这就是爵士乐：温顿・马沙利斯的音乐与人生自述 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

原文作者： Wynton Marsalis, Geoffrey Ward

图书标签:

• 爵士乐
• 温顿·马沙利斯
• 音乐家
• 自传
• 音乐史
• 美国音乐
• 文化
• 艺术
• 人物传记
• 音乐教育

　　
　　什么是爵士乐的美学？大多数活动都会一套方法带领观众入门享受眼前的一切，运动比赛有赛评、歌剧有实用的乐曲解说或字幕、博物馆有语音导览。但爵士乐的描述往往很模煳，甚至对音乐家也充斥着「把你的感觉演奏出来」「继续听，总有一天你会了解」「如果你还需要问，你永远不会知道」等玄奥的建议，你听了还是不懂，徒然觉得自己很不入流。
　　
　　有太多人认为当今的爵士乐只为鑑赏家而演奏，对一般人而言过于艰涩，没有可以辨认的根基或目的。当代最具影响力的爵士音乐家温顿‧马沙利斯却认为这些都彻底错了。为了揭开这层迷雾，帮助一般人学习聆听爵士乐，理解音乐的弦外之音如何改变一个人的生命，他在这本书中传递自己多年来从音乐中学到的一切。
　　
　　温顿出生于一九六〇年代的纽奥良近郊，父亲艾利斯及三位兄弟均为杰出的爵士乐手，本人更一手带动美国爵士乐的复兴风潮，挽救了垂死的爵士乐，而这一都源于他年幼时看着父亲与一帮爵士乐手演奏无人理解的咆勃乐而不改其乐，虽贫困却能获得邻人的敬重，因此懵懂地认识到，这门音乐必然有着深刻的价值。
　　
　　在成长历程中，温顿面对种族隔离下黑人的艰困处境，却也在爵士乐中找到了自我认同的力量，以及族群融合的可能：精彩的爵士乐演出仰赖乐手互相聆听、理解彼此的演奏并携手合作，既要表现个人特色，也要给他人发挥的空间。因此，爵士乐手往往不分种族彼此敬重，融洽相处。在这层认知下，他发现了理解爵士乐的全新观点，那就是，这门音乐的一切都与人际互动有关。
　　
　　透过温顿的观点来认识爵士乐，读者将了解音乐家如何演绎蓝调的核心，如何与团员共同维系摇摆的感受。本书以浅显的方式说明切分节奏、唿应、短歇、齐奏段落等音乐术语，也带领你认识迪吉‧葛拉斯彼、比莉‧哈乐黛、迈尔士‧戴维斯、欧涅‧柯曼、约翰‧柯川等伟大音乐家的独特个性与乐风。温顿生动地描绘出爵士乐手在演奏中的互动，以及个人表现与自我牺牲在爵士乐中的创造张力。这张力不但是摇摆的核心，也是音乐与人生的核心。
　　
　　借由本书，我们也将看到音乐背后蕴含的想法如何改变听者的生命，并从乐手身上学到如何在正当表现自我和为所欲为之间找到平衡，领悟在为共同目标努力时，你有责任尊重他人。最终，我们将发现温顿透过童蒙之眼从父执辈乐手身上所看到的，美国伟大的音乐的核心价值与精神。
　　
　　【爵士人生体悟】
　　
　　关于摇摆
　　演奏摇摆乐有三个必要条件，包括高度的协调，因为摇摆就像是和踏着即兴舞步的人共舞。此外还需要决策者的智慧，对你个人有利的决定，不一定对整个团队或当下的情况是有利的。最后，演奏摇摆乐需要抱持正面心态，你得相信其他乐手跟你一样希望做出好音乐，而不会受自我中心的心态所蒙蔽，或者被尚未察觉的音乐缺陷所误导。
　　
　　关于蓝调
　　蓝调也像疫苗：一种安全剂量的悲伤，帮助你将来面对无可掌控的悲痛。就像以前蓄奴时代，有些父母会虐待孩子，那是为了让孩子准备好面对接下来的一切。在军中也是，老兵欺负菜鸟，让他们在战争时不会期待自己能够得到怜悯。
　　
　　关于即兴
