具体描述
在「借来的时空」中，他们试图从中国传统的「前现代」中追寻现代香港的文化之根，在全球化语境中念兹在兹地「怀乡」，而其中的苦闷、颓废乃至陷入身分的迷失，以及对瞬息万变时空的无力把握，恰也是都市人的现代性体验。香港电影将商业性与艺术性，传统与现代，去国与怀乡，犬儒与哲学融于一身，最终确立了文化身分的主体性。
著者信息
李冰雁
澳门大学哲学博士。现为澳门大学博士后研究员，惠州学院文学与传媒学院教师，惠州文化创意产业孵化中心主任。主要研究领域：文艺理论、电影美学、文化创意产业等。
图书目录
第二章 「张看」香港：张爱玲小说的直译式改编
一、《倾城之恋》：怀旧的诗学
二、《红玫瑰白玫瑰》：现代性体验与主体的身份分裂
三、《半生缘》：乱世悲情
四、《色•戒》：重写民国历史
五、「怀旧」电影：想像的能指
第三章 香港身份：李碧华小说的改写式改编
一、《霸王别姬》：性别意识与香港身份的消解
二、《胭脂扣》：香港银幕「鬼文化」的历史视野与现代意识
三、《青蛇》：从「情与理」到「情与慾」
四、通俗小说的类型模式与电影的文学风格
第四章 文艺香港：王家卫电影的意念式改编
一、《花样年华》的「对倒」艺术
二、《东邪西毒》：武侠片的抒情叙事
三、从意念式改编看电影艺术性与商业性的融合
第五章 故事新编：古典文学的解构式改编
一、「大话西游」的古典传统与现代意识
二、借古讽今：《倩女幽魂》的人鬼世界
第六章 结论
一、改编的限度
二、艺术形象的融通
三、徘徊的幽灵：视觉时代文学何为？
四、影响的焦虑：电影对文学的阐释
五、香港的文化身份
参考文献
附录 主要参考片目概览
图书序言
香港电影除了原创剧作受到关注外，改编自文学、戏剧、漫画的电影也风靡一时，不仅获得高票房收益，还屡次在中外电影节上获奖。香港电影改编自文学作品、题材的典范性和多样化，为电影改编技术和理论提供了相当丰富的经验，但也出现不少值得注意的问题。在视觉艺术佔主流的当代，文学何为？作为大众文化的电影如何「消费」文学经典？电影怎样抵抗经典名着「影响的焦虑」而成就自身？电影经验与文学技巧如何相互借鑑？文学改编电影折射了怎样的文化政治变迁？全球化时代，面对荷里活的强势入侵，电影改编如何坚守本土性、区域性特色？
在香港电影历史上，有不少改编自文学作品的经典影片，对香港电影的发展、华语电影市场的繁荣产生了积极影响。自一九○五年香港第一部电影《庄子试妻》改编自刘醒龙的小说，到二○○○年最后一部电影《薰衣草》为止，二十世纪的香港总共制作了九零九四部电影，其中改编自文学（及作家直接参与剧本写作）的电影有一七二一部，约佔百分之十八。根据香港电影评论协会选出百部经典香港电影中，由小说（戏剧）改编的电影有二十七部，将近三分之一，由此可见改编对香港电影乃至香港文艺创作广泛而深刻的影响。
香港电影改编文学的类型和题材极其广泛，涉及中国古典小说如《西游记》、《聊斋志异》、《醒世恆言》；古代历史故事题材有《貂蝉》、《木兰从军》、《清宫秘史》；以及五四作家作品鲁迅《祝福》、《铸剑》，巴金《家》、《春》、《秋》、《寒夜》，师陀《大马戏团》，张爱玲《倾城之恋》、《红玫瑰与白玫瑰》、《半生缘》、《色．戒》；王度卢、金庸、梁羽生、卧龙等现当代作家创作的武侠小说，刘以鬯、李碧华、王安忆、刘恆等当代作家的都市／乡土小说等。改编自国外名着的香港电影也出现不少经典之作，如《天长地久》（《嘉莉妹妹》）、《春残梦断》（《安娜．卡列尼娜》）、《魂归离恨天》（又译作《咆哮山庄》）、《慈母心》（易卜生《群鬼》）、《昨天今天明天》（卡缪《瘟疫》）。