肖像+人體雕塑套書(共二冊) (電子書)

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彼得‧魯比諾(Peter Rubino)
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具体描述

一、《肖像雕塑法》
以豐厚創作與教學基底累積的造型技藝 雕塑學習的必備專書
彼得.魯比諾(Peter Rubino)是當代少數集藝術家、教育家、作者頭銜於一身的世界雕塑名家。1972年投入創作以來,作品不勝枚舉,為全美國許多重要機構所典藏,包括為美國前總統歐巴馬與傳奇爵士鋼琴家戴夫.布魯貝克製作的肖像、六○年代洋基名將羅傑.馬里斯的全身人像、迪士尼公司委製的「天使」紀念碑、以及為本?古里安大學設計的「萬物之母」抽象雕塑等。此外,他亦先後於美國國家設計學院、布魯克林博物館藝術學院、銀礦藝術中心等三所學校執教,擁有超過三十五年的深厚教學經驗。

魯比諾的創作注重觀察、解構,高超的捏塑功力悠遊於寫實與抽象之間。而最為人津津樂道的,莫過於在極短時間內結合音樂發展出的獨特現場雕塑表演。「黏土中的交響樂」(Symphony in Clay)即為他伴隨著貝多芬第五號交響曲,於二十分鐘內將逾百公斤的黏土捏塑成大音樂家的半身像,博得滿堂喝采。

多年來,魯比諾秉持「用熱誠去追尋」(Pursuit it with Passion)的理念,亦著有兩本不可多得、嘉惠後世的雕塑技法教學書。本書《肖像雕塑法》將其豐富的創作及教學實務化為圖文說明,逐步講解從材料準備、工具介紹、頭部結構觀察、現場雕塑演示、五官細節雕塑到燒製處理的完整過程。如此大師典範,引領世界各地無數雕塑學習者踏上創作之路。

本書特色
●簡明直觀的圖文解說:近300張實作示範照,搭配清晰具體的核心要點
●實用易學的創作技巧:基礎技法強調實用、易於學習,初學者也能成功塑造肖像
●結構拆解深入淺出:從解剖學出發,透視骨骼肌理、掌握五官比例,營造人物真實感

亞馬遜網路書店五星好評
●按照魯比諾的指示,我在第一次嘗試時就能構建出非常高的相似度。如果您想依循正確的方向上手並確定基礎知識,我無法想像有更好的書。
●當我開始認真研究雕塑之後,借助這本書獲得極大的改進。我必須向所有對雕塑有興趣的人傳達這本書的重要性。


二、《人體雕塑法》
融會貫通大師由繁入簡之心法,展現不同凡響的詮釋深度
本書作者彼得.魯比諾(Peter Rubino)是當代少數集藝術家、教育家、作者頭銜於一身的世界雕塑名家,鑽研肖像、人體及抽象雕塑藝術超過四十年。他擅長以有形的雕塑來演繹無形的旋律之美,其著名的現場創作表演「雕塑中的交響樂」即藉由結合音樂與雕塑兩種看似不同、卻又相似的表現形式,捏塑出獨特而富詩意的作品。傳奇爵士鋼琴家戴夫.布魯貝克曾經這麼評論:「魯比諾打破了古典傳統的模式,做出更個人的表達,就好比爵士音樂家基於當下感受,將經典曲式改編成新的樂曲。」

在雕塑藝術領域,人體一直是最引人入勝、架構完美且蘊含力與美的主題。研究和雕塑人體更是開啟自我覺察、發現和表達的入門,也是讚頌人類經驗的絕佳方式。

《人體雕塑法》奠基於作者多年創作累積而來的雕塑語法與教學經驗,標榜自然且出於直覺,簡化了人像的複雜性、擴展對人像的視野。本書首重「觀察」三個P:Position(位置)、Proportion(比例)與Plane(平面),以精確掌握模特兒的身形,輔以判定姿勢的訣竅BLT:Bend(彎曲)、Lean(傾斜)和Turn(轉動)。透過有秩序的分析與示範,有效引導學習者在塑形過程中挖掘靈感及構圖的可能性,同時領略寓於形體中的無限情感,進而建立自在的個人風格。