　　即兴，也就是凭空编造事物以脱离困境，几乎所有人都需要这样的能力，即使只是及时想出得宜的应对话语。
　　
　　舞台上的时间流动
　　当你站在舞台上，时间分为三种：实际时间（不停流逝、平凡无奇的每分每秒)、你的时间（你感受到的时间流逝）、摇摆时间(你调整自身时间感，将实际时间转变成与众人共享的共同时间）。实际时间是恆定的，你的时间来自主观感知，摇摆时间则是团体合作的成果。每个演奏爵士音乐的人都在试图创造出一种有别于实际时间，更具弹性的时间感。
　　
本书特色
　　
　　对我来说，这本书让我想起了爵士乐原本的模样。大多数人习惯听到的爵士乐，是一张张精心雕琢的完美录音，是一场场大师乐手比拼技艺与热情，又能合作无间的神蹟展演。但温顿•马沙利斯用他的阅历、经验（包括在台上被前辈洗脸的经验）提醒我们，每场爵士乐演出都是在无数个当下发生的事件，每个乐句都是乐手在时间压力下倾吐的真实情感与思绪。因此爵士乐演出不见得都是完美的，也许在节奏上有瑕疵，或者乐手在独奏中流露出不安和犹疑，然而这些真实性都是这种人类活动之所以吸引人的原因。
　　
　　读过这本书，我们将能注意到乐手们在演奏中的互动与交流，也会懂得观察乐手的性格与其乐音如何相似，这些都是让音乐在我们耳中与心中开展出更多层次与细节的关键。读这本书会让我渴望聆听更多爵士乐现场演奏，而且不见得要是国际级大师乐手或乐团的演奏；因为作者让我了解到，聆听与我生活在同个城市，共同享有更多生命经验的乐团或乐手演奏，反而能让我获得更多共鸣，接收到更多乐音中的细腻情感。让爵士乐由鑑赏目标恢复为感受的对象，是我最推荐这本书的原因。
　　
名人推荐
　　
　　★「温顿・马沙利斯从二十出头开始便成为音乐的灯塔。在《这就是爵士乐》中，他仍持续地激励、提升、教育我们。」——大提琴家／马友友
　　
　　★「温顿・马沙利斯对爵士乐的最大贡献是让这种音乐在主流与创新之间保持弹性。在马沙利斯笔下，爵士乐是艺术，是文化与历史，更是一种人生态度。」——台大翻译硕士学程兼任助理教授／陈荣彬
　　
　　★「他带给这世界的不单单只有爵士小号的演奏技巧与风格，他更带给了音乐人更多的想法与影响世界的可能性。」——东华大学音乐系助理教授／魏广皓
　　
　　★乐评人／沈鸿元、NEWS98电台《爵士Taxi》主持人／程港辉——好评推荐（按姓氏笔画排序）
　　
　　★「痛快淋漓的阅读。深入、博学，将主题探索至极致。本书除了驳斥平庸、千篇一律的批评，更能丰富音乐学养。」——诺贝尔文学奖得主／汤妮‧莫里森
　　
　　★「每家书店、音乐行，国内的每所学校，都应该放这本书。」——爵士巨星／东尼班奈特
　　
　　★「对温顿・马沙利斯而言，爵士乐完全不亚于探求智慧。他的思考就跟他的摇摆一般优雅且充满力量。当他思索即兴演奏时，他思索的是自由。当他思索和声理论时，他思索的是多元性、冲突与平和。当他思索蓝调的意义时，他思索的是哀伤及克制哀伤（要快乐，但不流于盲目）。他的小号演奏带有哲学性，他的着作也是如此。这个男人拥有罕见的深情，而这本书正是他探究真理所发出的明亮之声。」——《新共和》杂志
　　
　　★「温顿‧马沙利斯绝对是写作这本书的不二人选。他就是这样的人，如早晨般年轻、如露水般清新，却已成为人们口中的爵士巨掔。他不只是先知，也不只是音乐家的典范，更是诗人。他告诉我们，音乐家创造爵士乐的目的，是揭露种族主义及美国种种无知的虚伪与荒谬。诗也是基于相同的目的而写。」——美国诗人作家／马娅‧安杰卢

