中国雕塑史（第二版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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本书根据梁思成教授早年的讲课提纲编辑而成，是《中国建筑史》姊妹篇，为这位蜚声海内外的着名建筑学家另一重要遗着。「艺术之始，雕塑为先」，本书对五千年的中国雕塑艺术进行了中肯的评介、详细的分析、精湛的论述，将它们的特点、师承、传统、外来的影响、艺术上的造诣等方面一一作了阐述，由于作者酷爱这些作品，钻研甚深，因此笔带感情，写得相当深入和广阔。此外，本书还有配合文字的一百七十余幅珍贵图片，是一部内容丰富、值得细读的好书。

《世界艺术史纲：从史前到当代》 导言：理解视觉文化的脉络 艺术史并非仅仅是对过去美学杰作的罗列，而是一部人类心智、信仰、技术和社会结构变迁的视觉记录。本书旨在为读者提供一个宏大而精密的框架，梳理自史前洞穴壁画到数字时代装置艺术，贯穿全球不同文明的艺术演变轨迹。我们致力于展示艺术如何作为文化对话的媒介，反映和塑造了人类对自身、自然与神圣的认知。 本书的结构遵循时间与地域的逻辑，但其核心关注点在于“连接”——不同文化间的相互影响，以及艺术形式在面对技术变革和社会动荡时的适应与创新。我们不将艺术史视为西方中心论的线性进步，而是多中心、多路径的复杂网络。 第一部分：古代世界的奠基（公元前 35000 年 – 公元 400 年） 本部分深入探讨艺术在人类文明早期如何从纯粹的实用性向象征性和宗教性过渡。 史前与早期文明：符号的诞生 我们将从拉斯科（Lascaux）和阿尔塔米拉（Altamira）的洞穴壁画开始，分析早期人类对自然界和狩猎仪式的巫术性表达。随后，聚焦美索不达米亚（苏美尔、阿卡德、巴比伦、亚述）的城市化进程如何催生了纪念性建筑（如吉库拉塔）和权力象征的浮雕艺术，如《汉谟拉比法典》石碑。 古埃及：永恒与秩序的追求 古埃及艺术的核心在于对“永恒”（Neheh）的执着追求。我们将详细解析其高度程式化的雕塑、壁画和建筑（金字塔、神庙）中严格的透视法和象征色彩体系。阿玛尔那时期（Akhenaten 改革）的短暂写实主义插曲，被视为对既定艺术传统的反叛，极具研究价值。 爱琴海文明与古希腊：从神话到理性 米诺斯文明（克里特岛）的壁画展现了地中海的活力与自然主题。然而，古希腊艺术，尤其是古典时期的雕塑，标志着人类对理想化人体和几何精确性的探索。通过对菲狄亚斯（Phidias）、波留克列特斯（Polykleitos）“规范”（Canon）的研究，我们将探讨“人文主义”如何在视觉艺术中确立其主导地位。从严格的古风时期到希腊化时期的情感爆发，艺术与哲学思辨紧密相连。 古罗马：工程、权力与纪实 罗马人继承了希腊的艺术遗产，但更侧重于其实用性、政治宣传和纪实性。