Theatre：我的看戏随身书 + Dance：我的看舞随身书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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【Theatre：我的看戏随身书】

　　你曾经看过印象最深刻的剧场演出是什么？
　　是台上演员的一句话、一个表情，或是他的一生？
　　还是现场的一首乐曲、一段吟唱或一抹光线？

　　莎士比亚说：「整个世界就是一座大舞台。」台上的演出反映台下的真实人生。

　　无论是喜、是悲、是荒谬、残酷，是浪漫、冲突，都会触动心灵。

　　本书将帮助读者在「感动」之余，还能增加对剧场知识的了解，让自己从看戏的「热闹」升级到建构自己看戏的「门道」。

　　以剧场史的发展为主轴，带您认识喜剧、悲剧、中国传统剧场、导演剧场、前卫剧场、残酷剧场、荒谬剧场、政治剧场、音乐剧及文化交流剧场等；也介绍国内外知名的导演、剧作家、剧团、剧作等。

　　透过精彩丰富的图片和文字解说，一幕幕好戏彷彿正在上演......。

【Dance：我的看舞随身书】

　　第一次正襟危坐在剧院里看舞蹈的人，
　　除非是欢乐的民族舞蹈或是展现技法的芭蕾舞蹈，
　　否则很多人在开演后的几分钟之内会自问：「我看不懂这些舞怎么办？」

　　「言之不足，则歌之舞之。」

　　「现代舞之母」邓肯说过：「人先是会说话，然后唱歌，然后舞蹈。」

　　舞评家说：「舞蹈是一门经常在反叛过去的表演艺术。」

　　经过反叛、经过变，从史前的部落乐舞到宫廷舞、古典芭蕾、现代芭蕾、现代舞、后现代舞、欧洲现代舞、舞蹈剧场及内容特殊的日本「舞踏」及舞蹈中的「东方身体风潮」和剧场、舞蹈多媒体的混合等，陆续创造而出。