穿越时空的音符：爵士乐的演变与流派探索 书名： 《音律的脉动：从新奥尔良到现代爵士的百年回响》 内容简介： 本书旨在为读者构建一幅宏大而精微的爵士乐发展全景图。我们不再聚焦于某一位特定的音乐家，而是将视角投向爵士乐这门艺术形式本身，探究其根源、演变轨迹、核心美学以及在全球范围内的传播与融合。这不是一本传记式的叙事，而是一部深入剖析音乐结构、社会背景与文化思潮的智识之旅。 第一部分：泥土中的萌芽——爵士乐的起源与早期形态（约1890-1920） 本章将从地理学的角度切入，详细描绘新奥尔良——这片文化熔炉——如何孕育出爵士乐的雏形。我们不会泛泛而谈“多元文化影响”，而是会细致解析非洲节奏传统、欧洲和声体系、美国南方军乐队音乐以及悲歌（Spirituals）和工作歌（Work Songs）中蕴含的音乐基因。 1. 根源的土壤：蓝调与拉格泰姆的结构解析 我们将对比分析蓝调（Blues）的十二小节结构与和声进行，探讨其情感表达的深度如何成为爵士乐即兴的基石。随后，深入研究拉格泰姆（Ragtime）中高度装饰性的切分节奏，理解它如何为早期的迪克西兰（Dixieland）乐团提供了框架。我们会使用乐谱示例来剖析斯科特·乔普林（Scott Joplin）作品中的结构张力。 2. 早期乐团的配置与功能 重点介绍新奥尔良早期乐团的编制——小号（或短号）、单簧管、长号（“三声部”或“三线”）与节奏组（大号/贝斯、鼓、班卓琴/吉他）。分析这些乐器在集体即兴（Collective Improvisation）中各自承担的角色与对话模式。例如，长号如何通过滑音来填充和声的低音支撑，而单簧管如何负责高音区的旋律装饰。 第二部分：咆哮的年代与流派的首次分化（约1920-1940） 随着爵士乐从新奥尔良向芝加哥、纽约扩散，音乐的复杂性开始提升，个体演奏家的重要性也随之凸显。 1. 芝加哥风格与“独奏”的诞生 探讨路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）的早期录音如何彻底颠覆了集体即兴的传统。我们关注他如何将音乐的焦点从集体纹理转移到清晰、连贯且充满技术挑战的个人独奏之上。本节将深入分析“摇摆”（Swing）概念在早期爵士中的体现，以及它如何区别于拉格泰姆的机械节奏。 2. 大乐队时代的辉煌：摇摆乐的结构与商业化 详细剖析摇摆乐（Swing Era）时期的大乐队配置（通常是12到18人）。分析巴尼·巴格利（Count Basie）和杜克·艾灵顿（Duke Ellington）等领军人物的编曲哲学。艾灵顿的“异域色彩”编曲（如对音色的探索），与巴西对“律动驱动”（Riff-based）模式的精简运用，将作为核心对比点。我们将探讨“喊叫-应答”（Call and Response）在摇摆乐中如何被精致化为复杂的“段落对位”。 第三部分：革命的火花——从波普到冷爵士的现代主义转向（约1940-1960） 爵士乐在二战后经历了一次重大的美学断裂，走向了更具智识性和技术性的方向。 1. 波普（Bebop）的诞生：速度、和声与即兴的理论革命 本章侧重于分析查理·帕克（Charlie Parker）和迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）如何解构了摇摆乐的旋律框架。重点分析他们如何运用高音区（Upper-register）的音符、复杂的和声替代（Chord Substitutions）以及更快的演奏速度。我们将探讨波普音乐对听众的挑战性，以及它如何从舞曲音乐转变为“音乐家之音乐”。 2. 风格的细分与调性的探索 深入对比波普的直接继承者——酷爵士（Cool Jazz）与硬波普（Hard Bop）。酷爵士如何通过降低速度、柔化音色（如迈尔斯·戴维斯早期的作品）来追求一种内省的、西海岸的审美；而硬波普则如何回归蓝调和福音音乐的根源，注入更强烈的节奏驱动力和情感张力。 3. 调式爵士（Modal Jazz）的出现 分析《Kind of Blue》等里程碑作品如何标志着对传统和弦进行依赖的突破。阐释调式爵士的核心概念：演奏者不再需要不断地在和弦之间转换，而是围绕一个或少数几个调式进行长时间的即兴发挥，从而解放了旋律的自由度。 第四部分：边缘的探索与回归——自由爵士与融合的浪潮（约1960至今） 爵士乐的后现代阶段充满了不断的实验、抗议与跨界融合。 1. 自由爵士（Free Jazz）：打破一切边界的尝试 探讨奥奈特·科尔曼（Ornette Coleman）和约翰·科尔特兰（John Coltrane）后期作品中“自由”的真正含义。这不仅仅是速度或音符的选择，更是对既有音乐结构、时长甚至乐器使用习惯的颠覆。分析其在民权运动背景下的社会意义。 2. 爵士放克与融合（Fusion）的冲击 审视电子乐器（电吉他、合成器）和摇滚乐节奏（如放克、拉丁节奏）如何被引入爵士乐。分析麦尔斯·戴维斯转向电声乐器后，如何催生了融合爵士的巨大商业成功。我们不仅关注音乐上的融合，也分析这种融合如何反映了西方流行音乐工业在七十年代的整体转向。 3. 当代爵士的面貌：多元主义与全球化 本书的最后部分将展望当代爵士乐的图景。探讨后现代主义对爵士乐的影响，例如对采样（Sampling）的使用，以及新一代音乐家如何在全球化的背景下，将欧洲古典、世界民族音乐元素融入到他们的创作中，使得爵士乐成为一个持续进化的、没有固定疆界的音乐语言。 结语： 《音律的脉动》力求揭示爵士乐作为一种“进行中的艺术”的本质。它是一门关于对话、关于即兴反应、关于在结构内寻求无限可能性的学科。通过对这些流派、技术和背景的细致梳理，读者将能更深刻地理解爵士乐如何不仅是一种音乐，更是一种思考方式。