重点分析罗马公共建筑（万神殿、引水渠）中的工程技术，以及元首雕像（如奥古斯都的“五帝像”）如何服务于帝国意识形态的构建。提香和纪念柱上的连续叙事浮雕，是早期历史叙事艺术的典范。 第二部分：中世纪的信仰与精神景观（公元 400 年 – 1400 年） 本部分探讨在西欧“黑暗时代”和拜占庭帝国鼎盛时期，艺术如何完全服务于宗教教义，探索超越尘世的真理。 拜占庭的辉煌：圣像与马赛克 东罗马帝国将基督教信仰转化为一种高度风格化的、闪耀的视觉语言。查士丁尼大帝时期的圣索菲亚大教堂和拉文纳的马赛克作品，展示了对平面化、神圣光芒和等级秩序的极致追求。圣像画（Icon）的制作与崇拜，构成了一个完整的神学系统。 早期基督教与盎格鲁-撒克逊艺术：过渡与融合 在西罗马帝国崩溃后，艺术中心下移至修道院。凯尔特艺术（如《凯尔斯之书》）中复杂的结绳图案与日耳曼部落的金属工艺相结合，形成了独特的“盎格鲁-撒克逊”或“岛屿艺术”。 罗马式：朝圣的建筑与雕塑 十一至十二世纪，随着朝圣热潮的兴起，大型石头教堂成为主要艺术载体。罗马式建筑以其厚重的墙壁、半圆形拱券和雄伟的西山墙雕塑（如圣拉扎尔教堂的《最后的审判》）为特色，旨在向文盲信徒传达清晰、强烈的宗教教义。 哥特式：光线与垂直性的升华 从法兰西岛开始，哥特式风格引入了尖拱、肋拱和飞扶壁，使得建筑得以拔高至前所未有的高度，墙体被大量玻璃取代。圣但尼（Saint-Denis）的理想，在沙特尔大教堂的彩绘玻璃中达到顶峰，艺术成为“将光转化为神性的媒介”。晚期哥特式（如国际哥特风格）则开始回归对世俗优雅的关注。 第三部分：文艺复兴与巴洛克：人文主义的回归与情感的爆发（公元 1400 年 – 1750 年） 艺术的焦点重新转向人类自身及其在自然中的地位。 意大利文艺复兴：人与透视的发现 文艺复兴的本质是对古典精神的“再生”。早期（佛罗伦萨）：布鲁内莱斯基的线性透视法则、多纳泰罗对人体动态的重新探索、以及马萨乔对体积感的强调。盛期（罗马/威尼斯）：达·芬奇（科学观察与“晕染法”）、米开朗基罗（雕塑中的“不朽之力”）和拉斐尔（和谐与完美的典范）。威尼斯画派（提香、乔尔乔内）则侧重于色彩和光线的运用。 北方文艺复兴：细节与内省 在尼德兰，艺术发展出独特的现实主义路径。扬·凡·艾克（Jan van Eyck）对油画媒介的掌握，使得他对材质、光影和微观细节的描绘达到了前所未有的真实感。阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）则代表了北方艺术家对意大利人文主义理论的学习与融合。 巴洛克：戏剧性、动态与对立 十七世纪，随着反宗教改革的需要，巴洛克艺术诞生。它强调强烈的戏剧性、运动感和光影对比（明暗对照法）。卡拉瓦乔（Caravaggio）将世俗的、甚至粗粝的现实带入宗教场景；贝尼尼（Bernini）的雕塑（如《圣特蕾莎的狂喜》）达到了运动与情感的极致。