西方音乐史简明 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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本书依据现代教育理论和神经生物学原理，结合多年的教学经验和研究成果，精心设计和编着的新型简明读本。本书将高效的学习策略和学习方法融入概念和要点的梳理，将纷繁的音乐史内容打造成方便记忆的知识要点，让你的学习更有效、更快捷。

　　本书共分7章，主要内容包括：古希腊古罗马时期的音乐、中世纪的音乐、文艺复兴时期的音乐、巴洛克时期的音乐、古典主义时期的音乐、浪漫主义时期的音乐、二十世纪的音乐等。

　　本书按照思维导引的方法，整理西方音乐史的内容，构建符合现代教育学原理和神精系统反应机理的可视化知识记忆网路，帮助学习者学会学习。本书把知识要点与知识整合过程条理化，并用可视化图表现出来。例如：在每一章的要点导引部分，将要点、概念分层级呈现，便于帮助学习者把握重点，展示了概念之间的关系和知识整合的思路。
 

东方乐章：跨越古今的音乐之旅 图书简介 本书以“东方乐章”为题，旨在系统梳理和深入剖析自上古时期至今，广袤东方大地孕育出的独特音乐文化体系。它不着眼于西方古典音乐的发展脉络，而是将目光聚焦于亚洲、中东乃至北非等广阔区域的音乐传统，勾勒出一部宏大而细腻的“非西方”音乐史。 第一部：远古的回响与早期文明的音律（约公元前2000年以前至公元500年） 本篇追溯东方音乐的源头，探讨在文字尚未完全成型之际，人类如何通过自然之声、祭祀仪式和劳动号子构建出最早的音乐语言。 一、 史前与原始部落的声响世界： 考察美索不达米亚平原（苏美尔、巴比伦）、尼罗河流域（古埃及）以及黄河、长江流域早期部落的音乐实践。重点分析泥板乐器、骨笛等早期乐器实物遗存所揭示的音阶基础和韵律模式。探讨音乐在神话构建、权力仪式中的核心地位。 二、 文明初期的制度化乐律： 详细阐述古印度吠陀时代的音乐传承。聚焦于《梨俱吠陀》中神圣吟诵的音高控制与节奏结构，分析其对后世印度古典音乐理论的奠基作用。同时，研究周代“雅乐”的初创阶段，探讨礼制如何开始规范音乐的社会功能与结构形态。在此阶段，音乐不再是随性表达，而是成为维护宇宙秩序和社稷稳定的重要工具。 三、 早期丝绸之路的音乐交融： 初步探讨波斯萨珊王朝及中亚地区的音乐实践，分析游牧民族与定居文明在乐器形制（如早期鲁特琴类乐器）和演奏技法上的相互影响，为后世的文化大融合埋下伏笔。 第二部：古典高峰与宗教哲思的融合（约公元500年至1400年） 这一时期，东方各大文明的音乐体系成熟，并与主要的宗教信仰深度结合，形成了影响深远的古典范式。 一、 印度古典音乐的成熟与理论构建： 深入解析印度“拉格”（Raga，曲调母题）和“塔拉”（Tala，复杂节奏循环）的系统化理论。探讨印度教与佛教对音乐发展的影响，介绍早期音乐典籍中对即兴创作的推崇。分析南印度卡纳提克音乐与北印度印度斯坦尼音乐的分野初现。 二、 唐宋雅乐与燕乐的繁盛： 重点描绘中国隋唐时期音乐的黄金时代。考察燕乐（宴饮娱乐音乐）的兴盛及其与胡乐（西域音乐）的融合。分析宫廷雅乐的衰落与民间音乐的蓬勃发展。深入研究唐代文人音乐，如古琴的定型与“减字谱”的成熟，以及宋代“词乐”的兴盛对曲牌体发展的推动。 三、 伊斯兰黄金时代的音乐科学： 介绍阿拉伯、波斯音乐体系的科学化进程。