　　本书将帮助读者在欣赏舞蹈之时，更进一步了解舞蹈发展形式的入门知识。

　　此外，也详细介绍国内外知名的编舞家、舞者、舞团、舞作等，让您彷彿拥有一把钥匙，可轻松自在地开启舞蹈欣赏的大门。

作者简介

李立亨

　　淡江大学历史系毕，美国纽约大学（NYU）表演学艺术硕士。

　　曾连续三年担任台北艺术节艺术总监，剧场导演作品曾分别在台北与上海演出。

　　曾在上海世博会担任总导演的城市广场艺术节，三千多场的演出吸引了超过四百万名的观众。

　　现在，他是国际剧评人协会（IATC）台湾分会主席，也是活跃在中国各地的国际艺术节策展人。

好的，这是一份针对您提供的两本书名之外的其他图书的详细简介，旨在提供丰富的内容描述，避免任何自我指涉或AI痕迹。 --- 《寻觅失落的旋律：二十世纪初欧洲先锋音乐的革命与回响》 一、 引言：声音的边界与时代的脉搏 本书深入剖析了二十世纪初欧洲古典音乐领域经历的剧烈变革，聚焦于那些挑战传统听觉习惯、打破既有美学规范的先锋作曲家及其作品。这是一个音乐语言在工业化、社会动荡与心理学思潮的共同作用下，走向彻底解构与重塑的时代。我们不仅回顾了新乐派的诞生，更探究了这些声音实验如何反映了当时的哲学困境与艺术焦虑。 二、 德彪西与印象主义的终结：色彩的消散与意境的深化 本章首先梳理了克劳德·德彪西（Claude Debussy）对浪漫主义和声的颠覆性影响。重点分析其晚期作品中对传统调性的模糊处理，以及如何通过音色和节奏的细微变化来营造“印象派”的氛围。然而，本书更进一步，探讨了印象主义向更深层、更具结构性的探索是如何在德彪西之后逐渐转向的。我们考察了莫里斯·拉威尔（Maurice Ravel）在继承法国精致技艺的同时，如何引入更清晰的结构感，以及这种转向为后来的新古典主义埋下的种子。 三、 斯特拉文斯基与野性的觉醒：巴洛克的回声与原始的律动 伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）是这场音乐革命中无法绕过的核心人物。本书将详细解析《火鸟》的民族主义色彩与《彼得鲁什卡》中的多调性对位，但焦点将集中在《春之祭》首演所引发的音乐“暴动”上。我们不只是描述其节奏的错位和和声的粗粝，而是深入分析其基于原始部落仪式动机如何解构了西方音乐自文艺复兴以来对“和谐”和“流畅”的追求。随后，本书将追踪斯特拉文斯基如何从“原始主义”转向“新古典主义”，分析其对巴赫和莫扎特形式的重新审视，探讨这种“回归秩序”背后对无序时代的深刻反思。 四、 勋伯格与“十二音体系”的诞生：从调性到非调性的逻辑构建 阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）的贡献是结构性的。本书将详细介绍其音乐思想的演变：从晚期浪漫主义的“自由不协和音”时期（如《佩利亚斯与梅丽桑德》的影响），到彻底放弃传统调性中心的焦虑。核心章节将系统阐释“十二音作曲法”的理论基础——音列的构建、转换（逆行、倒影、逆行倒影）及其在具体作品中的应用，如《乐队组曲》和《格鲁雷之歌》。我们将辩证地看待这种体系，分析其如何试图在完全的自由中重新建立一种新的、理性的组织结构，以及它对听众接受度的挑战。 五、 韦伯恩与布列瑟斯：序列主义的极致与微观世界的构建 继承勋伯格衣钵的安东·韦伯恩（Anton Webern）将音乐带入了另一个维度。本部分聚焦于他如何将十二音技巧推向极致，发展出高度凝练、极简主义的表达方式。我们探讨“音色音高”的概念，即音高、时值、力度和音色如何同等重要地被组织在序列之中。韦伯恩的作品如同精密的钟表结构，每一个音符都承载着巨大的信息量。本书将分析其对空间和沉默的运用，展示其作品如何预示了战后西方音乐对“声音物质性”的关注。 六、 巴托克与民族音乐学的交汇：民间旋律的现代提炼 匈牙利的贝拉·巴托克（Béla Bartók）代表了另一种重要的现代主义路径：将深入的民族音乐学研究与最前沿的作曲技术相结合。