本書特色
●460張清晰照片範例:真人模特兒多重角度與姿勢展示,彷彿置身工作室近距離練習
●明確易學的創作技巧:教授觀察與建立黏土粗樣的方法,精準掌握比例與線條
●兼具寫實與抽象手法:從基礎形體到細節造型一應俱全,不同風格表現也能隨心所欲

亞馬遜網路書店五星好評
●魯比諾是一位極有才華的雕塑家與導師,這本《人體雕塑法》是他最好、最出色的雕塑專著。
●內容豐富而且講究,有優秀的插圖和解說,這非常重要,對理解雕塑過程大有裨益。
●清楚描述了一門經過雕琢的、真實的人體雕塑技術,對入門和進階雕塑創作者皆大有啟發。
艺术的沉思与技艺的探寻:建筑、绘画与摄影的经典之旅 本书系精选的艺术理论与实践的精粹合集,旨在为广大学者、艺术爱好者及从业者提供一个广阔的、深入的视角,审视人类文明进程中,不同艺术门类如何捕捉、表达并建构我们所认知的世界。本套书侧重于建筑的结构美学、绘画的叙事张力以及摄影的瞬间捕捉,通过对大师作品的剖析和核心理论的阐述,构建一个多维度的艺术理解框架。 第一卷:空间与形式的构建——现代建筑的演进与哲学 本卷聚焦于20世纪以来,建筑艺术如何从纯粹的功能性需求转向对社会、文化和个人精神世界的深刻回应。我们探讨的不是对人体雕塑的具象描摹,而是人类居住环境的宏大叙事。 第一章:现代主义的理性与乌托邦的破裂 本章深入剖析了包豪斯学派的核心理念,即“形式追随功能”的简洁美学如何在早期工业化社会中获得推崇。我们详细研究了勒·柯布西耶的“新建筑五点”对传统建筑语汇的颠覆,以及密斯·凡德罗对“少即是多”的极致追求。然而,本章的重点并非人物的具象描绘,而是空间划分、材料运用(如钢筋混凝土与玻璃幕墙)如何构成新的视觉语言。同时,我们审视了这种理性主义在实践中遇到的社会阻力与文化反思,探讨了城市规划如何影响个体生活的体验感。 第二章:后现代的回归与批判的多元性 随着社会复杂性的增加,建筑开始反思现代主义的冰冷与普适性。本章详细梳理了后现代建筑的兴起,关注其对历史符号的挪用、色彩的大胆运用以及对地方性(Genius Loci)的强调。罗伯特·文丘里关于“复杂性与矛盾性”的论述被视为关键转折点。我们分析了这些建筑师如何通过体量、装饰与象征意义的重组,来打破单调的几何形态,引入叙事元素。此处的“人”更多是以居住者、使用者的身份被置于空间动态之中,而非作为被独立塑造的个体形象。 第三章:生态与可持续性的未来结构 进入当代,环境问题成为建筑设计不可回避的核心议题。本章聚焦于绿色建筑、生物气候设计以及新材料技术的应用。我们分析了如何通过被动式设计策略(如自然通风、采光优化)来减少能源消耗,探讨了可持续性原则如何重塑建筑的生命周期。案例分析集中于建筑与自然环境的共生关系,例如高密度城市中的垂直绿化系统,以及对本土材料的再发现与创新应用。这部分内容强调的是系统、气候与结构的互动,完全脱离了对单一形体的细致雕琢。 第二卷:光影、色彩与构图的叙事——西方绘画史中的视觉转译 本卷旨在梳理西方绘画史上,艺术家如何运用媒介特性来构建、扭曲或再现现实,重点在于光影的运用、色彩的心理暗示以及画面的空间布局,而非对人体形态的解剖式研究。 第四章:文艺复兴的透视革命与古典美学 本章首先回顾了文艺复兴时期透视法(特别是焦点透视)的科学化进程,它如何从根本上改变了二维平面表达三维空间的方式。我们分析了达·芬奇对光影(Sfumato)的精妙处理,及其如何营造出深度与神秘感。重点讨论的是画面的几何骨架、消失点与视平线的设定,这些是构建稳定视觉秩序的关键技术。对人物形象的讨论,也仅限于其作为画面元素在空间中比例和关系的定位。 第五章:巴洛克至浪漫主义:情感的放大与戏剧性的张力 本章探讨艺术如何服务于强烈的叙事和情感表达。卡拉瓦乔对“明暗对比法”(Chiaroscuro)的极端运用,如何戏剧化地引导观众的目光,营造出强烈的心理冲击。随后,我们转向浪漫主义,分析德拉克洛瓦等人如何利用奔放的色彩和动感的线条来表达崇高感与激情。这些分析集中于光线对氛围的塑造,以及画面线条的走向如何暗示运动与冲突。 第六章:印象派与后印象派:对时间与感知的捕捉 本卷的后半部分,重点转向了绘画媒介的自主性表达。印象派画家如何走出画室,捕捉转瞬即逝的光线变化,以及他们如何通过笔触的并置来模拟人眼的视觉感知。塞尚对几何形态(圆柱体、球体、圆锥体)在自然物象中的提炼,为立体主义奠定了基础。本章强调的是色彩如何独立于物体固有色而存在,以及构图如何在平面上解构传统的深度错觉。我们研究的是画布上的视觉化学反应,而非实体艺术品的物理存在。 第七章:摄影作为观察工具:瞬间与序列的权力 本卷的最后,我们转向了20世纪初兴起的摄影艺术。本章侧重于摄影的纪实性与主观性之间的辩证关系。我们分析了阿尔弗雷德·斯蒂格利茨对摄影作为纯粹艺术形式的捍卫,以及他如何利用景深、对焦和影调来构建具有内在精神力量的图像。对于人像摄影的讨论,也仅限于光线如何勾勒面部轮廓、景别如何定义主体与环境的关系,而非对人体结构的深入描摹与赞颂。摄影的魅力在于其对时间切片的精确控制,以及对光线在特定介质上留下的印记的记录。 通过对建筑、绘画和摄影这三大艺术领域的深度剖析,本套书为读者提供了一个坚实的理论基础,用以理解人类如何通过物质形态、二维平面和光影记录来表达他们的思想与情感,构建起丰富多样的文化景观。