在佛兰德斯，鲁本斯（Rubens）展现了丰沛的生命力和色彩。 古典主义的制衡与洛可可的轻盈 在路易十四的法国，古典主义（如普桑 Poussin）试图以秩序和理性对抗巴洛克的过度激情。而十八世纪的洛可可风格，则体现了贵族阶层的精致、享乐主义和对室内装饰的偏爱。 第四部分：启蒙、革命与现代性的开端（公元 1750 年 – 1900 年） 艺术成为社会批判、政治宣言和个人体验的工具。 新古典主义：道德的回归 在启蒙思想的驱动下，新古典主义（如大卫 Jacques-Louis David）是对巴洛克和洛可可“颓废”的反动，推崇古罗马和希腊的公民美德、简洁的线条和明确的叙事。 浪漫主义：情感、异域与崇高 浪漫主义是对启蒙理性主义的反叛。它颂扬个体情感、想象力、对大自然的敬畏（崇高感，如特纳 Turner 和弗里德里希 Caspar David Friedrich），以及对历史和异域风情的迷恋。 现实主义与自然主义：直面社会 库尔贝（Courbet）坚持“不画天使，除非我见过他们”，将艺术的目光投向普通劳动者和日常的未经美化的现实生活。艺术的“主题”不再局限于历史或神话。 印象主义：光影的瞬间捕捉 以莫奈（Monet）、雷诺阿（Renoir）为代表的印象派，聚焦于光线和色彩在特定时刻对物体表面的影响，将工作室转移到户外，标志着绘画媒介的根本性转变。 后印象主义与象征主义：结构与主观性 塞尚（Cézanne）开始将自然简化为圆柱、球体和圆锥，为立体主义奠基；梵高（Van Gogh）运用色彩表达强烈的主观情感；高更（Gauguin）则探索象征意义和非西方（他者）文化。 第五部分：二十世纪至今：多元、解构与全球视野 现代性不是一个风格，而是一个不断自我质疑、自我否定的过程。 现代主义的爆发：形式的解放 立体主义（毕加索/布拉克）彻底解构了文艺复兴以来建立的单点透视体系。野兽派（马蒂斯）解放了色彩的自主性。抽象艺术（康定斯基、蒙德里安）最终抛弃了对再现的依赖，追求纯粹的视觉语言。达达主义和超现实主义则利用荒谬和潜意识，挑战逻辑和艺术的传统定义。 二战后的格局：美国中心的崛起与战后艺术 抽象表现主义（波洛克、罗斯科）标志着艺术权力的转移。波普艺术（安迪·沃霍尔）与大众文化和商业图像进行对话，模糊了高雅艺术与低俗文化的界限。极简主义则回归到物体本身的物质性和空间性。 后现代与当代趋势：身份、装置与新媒体 后现代主义对现代主义的“宏大叙事”提出了质疑，艺术变得更加观念化、跨学科化。大地艺术、行为艺术、录像艺术的兴起，挑战了传统艺术品的物理形态。全球化背景下，艺术史的叙事愈发多元，对殖民遗产、性别政治和身份认同的探讨成为核心议题。 结语：持续的提问 本书的最后部分将反思在数字技术和全球互联的今天，艺术的定义、媒介的边界以及艺术史学家应如何记录和阐释一个不再有清晰中心点的视觉世界。它强调，艺术史是对人类创造力和精神追求的永恒见证。