此外，还有一批改编自粤剧、福建莆仙戏等戏曲电影。值得注意的是，香港电影得到一批现代作家直接参与制作，大部分编剧和导演都具有深厚的文学素养，给香港电影注入浓郁的文学气息和丰富的文学经验。自二十世纪三○年代开始从上海南下的影人到夏衍、张爱玲、穆时英等五四新文学的重要作家，以及一九六○年代以来活跃在香港的金庸、刘以鬯、倪匡、李碧华等本土作家，无不给香港电影的敍事与形式带来全面革新。同样，电影的形式与风格反过来也影响作家的文学创作。另一方面，电影与文学互相「影响」的「焦虑」，文学改编电影的「忠实度」也成为当代文化政治的显影，从中可窥探一个时代的风貌。
与此同时，改编引起的种种文化现象值得反思。首先，改编的跨文化演绎问题。李安的《卧虎藏龙》（二○○○年）在海外夺下包括奥斯卡最佳外语片在内的五十多个电影奖项，同时也引出一系列「中国式大片」的跟风之作。李安将王度卢的同名武侠小说搬上银幕，突出渲染道家精神及东方侠骨，却被西方观众看成「中国古代的三角恋故事」。《卧虎藏龙》从小说到电影的改编，不仅是文字到影像的转化，也是中国现代武侠小说到荷里活乃至文化全球化的蜕变，期间折射出文化政治错综复杂的关系。其次，文学与电影的双向互动问题。改编不仅是对小说敍事内容的影像书写，也是将小说的意念、结构实现符码转换的过程，从而促使小说写作技巧与电影技术经验的互相借鑑。王家卫的《花样年华》将刘以鬯的小说《对倒》的意念搬上银幕，一部意识流小说经过改编受到西方电影评论界好评，不能不说是改编的成功。再次，「消费」文学经典的问题。「大话西游」作为一种「文化现象」，在学院及大众视野中受到的关注，远远超过这部电影本身。其中，最受热议的话题无疑是「大话西游」中的「现代」与「后现代」。在全球化跨国资本盛行的时代，面对以荷里活为代表的西方文化的入侵，香港电影如何吸收中西文学宝库的精华？在消费主义氾滥的时代，电影如何平衡商业与文艺的槓桿？
改编实际上也是编剧问题，这不仅对一部电影乃至整个电影界的水准有决定性影响，也对观众的审美观、价值观有引导作用。近年来上映的华语片一边是评论「一边倒」叫差，一边是票房狂飙上亿，甚至出现「越烂越卖座」的现象。与一再攀高的票房收入相对的是，剧本缺乏原创力、影片粗制滥造、跟拍成风。面对巨大的票房市场，如何告别「烂片时代」，重建民族文化价值是当下亟需解决的问题，而这最终落实在剧本质量上。
本书以一九八○年代以来由文学改编的香港电影为研究对象，主要有改编自张爱玲、李碧华小说的同名电影，王家卫导演的《东邪西毒》、《花样年华》，以及改编自中国古典文学的「大话西游」、《倩女幽魂》等十一部影片。这些电影或催生了香港的怀旧文化，如《倾城之恋》、《胭脂扣》；或者是香港商业电影中的异类──艺术电影，如《花样年华》；或者引起社会的关注，如「大话西游」引发「大话文化」效应；或者开拓了华语电影的鬼片、抒情武侠电影类型，如《倩女幽魂》、《东邪西毒》等，它们承载了香港的文化记忆，显影了香港文化思潮的变迁。
图书试读
时空交错的复调敍事
王家卫将刘以鬯的小说《对倒》的意念搬上银幕，入围法、德、英、意、澳电影界的「最佳外语片」奖，被美国CNN评为「十八部最佳亚洲电影」第一位，是欧美影评界综合评价最高的华语电影之一。一部香港现代主义小说经过影像的转换成为世界电影史上颇受瞩目的华语电影，不得不说是改编的成功。