著者信息

彼得‧魯比諾Peter Rubino

美國著名的雕塑藝術家。1947年出生於紐約布魯克林區,於國立設計學院National Academy of Design接受嚴謹的藝術專業訓練。作品形式從人物肖像到大型抽象雕像皆有,為世界各地許多重要機構典藏。魯比諾集教學、創作、著作成就於一身,在美國和義大利傳授多年來親自驗證有效的方法,教學總能切中要點,使入門與高階學習者都能帶著自信,愉快地創作高品質的雕塑。

图书目录

图书序言

  • ISBN:4717702102869
  • 規格:普通級
  • 出版地:台灣
  • 檔案格式:EPUB固定版型
  • 建議閱讀裝置:平板
  • TTS語音朗讀功能:無
  • 檔案大小:101.4MB

图书试读

用户评价

评分

我最近读完了《人体几何学:从达芬奇到现代解剖学的透视之旅》,说实话,这本书的专业性是毋庸置疑的,但它的呈现方式却出乎意料地引人入胜。对于我们这些非科班出身,但又对人体结构充满好奇的业余爱好者来说,这本书简直是把硬核知识用最软性的方式喂给了我们。它从文艺复兴时期如何将数学和艺术完美结合开始讲起,对维特鲁威人的经典结构进行了详尽的拆解,甚至连肌肉群的起止点都标注得清清楚楚,但关键在于,这些图解都不是冷冰冰的医疗插图,而是与艺术作品紧密结合的。我特别欣赏它对动态捕捉的分析,比如米开朗基罗雕塑中的力与美是如何通过精准的骨骼和肌肉比例来实现的。书里的排版设计也十分考究,大量的剖视图和三视图的对比,让原本抽象的立体结构变得直观易懂。读完后,我对那些经典的人体素描作品的“内在逻辑”有了更深层次的理解,不再只是停留在表面的形似,而是开始理解背后的“为什么”。如果你对素描、雕塑或者人体解剖学有那么一丝丝的兴趣,这本书绝对能点燃你的热情,让你发现人体结构本身就是最伟大的艺术品。