作者简介    

温顿‧马沙利斯Wynton Marsalis

　　小号演奏家、作曲家，纽约市林肯中心爵士乐团艺术总监。嫺熟古典乐、纽奥良爵士乐乃至咆勃乐、现代爵士乐等各种爵士音乐风格。获九座葛莱美奖，包括爵士乐及古典乐的最佳独奏与最佳专辑等多种项目，也是唯一获得普立兹音乐奖的爵士音乐家。

　　他出身纽奥良，父亲是爵士钢琴家，从小便耳濡目染爵士乐传统与爵士乐手的重要人格特质。八岁起与兄长布蓝佛一同学习爵士乐，就读高中期间加入纽奥良当地多支爵士乐团与放克乐团。十八岁时搬至纽约市就读茱莉亚音乐学院，隔年加入由亚特•布雷基带领的爵士信差乐队，出色的表现为当时疲弱的爵士音乐市场振衰起敝。二十岁成立自己的乐团，并于1983-1987的五年间发行多张葛莱美奖获奖专辑。1987年与林肯中心合作举办爵士乐节目，并于1996年起掌理林肯中心新成立的爵士乐部门。

　　他也透过大众媒体推广音乐教育，制作的电视节目《马沙利斯谈音乐》（Marsalis On Music）、广播节目《制作音乐》（Making the Music）均获得美国广播电视界最高荣誉「皮博迪奖」（George Foster Peabody Award）。

　　他拥有纽约大学、哥伦比亚大学、普林斯顿大学和耶鲁大学等多所大学的荣誉学位，2011年应哈佛大学校长德鲁•福斯特（Drew Faust）之邀举办为期三年的系列讲座，自2015年起于康乃尔大学执教。

杰佛瑞‧沃德Geoffrey Ward

　　杰佛瑞•沃德是历史学家、编剧及畅销书作者，其着作包括《战争：详细的历史，1941-1945》（The War: An Intimate History, 1941-1945）、《爵士乐：美国音乐史》（Jazz: A History of America's Music）以及国家书评奖得奖着作《一流的性情：富兰克林・罗斯福的崛起》（A First-Class Temperament: The Emergence of Franklin Roosevelt）等等。

译者简介

Chris

　　纽约市里不上不下的爵士吉他手。开心的时候音乐是液态，环绕、渗透他存在的一切，直到他发现自己没有鳃这件事。但他依旧是爱这东西的，不然这自残未免太缺乏幽默感。

　　想在这里向许多像朋友亲人，以及像亲人的朋友／老师，表达感谢。（谢谢你们在我生命里所提供的，超出理性的耐心，和爱。）
 

前言   ▎这就是爵士乐
第一章 ▎发现摇摆的喜悦
第二章 ▎说爵士的语言
第三章 ▎所有人的音乐：蓝调
第四章 ▎演奏的要件与感受
第五章 ▎伟大的融合
第六章 ▎大师的教诲
第七章 ▎无名之物