从情节上看，《花样年华》讲述一个简单的婚外情故事，除三处字幕引自《对倒》外，人物形象、情节均与原着没有相似之处。但在电影语言方面，导演参照小说原着的敍事结构和文学技巧，通过敍事、剪辑、配乐、场面调度等电影语言构成声音／画面、时间／情感、历史／记忆以及人物之间的平行或交错，在丰富的形式与风格中蕴涵深刻的思想。王家卫谈到：
我对刘以鬯先生的认识，是从《对倒》这本小说开始的。《对倒》的书名译自法文Tête-bêche，邮票学上的专有名词，指一正一倒的双连邮票。《对倒》是由两个独立的故事交错而成，两个故事的主要人物分别是一个老者和一个少女，故事双线平行发展，是回忆与期待的交错。对我来说，tête-bêche不仅是邮票学上的名词或写小说的手法，它也可以是电影的语言，是光线与色彩，声音与画面的交错。Tête-bêche甚至可以是时间的交错，一本一九七二年发表的小说，一部二○○○年上映的电影，交错成一个一九六○年的故事。
这种借鑑原着的敍事结构加以发挥的「意念」式改编，恰如电影理论家安德鲁（Dudley Andrew）所肯定的那一类改编，即「原着的『组织』和『美学』受到极大程度的尊重而没有被吸收到改编过程中」。这给导演创造了一个巨大的发挥空间，最终形成独具个人风格的「作者电影」。可以说，《花样年华》革新电影艺术的表现形式，为文学到电影的改编提供多样的探索路径。在这一过程中，当代艺术电影如何「消费」文学？电影与文学结构如何对话？文学改编电影折射出当代香港怎样的文化政治变迁？
刘以鬯的《对倒》于一九七二年十一月十八日开始在香港《星岛晚报》连载，是一部约十一万字的长篇小说。一九七五年作者将其改写为短篇小说，在《四季》发表。跟长篇《对倒》相比，短篇删减了情节和冗长的意识流动，缩小篇幅，但结构没有较大改变。
用户评价
这本书的题目触及了一个我一直以来很感兴趣的领域：跨媒介转换。我们常常说，文学是一种艺术，电影是另一种艺术，但这两者之间的界限并非泾渭分明。很多经典的电影都改编自优秀的小说，而有些电影的成功，甚至催生了新的文学创作。香港电影在这方面无疑有着得天独厚的优势，它既吸收了中国古典文学的营养，也融合了西方电影的叙事手法，并且在时代变迁中不断自我革新。我特别好奇，这本书会如何解读这种“转换”本身？它是否会探讨改编过程中，哪些元素被保留，哪些被舍弃，又有哪些被创新？例如，一些文学作品中的细腻情感和内心独白，在电影中是如何通过镜头语言、演员表演和配乐来呈现的？而电影的视听冲击力，又是否会反过来影响文学创作的叙事方式？对于台湾的读者来说，我们对香港电影的理解，往往是停留在观影体验的层面，而这本书的出现，可能会为我们提供一个全新的视角，去审视这些熟悉的作品，去理解它们背后更深层次的文化逻辑和艺术匠心。我希望它能揭示那些我们或许未曾注意到的联系，让我们对香港电影的理解上升到一个新的高度。
评分初看到《香港电影的文化记忆：从文学到电影的跨媒介转换》这个书名，就勾起了我不少回忆。台湾和香港，这两个华人世界重要的文化输出地，在电影和文学上有着千丝万缕的联系，彼此影响甚深。我一直觉得，香港电影不仅仅是光影的娱乐，更是承载着一代人集体记忆的重要载体。从早期武侠片的刀光剑影，到新浪潮的社会关怀，再到近年的商业大片，每一种类型都似乎有着深厚的文学根基。我很好奇，这本书会如何梳理这种从文字到影像的转化过程，探讨那些被改编的文学作品如何被赋予了新的生命，又在香港社会变迁的大背景下，如何构筑起我们共同的文化记忆。尤其是在台湾，我们对香港电影的热爱可以说是跨越了世代，很多人都是看着港片长大的。这本书或许能帮助我们更深刻地理解，为什么那些故事、那些角色，能够如此打动我们，成为我们心中不可磨灭的印记。它会不会涉及到一些具体的文学作品，比如金庸、古龙的武侠小说，或者一些反映香港社会现实的小说，又是如何被改编成脍炙人口的电影的？我非常期待书中能有详细的案例分析，让我能对照着我熟悉的作品，去发掘那些隐藏在银幕背后的文学灵魂。