重点介绍法拉比（Al-Farabi）等音乐理论家对“马卡姆”（Maqam，调式系统）的系统分类，以及对乐器学（如乌德琴的早期形制）的贡献。探讨苏菲派音乐在精神修行中的重要作用，以及其向东传播的影响。 第四部：区域化定型与精深化发展（约公元1400年至1900年） 在中央集权体系下，东方各大音乐区域形成了各自稳定且高度程式化的艺术风格。 一、 帝国音乐的制度化与流派纷争： 详述奥斯曼帝国宫廷音乐（土耳其古典音乐）的体系化，以及其与波斯萨法维王朝宫廷音乐的竞争与交流。在中国，深入分析昆曲的形成，探讨其音乐（曲牌、板式）如何吸收宋元以来民间戏曲的精髓，最终成为高度典雅的“百戏之祖”。 二、 日本与朝鲜的本土化进程： 研究日本“雅乐”（Gagaku）在奈良平安时代的固化及其与本土神道教音乐的融合。介绍能剧、歌舞伎音乐的特点，特别是其对“间”（Ma，空间与时间中的停顿）的独特处理。朝鲜半岛的“正乐”与“民谣”如何反映其独特的民族精神与政治变迁。 三、 南洋群岛的复杂织体： 专门开辟章节介绍东南亚，特别是印度尼西亚爪哇岛和巴厘岛的甘美兰（Gamelan）音乐。分析其复调结构、金属打击乐器的音色特色，以及与当地舞蹈、皮影戏密不可分的仪式功能。 第五部：现代转型与全球对话（1900年至今） 进入近现代，东方音乐面临西方音乐工业的巨大冲击，同时展开了复杂的身份重塑与创新。 一、 民族音乐的记录与抢救： 考察20世纪初人类学家和音乐学家（如贝尔加什、钱仁康等）在东方进行的大规模田野调查工作，如何首次将口传的音乐传统转化为可分析的文献资料。 二、 传统与现代的碰撞： 分析东方各国音乐家如何在保留核心音律和演奏技法的基础上，引入西方和声学、配器法进行创新。讨论中国“新民乐”运动、日本“前卫音乐”以及印度电影音乐（宝莱坞音乐）的全球化影响。重点探讨传统乐器（如二胡、三味线）如何在现代合奏中找到新的定位。 三、 当代多元化与未来展望： 审视当代东方音乐的多元面貌，包括电子音乐对传统音色的采样、融合爵士乐与民族调式的尝试，以及传统音乐在当代社会中作为文化符号的重新激活。本书以开放的视角，探讨东方音乐在信息时代的继承与突围之路。 总结： 《东方乐章》试图构建一个完整的、有机的音乐图谱，它拒绝将东方音乐视为西方音乐史的一个简单分支或对立面，而是坚持从其内部逻辑、哲学基础和历史脉络出发，展现其作为独立且辉煌的音乐文明的完整面貌。读者将得以领略从古老颂歌到现代电子乐中，那份独属于东方土地的韵味与深邃。

前言

第一章　古希腊古罗马时期的音乐
第一节　背景註解    9
第二节　要点导引    10
第三节　精要扫描    10
一、古希腊时期的音乐概况    10
二、《荷马史诗》    12
三、古希腊乐器    13
四、古希腊悲剧    13
五、古希腊音乐理论    14
六、古罗马时期的音乐概况    15
七、古罗马基督教音乐    16
八、古罗马时期的重要乐器    16

第二章　中世纪音乐
第一节　背景註解    19
第二节　要点导引    21
第三节　精要扫描    22
一、中世纪宗教音乐概况    22
二、格里高利圣咏    23
三、圣咏的发展    24
四、早期复调音乐    25
五、教会音乐理论    27
六、中世纪世俗音乐    30
七、新艺术    32
八、中世纪器乐    34
九、中世纪重要作品集    34