 

前言    
　　
　　一九七〇年代初，民权运动刚萌芽，詹姆士‧布朗、马文‧盖伊和史提夫‧汪达称霸美国黑人流行音乐，人们顶着二十公分的爆炸头，穿着聚酯纤维休闲西装，空气里依旧能嗅到革命的味道。对任何时髦人士来说，狄西兰爵士乐只会让人想起汤姆叔叔之类的迂腐故事，这种音乐充满奴性,只是为了讨好观光客而存在。光是听到狄西兰这个字就令人生厌。因此，当父亲要带我和哥哥布蓝佛去参加丹尼‧百克（他是班卓琴和吉他界的传奇人物）所主持的儿童乐团时，我们只能想像到卡通配乐,或是某种老派的媚俗音乐.谁还知道什么是班卓琴？那大概是弗雷德里克‧道格拉斯（译注：FrederickDouglass，19世纪的黑人民权运动者。）在听的东西吧？天啊！我们竟得放弃星期六的玩乐时间，回到奴隶制度的年代。真是太棒了！
　　
　　丹尼‧百克其实曾经和一堆大人物一起演奏，包括路易‧阿姆斯壮、,席尼‧贝雪、詹姆斯‧约翰逊以及凯伯•凯洛威等等，但当时我们完全不认识这些名字。我们那时候住在路易西安那州的肯纳市。布蓝佛九岁，我八岁。父亲开车载着我们从家里到百克先生在纽奥良市为费尔维尤浸信教会铜管乐队主持排练的空地，大约要花半个小时。
　　
　　在那里我们见到一位老先生，我猜就是百克先生。他是个有趣的人物，充满了热情以及故事。他热爱纽奥良的音乐,也喜欢孩子。那天，他让我学到了关于演奏爵士乐，最深刻的一课，也让我学到了如何表达自我，以及彼此尊重。
　　
　　他从鼓开始：「低音鼓和钹是一切的基础。一小节四拍。一、二、三、四。低音鼓在一、三拍，钹在二、四拍。两者就像在应答彼此。当低音鼓说『咚』，钹就回应『戚』。」
　　
　　1234
　　
　　咚、戚、咚、戚
　　
　　1234
　　
　　咚、戚、叭咚、咚
　　
　　戚
　　
　　「现在，第四拍出现第二次时，钹和低音鼓达成一致了！当你同时敲打两者时，这，就是爵士乐！」
　　
　　他解释道：「听着，你得在你的演奏中创造律动,跨过一些重拍,像在跳舞一样。」
　　
　　接着他走向低音号手。「轮到你了，低音号，你演奏的是最巨大的乐器。除了吹出巨大的音,也得记得留白。如同其他庞然巨物一样，动作是缓慢的。」他哼了一段低音号的旋律，然后说：「你和低音鼔联系在一起，都是在最低的声部,所以你们一定要互动。你们就像地板，是节奏的地基。」
　　
　　低音号手开始吹奏，百克先生说：「你得带着情绪吹奏。当你带着情绪，就能够在低音中创造律动。」于是低音号也开始吹出有律动的乐音。接着低音号手和鼓手开始互动。百克先生说：「你们得同步演奏,在同步之余带点变化！」他们制造了些低沉、混浊的噪音之后，百克先生说：「好的！这就是爵士乐。」
　　
　　然后他转向伸缩号手：「你拥有什么其他乐手所没有的？」
　　
　　「滑管。」男孩回答。
　　
　　「没错！你要记得，在爵士乐里，永远要强调你独有的特色。以做自己为荣。你吹奏的是低音域的乐器，吹得越低，节奏就会被拉得越慢。所以我要你这样吹奏。」他跟着谱唱了起来。「但有时候你也得来个『呜哇哇哇哇噗』，我要你把音拉高、拉破！」低音号、伸缩号和鼓开始合奏，听起来糟透了。但百克先生还是宣称：「这，就是爵士乐！」
　　
　　然后他开始对小号手喊话：「小号是领导的乐器。你们得展现出力量，负责吹奏主要旋律。」他教了我们《小伊莱莎‧珍》（Li’LLizaJane）的旋律。我们开始演奏。在我们重挫这首曲子的旋律之后，他说：「给旋律一点个性。摇晃它！给自己一点空间自由发挥。把旋律和节奏融合在一起，你也得随之律动。」百克先生会自己先哼唱一次，再要求我们演奏。于是我们全团一起演奏了那首曲子，但听起来只是一团混乱。是啊，听起来烂透了，但也听得出来，这一切终究会变成某有趣的东西。
　　