评分这本书的题目《香港电影的文化记忆：从文学到电影的跨媒介转换》，让我联想到很多关于文化传承与发展的思考。在我看来，文化记忆的形成，离不开那些能够触动人心、并被广泛传播的载体，而香港电影无疑是其中非常重要的一环。这本书的价值，可能在于它不仅仅是梳理电影本身，更是将其置于更宏大的文化背景之下，去探究其如何与文学相互作用，并最终沉淀为一种集体记忆。我很好奇，这本书会如何论述文学在香港电影发展过程中的“源头”作用，以及电影这种新兴媒介，又是如何反过来影响文学的创作和传播的。它会不会探讨，在香港回归前后，电影中的文化记忆是如何发生变化的？又或者，随着时代的发展，香港电影如何在全球化浪潮中，在不同文化语境下，被赋予新的解读和意义？对于台湾的读者来说，我们同样在经历文化认同的探索，香港电影的经验，或许能为我们提供一些宝贵的参照。我希望这本书能够提供一些深刻的见解，帮助我们理解，在不同媒介之间，文化是如何流转、融合，并最终凝聚成我们共同的“记忆”的。
评分“从文学到电影的跨媒介转换”，这个副标题让我觉得这本书的视角非常新颖。我一直觉得，很多香港电影的灵魂，其实都来自于那些优秀的文学作品。无论是武侠小说里的侠骨柔情，还是警匪片中对人性的拷问，亦或是文艺片里的细腻情感，都离不开文学的深厚底蕴。我很想知道，这本书会选择哪些具体的文学作品作为切入点，来分析这种“转换”的过程。会不会有对王家卫电影的探讨，例如《阿飞正传》和《重庆森林》中那种碎片化的叙事和浓郁的都市情调，背后是否有着文学的影子？或者对徐克导演的武侠片，如何从金庸、古龙的笔下，创造出独特的视觉风格？我特别期待书中能够深入剖析，电影作为一种视觉艺术，是如何将文学作品中的抽象概念、内心活动、以及复杂的社会背景，转化为具体的影像语言和听觉体验的。这种转换，往往是艺术化的、创造性的，不仅仅是简单的复制。对于台湾的观众来说，很多我们喜爱并熟悉的港片，可能都源自我们也在文学史中有所了解的作品，这本书或许能帮助我们重新发现那些被忽略的文学根源，并更深刻地理解电影艺术的魅力。
评分“文化记忆”这个词，让我对这本书充满了期待。在台湾，我们同样经历了快速的社会变迁，也同样在寻找和构建属于自己的文化记忆。香港电影，尤其是那些曾经风靡亚洲的港片，对于我们来说，不仅仅是娱乐产品，更承载了我们的青春、我们的情感，甚至是我们对那个时代的集体回忆。那些熟悉的街景、那些经典的台词、那些鲜活的人物，仿佛都还停留在昨天。这本书会不会深入探讨，香港电影是如何捕捉和反映当时的社会思潮、时代情绪，并进而成为一种“文化记忆”被传承下来的？它是否会分析，在不同的历史时期，香港电影的叙事重点和主题表达有何不同，又如何与当时的社会现实产生共鸣？我非常想知道，这本书会如何解释，为什么某些电影片段或者情节，会成为一个时代的标志，被反复提及和怀念。它会不会也触及到，当香港社会面临转型时，电影中的文化记忆又会如何发生变化，甚至产生新的解读？对于我们这些在异地回望香港电影的人来说，这或许是一种情感的慰藉，也是一种文化认同的追寻。
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