有些困惑。这本书在这方面给了我很大的启发。作者并没有简单地罗列程式，而是深入浅出地解释了“唱念做打”四功的内涵，以及它们是如何相互配合，共同塑造人物形象，推动剧情发展的。比如，书中关于“唱”的讲解，不仅谈到了不同的唱腔风格，还分析了演唱时如何运用气息、声调的变化来表达人物内心的情感，让人物的喜怒哀乐跃然纸上。而“念”的部分，则不仅仅是念白，更包含了语言的节奏、语气，以及人物身份、性格的体现。最让我着迷的是“做”和“打”，这些动作看似简单，却蕴含着丰富的象征意义和美学原则。书中通过对一些经典身段的解读，让我明白了为什么演员需要做出那样特定的动作，它们是如何在有限的舞台空间里，展现出人物的心理活动、行为动机，甚至是一种哲学思考。而且，作者还非常巧妙地将这些表演技巧与具体的剧目相结合，比如在分析《白蛇传》时，作者会详细解释白娘子如何通过一系列的“做”来展现她的温柔、智慧和坚定，以及许仙的怯懦和无奈。这种将理论与实践相结合的讲解方式，大大降低了理解的难度，也让我在观看戏曲表演时，能够更有侧重点地去欣赏，发现其中的艺术魅力。现在，我再看戏曲，不再是雾里看花，而是能看到更深层的结构和精妙之处，真的受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

在阅读这本书的过程中，我有一个非常强烈的感受，那就是戏曲艺术所蕴含的东方美学。作者在描述戏曲的各个方面，无论是服饰、妆容、身段，还是音乐、唱腔，都非常注重其审美意蕴的解读。书中的插图，比如对戏曲人物服装纹样的细致描绘，对脸谱色彩背后象征意义的解释，都让我领略到了中国传统艺术的精巧和独特。作者在分析“唱”的时候，不仅仅是音乐上的欣赏，更会深入探讨唱词的文学性，如何用凝练的语言表达深沉的情感，如何运用诗词的韵律来增强艺术感染力。而“做”的动作，更是一种视觉上的诗歌，每一个眼神，每一个手势，都充满了象征意义和表达力，它们与舞台上的写意性布景相互呼应，共同营造出一种独特的东方舞台美感。书中对“意境”的阐述，更是让我茅塞顿开。我明白了戏曲表演并非追求写实，而是通过高度提炼和象征化的艺术手法，来表现人物的精神世界和情感状态，从而达到一种“形似而神不似”的艺术境界。这种审美追求，与西方戏剧的写实主义有着显著的区别，也正是它独特而迷人的地方。读完这本书，我再去看戏曲，会更加关注那些看似简单的程式背后所蕴含的深层美学，会去品味那些凝练的唱词，去欣赏那些充满诗意的身段，真正领略到戏曲艺术的东方韵味。

评分☆☆☆☆☆

在阅读这本书的过程中，我深刻地体会到了戏曲作为一种综合性艺术的魅力。它不仅仅是音乐、舞蹈、文学的结合，更是集绘画、雕塑、武术、杂技等多种艺术形式于一体的表演艺术。作者在书中对戏曲的各个构成要素进行了详细的分析，让我对这种多元素融合的艺术形式有了更全面的认识。比如，在介绍戏曲的“脸谱”时，作者不仅讲解了脸谱的色彩象征意义，还谈到了脸谱的绘制技法，以及它们如何在舞台上快速变化，从而塑造出不同人物的性格特征。而在讲解戏曲的“武打”时，则会分析其动作的设计、技巧的运用，以及它如何与剧情紧密结合，既有观赏性，又能推动情节发展。这种对戏曲各要素的独立解析，再将其有机地结合起来，让我看到了戏曲艺术的独特之处。我明白了为什么说“戏曲是一门综合的艺术”，它需要演员具备多方面的才能，也需要观众具备多方面的欣赏能力。这本书就像是一本“戏曲百科全书”，为我打开了一个全新的艺术世界，让我对戏曲的理解更加深入和全面。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，一个好的文化普及读物，应该能够激起读者的兴趣，引导他们去进一步探索。这本书在这方面做得非常出色。它并没有一上来就抛出大量晦涩难懂的专业术语，而是以一种非常亲切的方式，将戏曲的世界徐徐展开。我尤其欣赏书中关于不同剧种的介绍，不仅仅是京剧、越剧，还包括了昆曲、黄梅戏、评剧、豫剧等等，作者都用了相当的篇幅去介绍它们的起源、特点、代表剧目，以及在不同地区的影响力。通过这些介绍，我才意识到中国戏曲的丰富多样性，原来我们国家有着如此多姿多彩的戏曲艺术，它们就像是中国文化的长河中璀璨的明珠，各自闪耀着独特的光芒。书中对不同剧种的比较分析，也让我能够更好地理解它们之间的异同，以及它们各自的艺术价值。比如，作者在对比昆曲和京剧时，会细致地讲解昆曲的委婉细腻和京剧的刚劲有力，以及它们在音乐、唱腔、表演上的区别。这种细致入微的对比，让我对不同剧种的艺术特点有了更清晰的认知，也为我之后进一步欣赏不同剧种的演出，打下了良好的基础。这本书就像是一本“戏曲地图”，为我指引了探索戏曲世界的方向，让我充满了继续学习和欣赏的动力。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，一个国家优秀的传统文化，是这个国家最宝贵的财富，而戏曲无疑是中国传统文化中一颗璀璨的明珠。这本书让我对戏曲有了全新的认识，它不再仅仅是我记忆中那些遥远而古老的艺术形式，而是变得鲜活、生动，充满了生命力。作者在书中对戏曲的起源、发展、表演、审美等各个方面进行了详尽的阐述，让我逐渐领略到了戏曲艺术的博大精深。我尤其喜欢书中对不同时期戏曲创作理念的探讨，比如元杂剧的“通俗易懂”，昆曲的“文雅细腻”，以及近代京剧的“集大成”。这些不同的创作理念，反映了不同历史时期社会文化的需求和审美取向，也使得戏曲艺术在漫长的发展过程中，始终保持着旺盛的生命力。书中对一些经典剧目的分析，更是让我对这些耳熟能详的作品有了更深入的理解。我明白了为什么《窦娥冤》能引起那么多人共鸣，为什么《牡丹亭》能成为爱情经典的典范，这不仅仅是剧本的精彩，更在于戏曲艺术独特的表现手法，能够将人物的情感和主题思想表达得淋漓尽致。这本书让我重新审视了中国的传统戏曲，它不仅仅是一种娱乐形式，更是承载着中华民族历史、文化、情感的艺术瑰宝。