第三章　文艺复兴时期的音乐
第一节　背景註解    37
第二节　要点导引    39
第三节　精要扫描    40
一、文艺复兴的音乐特点    40
二、勃艮第乐派    40
三、法兰德斯乐派    41
四、罗马乐派    43
五、威尼斯乐派    44
六、宗教与反宗教改革    45
七、文艺复兴时期的世俗音乐    46
八、文艺复兴时期的乐器与器乐    49
九、文艺复兴时期重要作曲家及复调手法    49

第四章　巴洛克时期的音乐
第一节　背景註解    51
第二节　要点导引    53
第三节　精要扫描    54
一、巴洛克时期的音乐特征    54
二、义大利歌剧的产生和发展    55
三、法国歌剧    58
四、英国歌剧    58
五、德国歌剧    59
六、清唱剧/清唱套曲/受难曲    59
七、巴洛克时期的器乐曲    61
八、巴洛克时期的乐器    62
九、巴洛克晚期的几位重要作曲家    63
十、两种常规/通奏低音/博洛尼亚乐派    67

第五章　古典主义时期音乐
第一节　背景註解    69
第二节　要点导引    71
第三节　精要扫描    71
一、古典主义时期的音乐特征    71
二、古典主义时期的歌剧发展    72
三、格鲁克与歌剧改革    74
四、古典主义时期器乐的发展    74
五、古典时期的重要作曲家    76
六、古典时期的三个重要乐派    81

第六章　浪漫主义时期的音乐
第一节　背景註解    83
第二节　要点导引    84
第三节　精要扫描    86
一、浪漫主义时期的音乐特征    86
二、浪漫早期的重要作曲家    87
三、浪漫主义早期的音乐体裁    94
四、全盛时期的浪漫主义音乐    96
五、浪漫主义全盛时期的音乐体裁    104
六、浪漫主义晚期音乐家    106
七、真实主义歌剧/19世纪义大利歌剧/19世纪法国歌剧    109
八、国民乐派    113

第七章　20世纪的音乐
第一节　背景註解    123
第二节　要点导引    124
第三节　精要扫描    125
一、20世纪初—1945年以前的音乐    125
二、印象主义音乐    126
三、表现主义音乐    129
四、新古典主义音乐    133
五、微分音音乐    137
六、噪音音乐    137
七、苏联/英国/美国音乐和音乐家    137
八、西方音乐史上奏鸣曲、协奏曲、交响曲的发展    141
九、1945年以后的音乐    145
西方音乐史自测试题

后记
 

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的优点在于，它成功地激起了我对西方音乐的求知欲，并且给予了我一个清晰的认知框架。在阅读过程中，我惊讶地发现，原来许多我以为是“现代”的音乐理念，其实早在几个世纪前就已经有了萌芽。作者对不同音乐时期社会背景的描绘，也让我对音乐的演进有了更深的理解，比如，音乐的传播方式、赞助人的角色、以及作曲家与社会的关系等。我特别欣赏书中对音乐史上的“转折点”的分析，那些大胆的创新者是如何挑战传统，又如何为后世的音乐发展铺平道路的。即使是对于一些我不太熟悉的曲目，通过作者的介绍，我也能大致感受到其在历史上的意义和地位。这本书让我意识到，音乐史并非是简单的时间线，而是一个充满活力、不断演变的生命体。它教会了我如何去“听”音乐，而不仅仅是“感受”音乐。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度都令人称道，作者在学术严谨性和通俗易懂性之间找到了一个绝佳的平衡点。我原本以为它会是一本冷冰冰的史料堆砌，但出乎意料的是，阅读过程充满了发现的乐趣。尤其是在探讨晚期浪漫主义和印象主义音乐时，作者对和声色彩、配器技巧的讲解，以及如何通过音乐表达抽象的情感和意境，让我耳目一新。我过去对德彪西的音乐理解有限，总觉得有些朦胧，但在这本书的引导下，我开始理解那种“空气感”和“光影感”是如何通过音符来实现的。同时，作者也毫不避讳地讨论了音乐发展过程中的争议和革新，比如勋伯格的十二音体系，以及由此引发的音乐现代性的讨论，这让我看到了音乐并非一成不变，而是不断挑战自我、寻求突破的艺术。书中的参考文献和进一步阅读的建议，也为我提供了继续深入探索的路径，这对于想要对某个时期或某位作曲家有更深入了解的读者来说，是非常宝贵的资源。