　　接着他走向单簧管手，说：「好的，你们有好多按键可运用，你们可以吹得快、吹得高，甚至比小号手还高。你们可以吹出快速跳跃的音或颤音等等，这些音让你们和小号手有所区别。我要你们偶尔运用这些技巧，吹奏和小号相同的旋律，但拉高八度。」他也哼了单簧管手应该吹奏的旋律,，单簧管手们接着挤出吱吱喳喳的声响。百克先生听了后说：「你们所吹奏的一切，都应该要表现出你们的个性。现在试着让乐音变得圆滑、有弹性。」乐手们试着照做。
　　
　　百克先生说：「这就是爵士乐！现在单簧管手和小号手一起吹旋律，但你们合奏时,必须像在对话一般！单簧管手要在小号手留白时说些东西，而小号手，记得要留白。」于是我们开始合奏，单簧管手吹着高八度的旋律，加入一些快速的乐句，但依旧发出吱吱喳喳的杂音。很糟。但百克先生说：「现在我们试着演奏这首曲子，《小伊莱莎‧珍》。」我们照做了，那可能是你这辈子听过最脱节、吵杂的东西。
　　
　　他兴奋地宣布：「各位，这，就是爵士乐！」
　　
　　如果你观察当今的纽奥良爵士乐圈，很多最优秀的音乐家——卢西恩‧巴尔别林（伸缩号）、夏农‧鲍威尔（鼓）、麦克‧怀特（单簧管）、葛雷格‧史塔福（短号）、贺林‧莱里(当时是小号手，现在是鼓手)都待过丹尼‧百克所主持的费尔维尤浸信教会铜管乐队。或许他当时从我们身上听到了特别的东西。他同时也教导我们这观念：你拥有创造力，无论你的身份是什么。尊重自己的创造力，同时也尊重他人的创造力和发挥空间
　　
　　那是我最早学到关于爵士乐的人生课题之一。我们听过太多人如此描述当今的爵士乐：只为鑑赏家而演奏，对一般人而言太过艰涩；没有可辨认的根基或目的；最好的爵士乐只在烟雾弥漫的无人夜总会里演奏，已成过去；爵士乐已经躺在礼仪师的桌上,离下葬只有一步之遥。
　　
　　过去三十年，我竭尽所能地证明那些都是极度错误的刻板印象。在这本书里，我希望传达美国最伟大音乐中的正面讯息：伟大的音乐家在舞台上给予彼此尊重和信任，而这能够改变你的世界观、全面充实你的生命，从个人的创造力、人际关系到成就事业的方式，甚至能够协助你理解身为世界公民的现代意义。
　　
　　参与任何新的活动，通常需要老鸟带你入门，教导你基本的知识，进而帮助你了解、享受正在发生的一切。体育活动有赛评来解释局势，歌剧有实用的演出曲目简介或字幕，博物馆则有语音导览。但爵士乐的叙述通常很模煳，甚至对音乐家而言也是如此：「跟着你的感觉演奏的」、「继续听，有一天你会了解的⋯⋯总有一天」，或是像「如果你需要问，你永远不会知道」这类奥祕的建议，这不是要帮助你理解，而是要让你觉得自己不入流。也因此，爵士乐的美学在大众眼中依旧显得神祕难解，即使从阿姆斯壮、塞隆尼斯•孟克到马库斯•罗伯兹这些爵士乐史上最伟大的音乐家，都有着相同的艺术目的。我们在下文中会解释摇摆、蓝调、用切分音演奏各式音乐、创造新的音乐形式、互动的即兴演奏、展现自家绝技，而这一切都是为了以爵士乐的语言解释当代的生活。
　　
　　我希望能够揭开这层迷雾,不光让你了解如何聆听爵士乐，也让你理解音乐背后的弦外之音如何改变你的生命。我也希望能够帮助你认识一些伟大音乐家的独特个性以及风格，包括：迪吉．葛拉斯彼、比莉．哈乐黛、迈尔士．戴维斯、欧涅．柯曼、查利．帕克、杰利．罗尔．莫顿、约翰．路易斯等等。
　　
　　我会让你瞥见音乐家演奏时的思绪，向你展现蓝调的核心，并解释爵士乐的即兴演奏如何与其他音乐类型的即兴演奏不同，以及那种在表现个人创造力和自我牺牲之间的拉扯，这张力不但是摇摆的核心，也是音乐与人生的驱动力。
　　
　　我希望能够以本书传递自己多年来从音乐中学到的,也希望这些关于艺术和人生的重要课程能够帮助你找到（或维持）个体和团体间的平衡，以及如何在为共同目标努力时，尊重他人及自己。这也正是丹尼．百克教导我们的：在自我以及他人的独特性里找到乐趣。希望借着音乐，你也能够做到这件事。
　　