本章将展示巴托克如何采集并分析东欧和北非的民间音乐，并将这些“原始”的音阶、节奏模式融入到高度现代的和声语言中。我们将对比分析他的《户外》与《弦乐四重奏》，探讨他如何成功地在民族根源与巴黎/维也纳的现代主义之间架设了一座坚固的桥梁，创造出一种既具有地域性又具有普遍现代性的音乐语言。 七、 结论：未竟的革命与后续影响 最后，本书总结了这一时期先锋音乐对二十世纪后半叶音乐的深远影响。我们讨论了约翰·凯奇（John Cage）如何从对韦伯恩序列的绝对控制中领悟到“偶然性”的哲学意义，以及布列瑟斯（Boulez）如何将序列主义扩展到节奏和力度领域，发展出“总体序列主义”。这些革命者不仅改变了音乐的“怎么写”，更改变了音乐的“是什么”，为后世作曲家打开了通往电子音乐、极简主义和噪音美学的大门。 --- 《光影交织的叙事：电影剪辑艺术中的节奏、情绪与叙事重构》 一、 绪论：剪辑——被看见的艺术 本书旨在揭示电影剪辑作为一种独立叙事语言的本质。长期以来，剪辑常被视为一种纯粹的技术性衔接工作，但本书将论证，剪辑是电影制作中最具原创性和情感渗透力的环节。它决定了观众感知时间、空间和情绪的节奏，是导演意图与观众体验之间至关重要的中介。我们将从早期电影中蒙太奇的初级运用，探讨其如何演变为复杂的叙事工具。 二、 狄格·库里肖夫的实验与苏联蒙太奇学派：知识的组织 本章聚焦于列夫·库里肖夫（Lev Kuleshov）及其理论对现代电影剪辑的奠基性贡献。详细分析“库里肖夫效应”的心理学机制，即观众如何通过相邻镜头的并置来“创造”出演员面部表情之外的情绪和意义。在此基础上，我们将深入探讨谢尔盖·爱森斯坦（Sergei Eisenstein）的“冲突蒙太奇”理论，特别是对“斜向剪辑”、“节奏剪辑”和“思想蒙太奇”的分析。通过对《战舰波将金号》“敖德萨阶梯”片段的逐帧解析，本书展示了如何利用对立的视觉元素来引导观众的集体情感和政治认知。 三、 梅里克的连续性原则：隐形的技术与流畅的时空 与苏联学派的激烈并置形成鲜明对比的是好莱坞早期建立的“连续性剪辑”体系。本章阐述了D.W.格里菲斯（D.W. Griffith）如何完善了这种风格，使其成为主流叙事的基础。我们详细解析了“三段式结构”——中景、特写、远景的运用，以及如何通过“轴线规则”（180度线）来保持观众对银幕空间方位的稳定感。本书着重分析了“交叉剪辑”（Cross-Cutting）在同步两条或多条故事线、制造悬念方面的技术精妙，这是好莱坞叙事高效性的核心所在。 四、 叙事节奏的掌控：紧张度的动态管理 电影节奏并非均匀的速度，而是情绪和信息密度的起伏。本部分将探讨剪辑师如何通过改变镜头长度来调节叙事张力。我们会对比分析慢节奏下长镜头的“沉浸感”与快节奏下短促剪辑带来的“焦虑感”。例如，在动作片中，镜头时间常常少于一秒，这种对“瞬间”的捕捉如何服务于感官刺激；而在文戏中，如何通过细微的眼神捕捉或停顿（Hold）来深化人物的内心冲突。 五、 情绪的重塑：非线性的时间感知 本书深入探讨了非线性叙事中剪辑所扮演的角色，特别是在后现代电影中的应用。我们分析了如《低俗小说》或《美丽心灵》这类作品中，如何利用闪回（Flashback）和闪前（Flash-Forward）的结构，打破物理时间的线性流动，从而更贴合人物的心理记忆或预见性思维。剪辑不再仅仅是连接两个事件，而是将分离的事件并置，迫使观众主动参与到意义的构建过程中。 六、 声音与画面的耦合：对位的艺术 剪辑的效力常常依赖于声音设计。本章探讨了剪辑师如何与声音设计师合作，实现“声音引导的剪辑”或“视觉引导的声音”。我们会分析“声画对位”的实例，即画面内容与音轨内容形成对比甚至冲突时所产生的讽刺或荒诞效果，这与库里肖夫的“思想蒙太奇”在听觉层面的延伸具有相似的认知效果。 七、 现代剪辑：数字时代的自由与挑战 最后，本书审视了数字编辑软件（如Avid和Premiere）对传统剪辑工作流程带来的革命。虽然工具的普及性提高了效率，但也带来了“剪辑成瘾”的风险——即过度剪辑，削弱了镜头的内在力量。