评分☆☆☆☆☆

这本书的作者似乎非常擅长将复杂抽象的音乐理论转化为相对易懂的语言，这一点对于像我这样并非科班出身的音乐爱好者来说，简直是福音。我特别欣赏书中对不同时期音乐风格的划分和梳理，从古希腊音乐的神秘色彩，到中世纪宗教音乐的庄严神圣，再到文艺复兴时期人文主义思潮对音乐的影响，作者都能用生动形象的笔触加以描绘。尤其是在讲述巴洛克时期，对于维瓦尔第、巴赫、亨德尔等大师的作品，不仅仅是罗列了他们的生平创作，更是深入浅出地分析了复调音乐的精妙之处，以及协奏曲、赋格等体裁的形成发展。我甚至能在阅读过程中，脑海中浮现出那些熟悉的旋律，仿佛置身于那个辉煌的时代。作者在描述音乐家们的生活经历时，也穿插了当时社会、政治、文化背景的介绍，这让音乐的演进不再是孤立的事件，而是与时代紧密相连的有机体。尽管我还没有来得及深入研究每一个乐句的分析，但仅是这种宏观的视角和细致的描绘，就足以让我对西方音乐的浩瀚星空产生更深刻的敬意和探索的欲望。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我一直觉得西方古典音乐有些难以接近，总觉得它离我太遥远，或者说，我无法理解那些复杂的曲式和术语。但这本书的出现，彻底改变了我的看法。它没有从枯燥的学术角度切入，而是像一位经验丰富的向导，带着我一步步穿梭于西方音乐的千年画卷。我尤其喜欢作者对于不同时期音乐“灵魂”的把握，比如，当讲到莫扎特时，字里行间流淌着的是那种轻盈、优雅，又带着一丝忧伤的童话般的色彩；而谈到贝多芬，则充满了挣扎、抗争、以及最终的辉煌与超越。这种情感化的描述，让我这个普通听众能够迅速抓住音乐的情绪核心，并与作品产生共鸣。我尝试着去听作者推荐的一些代表性作品，以前觉得只是“好听”，现在则能体会到旋律中蕴含的叙事和情感起伏。书中的一些插图和乐谱片段，虽然我无法完全读懂，但却为理解文字描述增添了视觉上的辅助，也让我对音乐的“形”有了一个初步的感知。总的来说，这本书为我打开了一扇通往古典音乐世界的大门，让我不再对它望而却步。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我拿起这本书纯粹是抱着好奇的心态，想了解一下那些我偶尔在电影或纪录片里听到的熟悉旋律，背后到底有着怎样的故事。令我惊喜的是，这本书的叙事方式非常吸引人。作者并没有采用枯燥的编年体，而是将不同时期的音乐特点、代表人物和重要事件穿插讲述，形成了一种流畅的阅读体验。我尤其喜欢作者对“跨界”音乐的讨论，比如宗教音乐对世俗音乐的影响，或者某一时期音乐风格如何受到其他艺术形式的启发，这让我看到了音乐发展并非封闭的孤岛，而是与整个文化环境息息相关。在提到不同作曲家的创作风格时，作者往往会引用一些具体的乐曲片段进行分析，并用非常形象的比喻来解释音乐的内涵，比如将赋格比作精巧的建筑，将奏鸣曲式比作戏剧性的冲突与解决。这让我这种非音乐专业人士也能够理解音乐的结构和表现力。我会在阅读时同步听一些推荐的曲目，感觉像是为书中的文字注入了生命，让那些抽象的描述变得触手可及。