国剧音韵及唱念法研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 国剧
• 戏曲
• 唱念
• 音韵
• 表演
• 研究
• 中国戏曲
• 传统戏曲
• 戏曲理论
• 声乐

本书以治学方法分析国剧音韵和唱念问题。共分上中下三篇，上篇为音韵研究，阐述十三辙的渊源、变调、反切法等，皆是国剧音韵的入门知识；中篇为唱念法的研究，先介绍前代声乐论着要籍和曲度方法，接着用韵、行腔、虚音、韵白等；下篇为十三辙字汇，以资检阅。论理探源、条理分明，是研究国剧音韵不可缺少的参攷书籍！

本书特色

　　1.    本书以治学方法分析国剧音韵和唱念问题。论理探源、条理分明，是研究国剧音韵不可缺少的参攷书籍！
　　2.    是为中国音乐戏剧学中，唯一研究音韵和唱念的专书。
 

好的，这是一本图书的详细简介，该书名为《舞台魅影：现代戏剧的声、光、形探索》。 --- 舞台魅影：现代戏剧的声、光、形探索 导言：超越文本的戏剧本体 二十世纪以来，戏剧艺术经历了深刻的变革。随着现代主义、后现代主义思潮的涌动，以及科技进步对舞台呈现的巨大赋能，戏剧的焦点逐渐从纯粹的文学文本转向了观众的身体感知和沉浸式体验。《舞台魅影：现代戏剧的声、光、形探索》正是一部聚焦于此转向的学术专著。本书旨在系统梳理和深入分析构成现代舞台艺术核心要素——声音、光线与形体——是如何相互作用、共同建构戏剧意义和空间氛围的。它并非关注传统戏曲或经典剧目的演绎规范，而是着眼于当代剧场实践中，声音设计、灯光设计和演员形体调度如何从辅助元素升华为独立的话语体系，成为与剧本同等重要的叙事载体。 本书的核心论点在于：现代戏剧的魅力不再仅仅依赖于演员的口头叙事能力，更在于技术与身体在特定空间内创造出的“在场感”（Presence）与“非常态”（The Uncanny）。声音、光与形体，这三位一体的“魅影”，共同编织出多维度的、可被直接感知的剧场现实。 第一部分：声音的拓扑学：从发声到声景的构建 本部分深入探讨了现代戏剧中声音的复杂角色，超越了单纯的对白清晰度要求。 1. 拟态与非拟态：声音的二元宇宙 传统戏剧强调声音的自然性和可理解性，即对白应清晰、情感应准确传达。然而，现代剧场大胆地引入了非拟态声音（Non-mimetic Sound）。我们探讨了作曲家和音响设计师如何运用电子合成、噪音处理（Noise Aesthetics）以及环境音采样，来营造一种超越情境逻辑的心理声场。例如，通过低频的嗡鸣声或突然的电子失真，直接刺激观众的生理反应，从而建立起角色的内心冲突或对外部世界的疏离感。 2. 声场定位与空间渗透 空间不再是沉默的背景。本章详细分析了多声道音响系统（如杜比全景声技术在剧场中的应用）如何被用来重塑舞台空间。声音的来源、移动轨迹和衰减速度，被用作指示非可见角色的出现、表现时间维度的跳跃，乃至创造出“听觉幻觉”——即声音似乎来自观众席或舞台之外的特定点位。这要求我们重新审视“舞台空间”的边界，将其扩展至声音能够触及的每一个角落。 3. 身体的声化：肢体与呼吸的音乐性 现代演员的训练日益强调身体作为发声体（Vocal Body）的潜能。本书考察了默剧、形体剧场（Physical Theatre）中，演员如何通过非语言的呼吸声、摩擦声、打击乐式的动作声，来替代或增强对白。这是一种回归身体本源的“原始音乐”，是意义在物理层面的直接表达，与依赖语言规范的“唱念”体系形成了鲜明的对比。 第二部分：光的编年史：时间、情绪与结构的光语 本部分将灯光设计从单纯的“照明”提升至“叙事”的层面，分析光线如何成为时间的标记和情感的棱镜。 1. 色温与光谱：情绪的物理载体 本书详尽考察了色温（Color Temperature）和光谱（Spectrum）在现代舞台照明中的作用。我们分析了如何通过精确的暖光与冷光对比，在同一场景中同时呈现两个对立的情绪维度——例如，一个角色可能沐浴在象征回忆的琥珀色光束中，而另一个角色则被代表现实的冷白光所切割。我们规避了对传统“柔光烘托”的简单描述，转而关注光的“侵入性”和“切割性”。 2. 阴影的权力：结构与缺失的叙事 阴影（Shadow）被视为光线设计中不可或缺的“负空间”。本章深入探讨了如何利用硬光和侧光来创造尖锐、扭曲的阴影，这些阴影不仅定义了人物的轮廓，更象征着角色的潜意识、被压抑的欲望或未被言明的历史。我们比较了卡夫卡式剧场中对“全景照明”的拒绝，以及布莱希特式剧场中对“非自然光”的运用，展示阴影如何成为结构性叙事工具。 3. 运动的光：时间流逝与视听的耦合 灯光的动态变化是现代剧场的一大特征。本书分析了追光（Spotlight）的精确性和移动光束（Moving Light）的抽象性。追光如何固定或隔离角色，强调“瞬间的永恒”；而移动光束的无固定目标性，则常用于表现混乱、梦境或快速的时间蒙太奇。特别地，我们探讨了光与声音之间同步或反向运行的设计手法，即视觉节奏对听觉节奏的强化或解构。 第三部分：形体的解放：现代演员的身体语汇 本部分将焦点放在演员的身体，探究在去文学中心化的趋势下，身体是如何成为最直接、最具冲击力的戏剧媒介。 1. 空间中的肢体语言：非约定性的身体姿态 现代舞蹈、皮娜·鲍什的舞蹈剧场（Tanztheater）以及当代形体剧场，极大地拓宽了演员肢体表达的范围。本书拒绝将身体姿态视为符号学的解码对象，而是将其视为一种即时的、能量的释放。我们分析了“不适姿态”（The Uncomfortable Pose）和“静止的张力”（Static Tension）在营造焦虑感和权力关系中的有效性，这些姿态往往在传统表演中被视为“不自然”或“失态”。 2. 接触与隔离：人与环境的互动模型 演员的身体与舞台环境（布景、道具、光线）之间的互动关系，构成了现代戏剧的物理景观。本章研究了演员如何通过接触、推、拉、抵抗或完全忽视特定的舞台元素，来定义他们与环境的关系。例如，演员面对一座象征压迫的巨大装置时的微小颤抖，其信息量远超一段长篇独白。 3. 身体的碎片化与重构：多重身份的视觉呈现 当代剧场越来越多地采用分身（Doubles）、替身（Stand-ins）或机械装置来辅助或取代真人表演。本书考察了这些“身体的复制品”如何通过声音、光线和形体的协同作用，在舞台上构建出角色的多重面向、心理的解离状态，甚至是对“完整主体”概念的颠覆。这是一种视觉上的“去人化”尝试，以期达到更深层次的戏剧震撼。 结论：交织的感官矩阵 《舞台魅影：现代戏剧的声、光、形探索》最终总结道，现代戏剧的成功不再是依靠文本的完美诠释，而是依赖于声音、光线和形体这三大要素在时间与空间中精准而富有创造性的交织。这种交织构成了一个强大的感官矩阵，它绕过了理性的分析，直接作用于观众的直觉和情感，创造出一种难以言喻、但又真实可感的剧场体验。本书为舞台技术人员、导演、演员以及戏剧理论研究者提供了一个审视和运用这些非语言力量的全新框架。