作者简介

梁思成

　　（1901-1972），广东新会人。中国现代建筑学家、建筑史学家、建筑教育家。

评分☆☆☆☆☆

老實說，我拿到《中國雕塑史（第二版）》時，其實有點猶豫，想說雕塑史這種比較學術的東西，會不會讀起來很枯燥？結果完全出乎我的意料！這本書的敘事方式非常生動，作者就像一位說書人，把中國數千年的雕塑藝術發展史講得有聲有色。我尤其對書中關於佛教雕塑的論述印象深刻，它不只是介紹不同時期的佛像造型，更深入探討了佛教傳入中國後，如何與本土文化融合，進而產生獨特的藝術表現。例如，從犍陀羅藝術的影響，到雲岡石窟、龍門石窟的壯麗，再到藏傳佛教雕塑的特色，每一個篇章都讓我大開眼界。作者在分析時，經常會將雕塑作品與當時的歷史事件、社會風貌結合起來，讓我能更深刻地理解這些藝術品的意義。而且，書中還涉及了一些比較少為人知的雕塑類型，像是喪葬俑、動物雕塑等等，這些都讓我覺得中國雕塑的範疇比我想像中要廣闊得多。閱讀這本書的過程，就像是在進行一場跨越時空的藝術旅行。

评分☆☆☆☆☆

這本《中國雕塑史（第二版）》可說是我的案頭必備，尤其是在我近期因為一個小型的藝術品收藏計畫，開始深入研究東亞古典藝術時。我之前對中國雕塑的認識，大概還停留在課本上那些佛像和陵墓俑，但這本書的厚度和內容深度，立刻就讓我覺得，哇，這次可真的挖到寶了。它不只是條列式的介紹，更像是一個引導，帶領你穿越時空，從史前時期的陶塑，一路看到明清時期精緻的木雕和石雕。書中對每個時期雕塑的風格演變、技術手法、甚至背後所承載的宗教信仰、社會文化背景，都做了非常詳盡的闡述。我特別喜歡它對材質運用的分析，像是早期玉器雕琢的細膩，到唐代石窟藝術的宏偉，再到宋代民間藝術的生動，每一種材質似乎都訴說著時代的故事。書中的圖片數量非常豐富，而且印刷品質也很不錯，很多雕塑作品的細節都能看得非常清楚，這對於我們這些非專業但熱愛藝術的讀者來說，簡直是太貼心了。光是翻閱這些圖片，就已經是一場視覺饗宴了。

评分☆☆☆☆☆

我本身是位對台灣本土藝術史有濃厚興趣的讀者，但一直覺得對於中國大陸的藝術發展缺乏足夠的了解。這本《中國雕塑史（第二版）》恰好填補了我這方面的知識空白。它不僅僅是一本關於中國大陸雕塑的書，更像是一部宏大的中國藝術發展通史。我非常驚訝於書中對各個朝代雕塑藝術的深度挖掘，從石器時代的樸拙，到戰國秦漢的雄渾，再到南北朝的佛教藝術高峰，直到宋元明清的世俗化和多元發展，每一個時期都有其獨特的魅力。作者在闡述時，經常會將雕塑作品與當時的政治、經濟、文化、宗教等因素聯繫起來，讓我能從更廣闊的視野去理解這些藝術品的價值。書中的案例選取非常精準，很多都是極具代表性的作品，而且圖片質量很高，讓讀者能夠欣賞到許多平時難得一見的藝術珍品。這本書的出版，對於我理解整個中華藝術的發展脈絡，具有非凡的意義。

评分☆☆☆☆☆

我是一位對材質和工藝特別著迷的讀者，所以當我看到《中國雕塑史（第二版）》中對不同時期、不同材質雕塑技法的詳細介紹時，我簡直欣喜若狂。書中不僅列舉了各種石材、木材、金屬、陶瓷、玉石等材質的特性，還深入探討了古代工匠是如何運用這些材質，透過雕、刻、塑、鑄等不同工法，創造出令人驚嘆的藝術品。例如，書中對唐代長安地區銅器鑄造的介紹，讓我對當時工匠的高超技藝有了全新的認識。還有對宋代景德鎮青花瓷雕塑的描寫，那種細膩的筆觸和豐富的層次感，讓我忍不住想像當時匠人的巧手。我特別喜歡書中針對某些代表性作品進行的微觀分析，從刀痕的走向，到紋飾的佈局，都進行了細緻入微的解讀，讓我彷彿親臨工匠的工作坊，感受那份專注與熱情。這本書的工藝細節，對於我理解古代藝術的真實面貌，提供了極為寶貴的線索。

评分☆☆☆☆☆

作為一個長期關注當代藝術的愛好者，我一直覺得自己對中國的傳統藝術了解不夠深入。直到我開始閱讀這本《中國雕塑史（第二版）》，才發現自己錯過了多少精彩。它提供的視角非常獨特，不只是從學術研究的角度去梳理，更注重雕塑作品如何反映當時人們的生活、信仰和審美觀。我印象特別深刻的是書中關於明清時期戲曲人物雕塑的介紹，那些栩栩如生、表情豐富的人物，彷彿還能聽到他們在台上唱戲的聲音。還有書中對建築雕飾的詳細解讀，像是宮殿、寺廟屋頂上的脊獸，或是園林中的石獅、石象，它們不只是裝飾，更蘊含著豐富的象徵意義和文化內涵。作者在書中引用了大量的歷史文獻和考古發現，讓整本書的論述都非常有說服力。我還發現，這本書的結構編排也很人性化，每個章節都有清晰的主題，而且會適時加入圖例說明，讓讀者更容易理解。