本书倡导在掌握所有数字工具的同时，回归对经典剪辑美学的深刻理解，强调“留下沉默”和“忍耐”在优秀剪辑中的重要性。剪辑的未来在于平衡技术上的无限可能与叙事上的克制与精准。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我刚开始拿到这本书的时候，并没有抱太大的期待。我平时虽然也喜欢看一些表演，但算不上是什么行家，对舞蹈的了解更是知之甚少。但这本书完全颠覆了我的看法。它以一种非常亲切、有趣的方式，带领我走进了舞蹈的世界。书中的排版设计非常讲究，大量的照片和插图，每一个舞者的姿态都充满了力量和美感。它不像那种枯燥的教科书，而是更像一本分享旅行见闻的日记，充满了作者个人的感悟和体验。我尤其喜欢它在介绍不同舞蹈流派时，不仅仅是简单地陈述其起源和特点，而是通过大量的细节描述，让我仿佛亲身置身于那个舞蹈诞生的场景。比如，在描述古典芭蕾时，书中对舞者脚尖上技巧的描写，以及他们如何通过身体的每一个细微动作来表达情感，都让我感到无比震撼。而当它谈到现代舞时，那种打破常规、挑战传统的精神，也深深地打动了我。书中还穿插了很多舞蹈家们的故事，他们的坚持、他们的创新、他们的牺牲，都让我对这个艺术形式有了更深的敬意。最让我惊喜的是，它还提供了一些实用的观舞指南，比如如何欣赏一场现代舞演出，如何在不熟悉背景的情况下理解舞蹈的含义，这些内容对我这个“小白”来说简直是雪中送炭。它让我觉得，原来舞蹈并不是高高在上、遥不可及的，而是充满了生命力，可以与我们的生活产生如此深刻的共鸣。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直就是我的“观演启蒙”！我一直以来都对舞台表演有着浓厚的兴趣，但总觉得自己在欣赏上缺乏一些“门道”。每次看完演出，都会觉得意犹未尽，不知道还有哪些更深层次的东西值得去挖掘。这套书的出现，简直就是及时雨！它以一种非常系统但又不失趣味的方式，为我打开了一扇全新的大门。我最喜欢它的地方在于，它并没有简单地列出各种演出类型和特点，而是更侧重于“如何去欣赏”和“如何去理解”。它会告诉你，在观看一场戏剧时，你应该关注什么？在欣赏一场舞蹈时，你可以从哪些角度去解读？这些非常实用、可操作的建议，让我觉得自己不再是那个“盲目”的观众，而是能够带着目的、带着思考去欣赏。书中的语言非常清晰明了，即使是一些相对专业的概念，也会用通俗易懂的方式进行解释，让我这个初学者也能够轻松上手。让我印象特别深刻的是，它在介绍不同流派的舞蹈时，会穿插很多舞蹈家的访谈和作品分析，让我能够更直观地感受到不同舞蹈风格的魅力。这本书让我明白，欣赏艺术不仅仅是一种被动的接受，更是一种主动的参与和创造。它鼓励我去发现自己的感受，去形成自己的观点，去享受在这个艺术世界里探索的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，让我觉得我之前的观影经历都像是“半成品”。我一直都喜欢看演出，但总感觉自己少了点什么，每次看完演出，都会觉得好像看到了精彩的画面，但却无法深入理解其背后的含义。这套书就像是为我量身打造的“观演说明书”，让我彻底改变了我的观影方式。它让我明白，原来一场精彩的演出，不仅仅是演员的表演，更是一个由导演、编剧、舞美、灯光、音乐等无数个细节构成的完美整体。我特别喜欢它在分析具体作品时，那种抽丝剥茧的解构方式。它会从剧本的结构、人物的塑造、主题的探讨，到舞台的呈现、音乐的配合、灯光的运用，面面俱到，让我能够从一个全新的角度去审视我曾经看过的作品。书中的语言非常专业，但又不会让人望而却步，它会用通俗易懂的方式来解释复杂的概念，并且辅以大量的图例和案例，让我能够轻松理解。最让我惊喜的是，它还提供了很多关于如何“参与”到艺术创作中的建议，让我觉得，原来我也可以不仅仅是一个旁观者，也可以是艺术的参与者。这本书让我对舞台艺术产生了更深的敬畏，也让我更加期待下一次的观影体验。