上篇  音韵
第一章    曲韵源流
第二章    论尖团音
第三章    论上口音
第四章    论四声
第五章    论注音符号及文字反切

中篇  唱念法
第一章    前代声乐论着要籍举目
第二章    前代声乐理论要旨
第三章    音的常识
第四章    发音的生理基础
第五章    声母发音剖析
第六章    韵母发音剖析
第七章    字音分头腹尾
第八章    口腔的掌握
第九章    共鸣音的运用
第十章    运气与唿吸
第十一章    行腔浅说
第十二章    虚音的垫用
第十三章    尺寸与节奏
第十四章    韵白的练与念
第十五章    韵味

下篇  十三辙字集
例说
辙目编次
国剧十三辙字汇
 
附录、主要参攷书目
 

自序

　　本书编纂目的和内容大要，详见本书前言。这里，我只把编写经过作一交代。

　　记不清是去年哪一天，我在俞大纲教授家里闲聊，从诗词用韵扯到戏曲用韵，承大纲先生出示所藏一篇手抄的讨论音韵问题的文章，题目是《旧剧中的几个音韵问题》，是曾和大纲先生在中央研究院共过事的罗常培(莘田)氏在民国二十四年所作的一篇演讲稿(载于《旧东方杂志》第三十三卷第一号)。罗氏是名音韵学家，在文内把国剧中的尖团音和上口音来源，根据音韵学原理作了极透澈的分析，引起了我浓厚的兴趣，但罗氏对于有同等重要的四声问题，不知何故竟轻轻一笔带过，因此也引起了我的求知慾，于是开始涉猎音韵学和语言学书籍，希望能在皮黄音韵问题上，钻研出一个究竟来。后来我把探讨所得写了一篇〈国剧唱念中的审音正读问题〉请政于大纲先生。俞教授认为不无可取之处，可供年轻演员们的参攷，鼓励我继续研究及编纂十三辙韵书，除了借给我许多私藏珍贵的参攷书以外，幷介绍我到南港中央研究院傅斯年图书馆去蒐集资料。就这样，不知不觉地写成了这本书。