【演奏的要件与感受】
 
爵士乐教导我们同理，教我们跟别人共同创造并酝酿某种感受，同时也鼓励我们找寻自己的独特风格。这种音乐能够兼容无数种演奏方式，供不同的乐手寻找并表达自我，没有任何规则是适用于每一个人的。
 
在成长过程中，我发现被社会视为异类的各种边缘人都能在爵士乐圈子里找到欢迎的双臂。这圈子为各式各样的人保有一方空间，如果你有演奏天分，获得的空间自然又会大一些。最让我着迷的是，每个人都有自己一套学习即兴演奏的方法。有的人能够掌握绝对音准，也有人凭直觉就能够找到合宜的音调。也有些人用科学方法分析歌曲的和弦组合，然后套入对应的音阶。有些人缺乏华丽的技巧，却能用浑厚音色配上蓝调音阶来阐诉非常深刻的感情。他们的声音是非常个人的。
 
某乐手或许不擅长辨认和声，旋律感却非常好。也有人仰赖优越的节奏感来弥补匮乏的旋律，靠着有限的音乐词汇搭配多变的节奏组合来应付即兴独奏。每个人各有长处和短处，也都了解没有人是完美的，因此你最好能欣赏别人所能演奏的、容忍别人所不能演奏的。
 
但偶尔还是会出现天生好手，彷彿不需下任何苦工，生来就是为了演奏这种音乐。在爵士乐里，所谓的「演奏天分」也包括向众人倾吐的欲望。这种表演欲在孩子身上并不容易见到。要找到具音乐天分的孩子不难，但他们多半还没有信心和魄力对这世界说：「这就是我的音乐，不喜欢你可以离场。」
 
在纽奥良的音乐传奇里，席尼．贝雪是少数特例。他从小就了解自己的天赋，九岁就和成人一起表演，十四岁就有自己的乐团。他不曾学习读谱（他过耳不忘，何必学？），却能看出人生的诗意。我从老一辈的法国朋友口中听过他的故事。他晚年在法国被封为偶像，还极具女人缘。从他的照片中，我看不出原因，他的外貌并不是非常有魅力。但读了他的自传《温柔以对》（Treat It Gentle）之后，一切就明朗了。他非常会说故事，对人生有一种很玄的理解。他写道：
 