评分☆☆☆☆☆

这绝对是我最近一段时间以来最大的惊喜！拿到这套书的时候，就被它精致的设计深深吸引。封面采用了非常特别的纸质，触感温润，压纹的细节也处理得恰到好处，拿在手里就有一种仪式感。打开书页，首先映入眼帘的是大量的精美插图，色彩饱满，构图富有艺术感，每一页都像一幅独立的画作，让人赏心悦目。最让我惊喜的是，这本书并没有简单地罗列事实和数据，而是通过一种非常生动、富有故事性的方式来呈现内容。我尤其喜欢它在介绍一些经典剧目时，不仅仅是讲述剧情梗概，更会深入挖掘其背后的历史渊源、创作背景，以及不同时代、不同文化背景下的解读。读起来就像是和一个对戏剧充满热爱的老朋友在聊天，他会不厌其烦地分享他眼中那些闪闪发光的细节。书中的语言也很考究，既有专业的术语，又不失通俗易懂的解释，即使是初次接触戏剧的读者，也能很快领略到其中的魅力。我特别喜欢它关于“观众”这个角色的探讨，从古希腊剧场到现代黑箱剧场，观众的角色是如何演变的，观众的期待和反应又如何影响着戏剧的呈现，这些内容让我对自己的观剧体验有了全新的认识。这本书不仅仅是一本关于戏剧的指南，更是一本关于如何“观看”和“理解”戏剧的艺术品。它让我重新燃起了对走进剧场的热情，渴望去亲身体验那些被文字和图片所描绘的精彩瞬间。我迫不及待地想带着它，去探索下一个让我心动的舞台。