　　大纲先生的旧文学造诣极高，由深研我国古典戏曲，是我由衷佩服的一位学者，所以我每逢写完一章或一节，必携稿前往请正，有许多地方都是经过他当面指点后而重新写过的，所以本书之能完成，首先我得感谢大纲先生的鼓励和指导。

　　其次，我得谢谢毕玉清先生，毕先生是此间名琴师，幷执教于国立复兴剧校。对于皮黄唱念一道之钻研，已达废寝忘餐的地步，朝夕不辍，数十年如一日。其研究精神之强，实在令人敬佩。他无师承，也没有坐过科班，但音乐天赋很高，耳音极灵，就凭着唱片和录音带，加上注音符号和简谱两大工具，他不但精细的谱出了余叔岩及梅兰芳两氏唱片的全部唱腔，并且创出一套捷便的皮黄唱念教学法。他之深受学生欢迎和被内行推崇，决不是偶然的。(中略)

　　末了，我还得谢谢中华书局给与这本冷门之作一个出版机会。我很了解，像这类的出版物，内容枯燥，可读性很低，销路必属有限，而且本书引用古籍之处，僻字很多，加上注音符号和简谱错综其间，排印和校对上的困难也是不难想像的。

　　在写作过程中，我重温了三十年前写毕业论文时的心情，暂时麻醉自己，忘记了两年来的许多拂逆和困扰，可说是意外的收获。

　　书成之日，儿女笑着说：爹的国语还不如我们说的好，唱起戏来尤其难听，光说不练，有什么用。

　　掩卷一想，所说颇有道理，赶紧搁笔。
 

上篇  音韵

第一章    曲韵源流

第三节  十三辙

十三辙是国剧用韵的依据，而十三辙的来源可从《等音》、《声位》、《五方元音》、《韵略汇通》、《韵略易通》、《洪武正音》等书一直上溯到《中原音韵》，前文已经提到过。

十三辙只是一种民间约定俗成的分韵系统，文字资料不多，就我所看到过的，仅有张伯驹、余叔岩两氏合编的《近代剧韵》医书，这本书的凡例里虽然没有明白说出十三辙，但所定韵目和通俗所传的十三辙完全相符。皮黄十三辙一向是有目无书，直到这本书出现，皮黄才算是有了一本韵书。但这本书的错误颇多，故余氏生前坚拒发行。

按照声韵学专家们的看法，十三辙的优点是韵脚宽，容易叶，接近口语，新鲜活泼。缺点是过于简单粗俗不符韵学原理，如言前辙之併「欢桓(ㄨㄢ)」和「先天(ㄧㄢ)」两种截然不同之音于一韵，一七辙内容庞杂，往往押不顺口。梭坡辙之容纳韵母为「ㄜ」之音，亦极为牵强等等。

曾经有人尝试过，想把十三辙改良，另立一种新的剧韵。如曹心泉氏，就曾经根据范善臻的《中州全韵》而编过《剧韵新编》(分韵为二十一部)。但结果却没有被人接受和流传。罗常培氏也说过：「皮黄既已被人公认为平剧，就无妨改从平音，就是现代的国音，照通例说，只有国音才可以有『舞台标准音』的地位……(后略)
 

评分☆☆☆☆☆

一看到《國劇音韵及唱念法研究》這個書名，我就知道這是一本我一直以來都在尋找的書。作為一個在台灣土生土長的人，我們從小耳濡目染，對於中華傳統文化有著深厚的感情。國劇，尤其是我認為是京劇的代表，一直是我們文化瑰寶中的瑰寶。我經常在想，為什麼幾百年來，國劇的唱念法能夠傳承下來，並且依然保有如此強大的生命力？這背後一定有著極其深奧的學問。書名中的「音韻」二字，就讓我聯想到詩詞歌賦的聲韻美，而「唱念法」更是直指表演藝術的根本。我猜想，這本書一定會從音韻學的角度，去剖析國劇唱腔的結構，包括聲母、韻母、聲調的運用，以及它們如何與情感、劇情相互配合。同時，它應該也會深入探討演員在發聲時的吐納、咬字、共鳴腔的使用，甚至可能觸及到中國傳統醫學中關於氣息運行的理論。我非常期待能從書中了解，是如何通過這些精妙的技術，讓演員能夠在舞台上，以一種超越日常語言的方式，傳達出角色的喜怒哀樂。