「有些人以为你得吸一堆大麻才能创作。」

「以为你的生活离不开女人和酒⋯⋯酗任何能把你醉倒的东西，酒精或性，或是药物。当然，你可以这么做，也有很多人以为你必须这么做。」

「但你创作的真正理由，是一股无法压抑的驱力⋯⋯你无法不创作。」

「但，灵感又是另一回事。」

评分☆☆☆☆☆

我之所以对这本书产生浓厚的兴趣，主要是因为“爵士乐”这个关键词，以及“温顿·马沙利斯”这个名字所代表的意义。爵士乐，在我看来，是一种充满生命力的音乐，它不像古典音乐那样严谨，也不像流行音乐那样容易被定义。它更像是一种即兴的对话，一种情感的宣泄，一种在复杂生活中寻找出口的方式。温顿·马沙利斯，作为当今世界最杰出的爵士音乐家之一，他的音乐早已超越了国界和语言，触动了无数人的心灵。这本书如果是一本关于他音乐与人生的自述，那么我期待的不仅仅是音乐技巧的讲解，更想了解他作为一个人，是如何走到今天这一步的。他的童年经历，他的音乐启蒙，他如何理解并传承爵士乐的精神，他在面对音乐行业挑战时的思考，这些都将是我关注的重点。我希望这本书能够提供一个独特的视角，让我看到爵士乐背后更深层次的文化意义，以及一位艺术家如何用自己的生命来书写音乐传奇。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就深深吸引了我。那是一种复古而又充满活力的色调，似乎能闻到老式唱片的尘埃气息，又仿佛能听到萨克斯风吹出的悠扬旋律。书名“这就是爵士乐”本身就带着一种自信与直接，让人立刻对内容充满了好奇。我脑海中浮现出各种关于爵士乐的画面：黑白电影里昏暗的爵士俱乐部，烟雾缭绕，萨克斯手闭着眼睛投入地演奏，台下观众随着音乐轻轻摇摆。或者是在夏夜的露天音乐节，星光下，鼓点与贝斯交织，一曲终了，掌声雷动。我想，这本书一定能带我深入了解这种充满即兴、情感与灵魂的音乐形式。从书名来看，它不仅仅是关于音乐的介绍，还包含了“温顿·马沙利斯”的人生自述，这让我更加期待。一个音乐家的成长历程，他的音乐思想如何形成，他对爵士乐的理解是否有着独特的视角，这些都是我非常感兴趣的。我希望这本书能为我打开一扇了解爵士乐世界的新窗口，让我不仅能听到动人的旋律，更能感受到其中蕴含的文化底蕴和个人奋斗的痕迹。

评分☆☆☆☆☆

《这就是爵士乐：温顿·马沙利斯的音乐与人生自述》这个书名，像是一声邀请，将我从日常的喧嚣中拉扯出来，引向一个充满魅力的音乐世界。爵士乐，对我而言，总是带着一种慵懒而又自由的气息，它仿佛是夜晚霓虹灯下，某个昏暗角落里低语的秘密，又或是阳光洒落的咖啡馆里，悠闲午后的背景音。温顿·马沙利斯，这个名字本身就自带一种权威感和艺术家的光环，我对他的音乐有着深深的敬意。将他的音乐与人生自述结合，这让我看到了一个更加立体的他。我好奇的是，他眼中的爵士乐究竟是什么样的？是简单的音符组合，还是某种更深层的情感表达？他的成长经历，特别是那些与音乐紧密相连的片段，是如何塑造了他的音乐风格和人生观的？我期待这本书能够揭示爵士乐的内在逻辑，也能够展现一位艺术家在时代变迁中的思考与坚持，或许，它还能教会我如何用更开放的心态去感受生活中的一切。

评分☆☆☆☆☆

读到这本书的书名，我立刻被一种强烈的共鸣感所触动。爵士乐，对我而言，从来不仅仅是音乐，它更是一种生活态度，一种在混乱中寻找秩序，在规则中寻求自由的艺术。温顿·马沙利斯这个名字，在我心中一直与“杰出”、“传承”以及“不懈追求”这些词语联系在一起。他不仅仅是一位技艺精湛的音乐家，更是一位爵士乐的捍卫者和推广者，他用自己的生命在诠释着爵士乐的精髓。这本书，如果真的如书名所揭示的那样，是他的音乐与人生自述，那么这无疑是一次近距离接触一位传奇人物内心世界的绝佳机会。我设想着，在他的笔下，会描绘出怎样的音乐场景？那些曾经让他灵感迸发的瞬间，那些在舞台上与乐队成员默契配合的火花，那些为了一个音符反复打磨的执着，是否都会跃然纸上？更重要的是，他的人生哲学，他的成长经历，他如何克服困难，如何在音乐的道路上坚定前行，这些都将是我迫切想要了解的内容。我想，这本书可能会成为一本关于坚持、关于梦想、关于音乐力量的感人篇章。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书名，瞬间激起了我内心深处对爵士乐的向往。它不仅仅是一个简单的标题，更像是一扇通往另一个世界的门，一扇由旋律、节奏和情感构筑的门。温顿·马沙利斯，这个名字本身就蕴含着一种力量，一种对爵士乐的热爱与执着，一种在音乐领域不断探索和创新的精神。当得知这本书是他对自己音乐和人生的自述时，我的期待值更是直线飙升。我迫不及待地想知道，这位大师级的人物，是如何看待爵士乐的？他的音乐创作过程是怎样的？他的人生道路上又有哪些跌宕起伏的故事？我渴望通过这本书，去感受爵士乐的魅力，去理解它为什么能够跨越时空，触动人心。我想，这本书不仅仅是关于音乐理论的科普，更是一次灵魂的对话，一次与一位伟大艺术家心灵的交流。