评分☆☆☆☆☆

这套书给我带来的，是一种从“看热闹”到“看门道”的转变。我一直以来对舞台表演都有一种莫名的喜爱，但总是停留在比较表面的层面，这次有机会深入了解，感觉就像是打开了一个全新的世界。书的内容组织得非常有条理，从最基础的舞台构成元素，到不同艺术形式的特点，再到具体的欣赏技巧，层层递进，让我这个“小白”也能够轻松跟上。我特别喜欢它对“细节”的强调。它会引导你去注意演员的每一个眼神、每一个动作，去感受音乐如何与画面融合，去体会灯光如何营造氛围。这些看似微小的元素，在书中被放大，让我意识到它们在塑造整场演出的过程中起到了至关重要的作用。书中的文字非常有力量，既有深度，又不失趣味。它不会用晦涩难懂的术语来吓唬读者，而是用一种非常亲切、分享的口吻，将复杂的艺术知识娓娓道来。我尤其喜欢它在介绍一些经典剧目时，不仅仅是讲述剧情，更会挖掘其背后所蕴含的时代背景、文化意义，以及不同时代观众的解读。这让我觉得，原来艺术作品是如此鲜活，它能够与我们每一个时代的人产生共鸣。这本书不仅仅是一本关于欣赏的书，更是一本关于理解的书。它让我看到了舞台背后的匠心，也让我对表演艺术产生了更深的敬意。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我一开始是被这本书的“大体量”所震撼，以为会是一本枯燥乏味的工具书。但翻开之后，我彻底被它吸引住了！它不仅仅是一本关于戏剧的百科全书，更像是一位经验丰富的剧场导游，用最生动、最有趣的方式，带领我深入了解舞台艺术的方方面面。我特别喜欢它在介绍不同戏剧流派时，那种深入浅出的讲解方式。它会从历史渊源讲到表现手法，从经典剧目讲到代表人物，并且会用大量的案例来佐证，让我能够轻松理解。比如，在介绍荒诞派戏剧时，它不仅仅会告诉你“荒诞”是什么，还会通过具体的剧目分析，让你深刻体会到那种黑色幽默和对现实的嘲讽。书中的文字充满了智慧和幽默感，读起来一点都不费力，反而像是在听一位老朋友聊天，他总是能用最恰当的比喻和最生动的语言，将复杂的问题讲得明明白白。让我印象深刻的是，它还提供了一些非常实用的观剧建议，比如如何选择合适的座位、如何理解剧场礼仪、甚至是如何在演出后与人交流观后感。这些细节都让我觉得，这本书不仅仅是为了让你“了解”，更是为了让你“享受”。它让我对每一次走进剧场的经历都充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我最初是被它的颜值吸引的。封面设计非常简约大气，色彩搭配也恰到好处，拿在手里就有一种高级感。但当真正翻开书页，我才发现，这不仅仅是一本“好看”的书，更是一本“有内涵”的书。它就像一位彬彬有君子的智者，用最温和、最理性、最深刻的方式，与你分享他对舞台艺术的理解。让我特别着迷的是，它在讲解一些表演技巧时，并没有使用过于专业的术语，而是用非常形象的比喻和类比，将抽象的概念具体化，让我这个非科班出身的读者也能够轻松理解。比如，在介绍演员如何通过声音来塑造角色时，它会将其比作雕塑家手中的刻刀，一点一点地打磨出人物的灵魂。这种解读方式，让我对演员的表演有了全新的认识，也让我更加敬佩那些能够将声音运用到极致的艺术家。书中的文字流畅而富有感染力，虽然是介绍艺术，但读起来却一点都不枯燥，反而充满了智慧的光芒。它让我开始思考，除了剧情和视觉效果，我们还能从一场演出中获得些什么？它教会我如何去倾听舞台上的每一个声音，如何去感受那些微妙的情感流动，如何去与表演者进行一场无声的对话。这本书就像是一场心灵的洗礼，让我对艺术的理解上升到了一个新的高度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，简直就是为我量身定做的！我一直对舞台艺术有着浓厚的兴趣，但总感觉自己缺乏系统性的知识，每次看完演出，总是带着一种“好像看懂了，又好像没看懂”的模糊感。这套书彻底改变了我的观影体验。它就像一本随身的“通关秘籍”，让我能够更自信、更深入地去理解和欣赏舞台上的每一个细节。让我印象最深刻的是，它在介绍不同类型的演出时，都能够精准地抓住核心要点，并且用非常生动、形象的语言进行描述。比如，在讲到歌剧时，它不仅仅会介绍剧情和音乐，还会深入到声乐技巧、咏叹调的表达方式，甚至是舞台美术和服装设计是如何烘托整个歌剧的氛围。读的时候，我脑海里会不断地浮现出自己曾经看过的歌剧片段，豁然开朗的感觉油然而生。而当它谈到话剧时，它又会聚焦于剧本的精妙、演员的台词功底、以及导演如何通过肢体语言和舞台空间来塑造人物和推动情节。这本书最棒的地方在于，它不会让你觉得自己在“学习”，而是在“享受”。它用一种非常轻松愉悦的方式，将复杂的艺术知识融入到生动的故事和案例中，让我不知不觉地就吸收了很多东西。它就像一位贴心的朋友，在你需要的时候，为你提供最专业的解读和最有用的建议。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我收到这本书的时候，心头涌起的是一种久违的、想要深入了解某些事物的冲动。它就像是一扇窗，透过它，我看到了一个我一直模糊感知，却从未真正触及的世界。书的整体风格是一种非常温和而有深度的引导，没有刻意的卖弄学识，也没有故弄玄虚的空洞理论。相反，它像一位经验丰富的向导，带着你一步步走进一个充满魅力的领域。我被书中对细节的关注所打动。它不会满足于泛泛而谈，而是会深入到每一次表演背后的“为什么”和“如何”。例如，在讲解某一幕经典戏剧时，它会仔细分析导演的调度、演员的微表情、甚至舞台灯光的变化是如何共同作用，营造出那种令人窒息的氛围。这种细致入微的解读，让我意识到，一场好的演出，其精妙之处往往隐藏在不易察觉的角落。书中的文字充满了人文关怀，它不仅仅是关于艺术本身，更是关于艺术与人、与社会、与时代的互动。它让我思考，为什么某些作品能够跨越时空，依然引起我们的共鸣？为什么某些表演能够触动我们内心最柔软的地方？这本书给我最大的启发在于，它教会我如何从一个被动的接受者，转变为一个主动的思考者和欣赏者。它鼓励我去发现自己的感受，去形成自己的判断，去享受在这个艺术世界里探索的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，我最直观的感受就是它的“精致”。从封面设计到内页排版，都透露着一种对细节的极致追求。触感细腻的纸张，恰到好处的留白，以及精心挑选的插图，都让翻阅的过程成为一种享受。但这本书真正的魅力，远不止于此。它就像一位博学多才的旅伴，带着我踏上了一段探索舞台艺术的奇妙旅程。我特别喜欢它在介绍不同舞蹈流派时，那种深入骨髓的讲解。它不仅仅会告诉你“这是什么”，更会告诉你“它为什么会是这样”。它会追溯到舞蹈的起源，分析其历史演变，探讨其文化根源，甚至还会深入到舞者的身体语言和情感表达。读到关于现代舞的部分，我被那种挑战传统、突破界限的精神深深吸引。而当它谈到古典芭蕾时，那种严谨的技巧和优雅的姿态，也让我赞叹不已。这本书最打动我的地方在于，它不仅仅是知识的传递，更是一种情感的共鸣。它通过生动的案例、感人的故事，将艺术的魅力展现在我面前，让我不仅仅是“知道”了，更是“感受”到了。它就像一扇窗，让我看到了舞台上那些令人惊叹的瞬间，也让我看到了舞者们为了艺术所付出的艰辛和汗水。