评分☆☆☆☆☆

我最近在書架上翻到這本《國劇音韵及唱念法研究》，光是書名就讓我覺得很有學術氣息，而且充滿了探究的樂趣。雖然我不是國劇的專業人士，但從小在台灣的環境中，多少都能接觸到一些國劇的元素，像是電視上的京劇表演，或是節慶時的相關演出。我一直對國劇的唱腔和唸白有著濃厚的興趣，特別是那種在舞台上，演員是如何通過聲音來塑造角色的。有時候聽一些名家演唱，那種悠揚的唱腔，字字句句都像是從心底發出來的，非常有感染力。我很好奇，這些唱腔背後到底有哪些技巧？是什麼讓有些演員的聲音聽起來那麼有穿透力，又能表現出如此細膩的情感？書名中的「音韻」和「唱念法」正好點出了我最想了解的部分。我希望這本書能深入淺出地講解，例如，不同的行當在發音上會有什麼樣的獨特之處？在處理長音、短音、虛音、實音時，又有什麼樣的講究？甚至，它會不會提到國劇唱腔在歷史演變中的一些發展軌跡，或是受到哪些不同地方戲曲的影響？

评分☆☆☆☆☆

最近在書店裡偶然瞄到這本《國劇音韵及唱念法研究》，書名雖然有點嚴肅，但對於我這樣一個對國劇有著莫名字著迷的普通觀眾來說，卻有著一股難以抗拒的吸引力。我一直覺得，國劇之所以為「國」劇，其最核心的魅力，絕對離不開那獨特的聲腔和念白。小時候看戲，雖然聽不太懂，但聽著那些咿咿呀呀的唱腔，就覺得非常療癒。隨著年紀增長，開始接觸一些比較經典的劇目，像是《霸王別姬》、《铡美案》等等，才慢慢體會到，演員們的每一個字，每一個音，都經過了精密的設計和長時間的錘鍊。我特別好奇，書中會不會探討那種「字音」與「腔音」之間的關係？是先有字，再填入腔，還是某些腔調本身就蘊含著特定的音韻結構？還有，國劇裡那種「字正腔圓」的要求，是如何達成的？是不是真的有什麼獨特的發聲技巧，能讓聲音在傳遞情感的同時，又保持著清晰的辨識度？我希望這本書能像一位循循善誘的老師，為我解開這些長久以來在我心中盤旋的疑惑，讓我不再是囫圇吞棗地欣賞，而是能聽出門道，品出滋味。

评分☆☆☆☆☆

當我看到《國劇音韵及唱念法研究》這本書時，眼睛立刻亮了起來。這年頭，要找到一本真正深入探討國劇藝術本質的書並不容易。我一直覺得，國劇之所以迷人，絕不僅僅是華麗的服裝和精緻的妝容，其核心的魅力，絕對在於那門自成一格的「唱念」藝術。書名中的「音韵」二字，就勾起了我無限的遐想。我猜測，這本書一定會從非常專業的角度，去剖析國劇唱腔中每一個音節的發音方式、吐字歸音的技巧，以及這些音節如何組合、變化，最終形成豐富多變的唱腔旋律。而且，我還希望它能深入探討「念白」的部分。因為在國劇中，唸白同樣是展現人物性格、推動劇情發展的重要手段。它與唱腔之間，是如何達到一種微妙的平衡與銜接的？書中會不會有對歷代名家的唱念法進行比較分析，或是探討在不同時期，國劇的音韻和唱念法有過哪些演變？我期待這本書能讓我對國劇的聲音藝術有一個更為系統、更為深刻的認識，不再只是被動地聆聽，而是能帶著一份專業的視角去欣賞。

评分☆☆☆☆☆

这本书，哇，光看书名《国剧音韵及唱念法研究》就覺得很有份量，感覺是那種可以擺在家裡，隨時拿出來翻閱、沉思的學術大作。我最近對京劇，或者說我們常說的「國劇」，越來越有興趣，常常在電視上看到一些經典的劇目，雖然聽不太懂裡面的唱腔，但那份韻味和扮相確實是迷人。我一直很好奇，為什麼有些演員的聲音聽起來就是那麼有穿透力，又能將角色的情感表現得淋漓盡致？那種字正腔圓、抑揚頓挫的唱法，背後到底有什麼樣的學問？這本書的標題正好觸及了我最想了解的幾個核心問題。我猜想，裡面一定會深入探討國劇唱腔的聲學原理，以及不同行當（生、旦、淨、丑）在發聲方式上的差異。而且，我不只是想知道「怎麼唱」，更想了解「為什麼要這樣唱」，這背後是不是有傳統的聲樂理論、甚至是一些氣功上的訓練方法。想到書裡可能會解析那些讓人百聽不厭的經典唱段，比如《鎖麟囊》裡的「春秋亭」，或是《貴妃醉酒》裡的「海島冰輪」，光是想像就覺得很期待。我希望這本書能讓我從一個單純的聽眾，進階到一個稍微有點門道的欣賞者，甚至能對國劇的魅力有更深一層的體悟。