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这本《材质的低语:不同媒材下的雕塑表现力探究》简直是一本雕塑家的“武功秘籍”!我以前总觉得雕塑无非就是石头和青铜,但这本书彻底颠覆了我的认知。它花了大量的篇幅去探讨不同材料的特性如何影响最终的艺术表达。比如,书中对比了大理石的温润和花岗岩的粗粝,分析了木材在岁月侵蚀下所呈现的独特肌理感。最让我着迷的是关于“光线与材质”的章节,它深入阐述了磨光处理和粗凿手法如何截取光线,从而赋予作品不同的情感重量。作者的文字非常具有画面感,他描述汉代陶俑的土味与厚重,和描述现代不锈钢雕塑反射的冰冷与速度,对比鲜明,引人深思。对于我这种平时更偏向于平面创作的人来说,这本书极大地拓宽了我对三维艺术的理解边界。它不再是单纯地教你技术,而是让你学会如何与材料“对话”,让材料本身成为叙事的一部分。这本书不仅适合雕塑专业学生,也强烈推荐给所有跨界创作者,它会让你对“媒介即信息”这句话有更深刻的体会。

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这本《光影之间的凝视:西方古典肖像画精选》简直是艺术爱好者的圣经!作者的功力真的不是盖的,他对光影的捕捉和人物神态的刻画,细腻到让人仿佛能感受到画中人的呼吸。记得有一次,我对着伦勃朗的那幅自画像看了好久,书里对那层次分明的笔触和那种深沉的眼神分析得入木三分,完全超出了我之前在博物馆走马观花时看到的感受。尤其让我惊艳的是,它不仅仅是图录式的罗列,而是深入探讨了不同时代肖像画背后的社会背景和审美变迁。比如,文艺复兴时期那种追求理想美和学院派的精准,和巴洛克时期那种戏剧性的光影对比,书里都用非常平易近人的语言串联了起来。很多书讲理论都枯燥乏味,但这本完全不会,它就像一位经验丰富的导览员,领着你一步步走进那些大师的心灵世界。对于想提升自己鉴赏能力的读者来说,这本书提供的视角是极其宝贵的,它教会你如何“看”画,而不仅仅是“认出”画。强烈推荐给所有对西方艺术史有兴趣的朋友,绝对是案头必备的好书,每次翻阅都能有新的体悟,那种知识的充实感是无可替代的。

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不得不提《人体形态的经典构建与当代解构》这本书,它在处理古典与现代的张力上做得非常出色。这本书的结构就像是搭积木,前半部分严谨地梳理了古希腊雕塑中对理想人体比例的探索,比如黄金分割在人体中的应用,以及如何通过完美的对称来传达永恒的美感,图例的精准度高到令人咋舌,每一个角度的线条都像是用尺子量过一样。然而,精彩的部分在于后半段的“解构”。作者没有停留在对古典的膜拜,而是深入探讨了现代主义艺术家如何刻意扭曲、拉伸或简化这些经典比例,以表达工业时代带来的疏离感和精神上的焦虑。这种强烈的对比,让读者清晰地看到了艺术是如何随着社会环境的巨变而不断自我革新的。书中对立体派和表现主义雕塑的分析尤其到位,它们不再追求外部的完美,而是要挖掘内在的真实。这本书成功地架起了一座桥梁,让传统训练的严谨性与当代创作的自由精神得以对话,对于想要在传统基础上进行创新实践的艺术工作者,这本书提供的思想碰撞绝对是极具启发性的。

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我最近在整理书架的时候,又翻看了这本《面容的密码:情绪与性格在肖像艺术中的解码》。说实话,这书的视角非常独特,它没有过多纠缠于画家的生平或画作的年代,而是专注于“脸部表情”这一核心要素。作者像是人类行为学家一样,用艺术的语言剖析了人类最复杂的情感表达。比如,书中详尽分析了不同文化背景下,微笑的微妙差异,以及如何通过眉毛和眼角的细微变化来暗示人物的内心冲突。我印象最深的是关于“眼神”的章节,它提到了文艺复兴时期肖像画中,人物视线常常略微偏离观者,这被解读为一种内敛和智慧的象征,与现代肖像艺术中那种直接的对视形成有趣的对照。这本书读起来完全没有负担,每一张配图都像一个案例分析,文字条理清晰,论证有力。它让我开始在看任何人物照片或画像时,下意识地去寻找那些隐藏的“密码”,极大地提升了我在日常生活中对人际互动的观察力。如果你想学会在瞬间洞察人心,这本书提供的艺术角度非常新颖和实用。

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