小提琴乐理课2(二版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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☆ 【小提琴乐理课】系列是第一套配合筱崎教本编写的乐理，无论是音高、把位、音符、调性、音阶和小提琴的演奏记号，都依照在教本中的教学顺序编排，非常适合与篠崎教本搭配使用。
 
　　☆传统小提琴教学常用模仿来让学生学会节奏，结果削弱了学生识谱和辨识节奏的能力。【小提琴乐理课2】每教一种新的音符，就有各种节奏练习，利用不间断的书写和打拍子，让学生学会正确的数出节奏。减轻老师的教学负担，也能加快新曲目的学习速度。
 
　　☆对于学生搞不清楚为什么、什么时候该升高半音，只要用【小提琴乐理课2】的谱例和习题先让学生认识升记号、降记号、还原记号的写法和意义，接着用音阶部分的谱例讲解音程和音阶的组成，很轻松的就可以解决这些教学问题。

　　☆ 【小提琴乐理课2】还针对容易混淆的断奏、次断奏、大断奏、长断音、持音等奏法记号，制作谱例和解说，不仅弥补教本的不足，也为教师们节省许多书写和讲解的时间。具体的谱例和解释，也让学生可以清楚理解奏法记号的意义，更容易达到正确的演奏。
 

好的，这是一份为您量身定制的、不包含《小提琴乐理课2（二版）》具体内容的图书简介，侧重于描绘一个完整的、引人入胜的音乐学习体验，同时保持专业性和深度。 --- 音乐的奥秘：跨越基础的旋律构建与和声探索 一部献给所有严肃音乐学习者、教师以及对古典音乐艺术怀有深厚热情的探索者的指南。 在音乐的浩瀚宇宙中，仅仅掌握音符与指法，如同学会了字母却尚未开始阅读史诗。本书旨在引导读者，从已有的基础乐理知识之上，构建起一座通往真正音乐理解与创造力的坚实桥梁。它不再满足于“是什么”，而是深入探讨“为什么”以及“如何做”。 第一部分：结构解析——从单音到织体的精妙编排 本卷将音乐的骨架进行彻底的剖析，带领读者超越调性框架的表层，直抵作品内在的逻辑核心。 一、旋律的内在生命力与形态学： 我们深知，一个成功的旋律不仅是音高的序列，它更是情感的载体与叙事的脉络。本部分细致考察了不同历史时期（从巴洛克晚期到浪漫主义高峰）中，作曲家如何运用动机的展开、对比与再现来塑造主题的完整性。 动机的演变与位移技术： 深入分析了序列（Sequence）、移位（Transposition）以及主题的片段化重组在赋格曲与奏鸣曲快板乐章中的核心作用。我们将探讨如何通过严格的对位技巧，使一个简单的动机如同基因般，在不同的声部与和声背景下展现出无穷的生命力。 乐句的呼吸与张力控制： 乐句的划分不再是简单的四小节或八小节分组。我们将通过对休止符的精确理解、对延长音（Tenuto）与重音（Accent）的细微处理，揭示旋律如何模仿人类语言的抑扬顿挫，从而在听觉上产生预期的建立与释放。 不对称性与韵律的张力： 挑战传统的规整性，探讨如何通过非对称的节奏组合（如复杂的复合拍号或亚历山大节奏）来创造出令人兴奋的、充满活力的音乐流动感，这对于演奏如德彪西或巴托克作品时的理解至关重要。 二、和声的色彩学与功能扩展： 如果说旋律是骨骼，和声便是血肉与色彩。本书将和声的学习提升到一个新的维度：不再仅仅是三和弦的排列，而是对和声色彩的调配与功能的深层解读。 调性之外的边缘探索： 深入研究如何有效运用次属和弦（Secondary Dominants）、导音七和弦（Leading-Tone Seventh Chords）以及增六和弦（Augmented Sixth Chords）来平滑地过渡至远关系调性，从而拓展听觉的广度。 拓展音程的和声语言： 重点分析九和弦、十一和弦及十三和弦的实际应用。理解这些复杂的和声是如何在19世纪后期为音乐注入更丰富、更模糊的情感色调，并为印象主义音乐奠定基础。 和声的织体与布局： 探讨和声在不同乐器组中的实际布局（Voicing）。如何通过高位或低位的和弦排列，在不改变和声功能的前提下，彻底改变听觉的重量感与空间感，这对于配器思维的建立至关重要。 第二部分：宏观架构——形式的逻辑与心理学基础 音乐作品的伟大，往往在于其宏大的结构。理解形式，即是掌握了作曲家对时间的管理艺术。 三、奏鸣曲式的深度解构： 奏鸣曲式是西方音乐形式的基石，但其背后的逻辑远比教科书上描述的“呈示部-发展部-再现部”更为精妙复杂。 主题的功能性划分： 分析呈示部中第一主题群、过渡段（Bridge）、副主题群（Second Theme Group）以及结束部（Codetta）各自担负的心理学任务，以及它们如何建立听众对主调性的依赖与期待。 发展部的动态平衡： 发展部并非简单的材料重组，而是一场主题的“危机与解决”。我们将研究作曲家如何通过转调的密度、动机的碎片化与对位技术的集中使用，将作品的张力推向极致。 再现部的“再构造”： 探讨再现部并非简单的重复，而是对呈示部材料的“心理修正”。分析如何通过改变过渡段的调性处理或副主题的调性归属，来实现宏大乐章的最终统一与平衡。 四、变奏曲与回旋曲的叙事技巧： 除了奏鸣曲式，其他重要形式也承载着独特的叙事方式。 变奏的创造性界限： 变奏曲是对主题的“永恒忠诚”与“不断创新”之间的辩证统一。我们将对比固定低音变奏（Basso Ostinato）与自由主题变奏，探讨如何在保持核心骨架的同时，实现节奏、调性乃至情绪的彻底颠覆。 回旋曲的回归主题与环境塑造： 分析回旋曲（Rondo）中主题的“家园”属性，以及插部（Episode）如何作为临时性的异域环境，衬托出主旋律回归时的稳定与慰藉感。 第三部分：风格透视——历史语境下的乐理应用 乐理是工具，而风格是使用工具的方式。本书强调，任何乐理规则都必须在特定的历史背景下进行审视。 五、从对位到自由复调的过渡： 系统地回顾巴赫以来对位法的严谨性，并追溯至浪漫主义时期对传统规则的逐步松动。 Fux的遗产与后来的突破： 简要回顾严格对位（Species Counterpoint）的原理，随后转向探讨巴赫作品中如何将这些规则转化为动态的、具有生命力的多声部织体。 不协和音的“常态化”： 追溯从瓦格纳的“特里斯坦和弦”开始，不协和音是如何从一种“等待解决的冲突”演变为一种独立的、可以自我满足的和声色彩。理解何时使用它仅仅是为了色彩，何时它仍然承担着推进调性发展的任务。 六、器乐写作的实际考量： 对于所有希望更深入理解配器与演奏实践的读者，本章提供了乐理知识在实际应用中的桥梁。 音域与音色的适应性： 分析不同乐器（弦乐、木管、铜管）的实际音域限制如何反过来影响和声的实际布局。例如，某一和弦在高音区可能听起来明亮辉煌，而在低音区则可能变得沉闷或不清晰。 演奏技巧的乐理映射： 探讨连弓（Slur）、分弓（Detaché）、揉弦（Vibrato）等演奏技法在乐谱上是如何被编码的，以及它们如何直接作用于我们对旋律线条和和声连接的感知上。 结语：超越符号，触及灵魂 本书并非提供一个简单的速成方案，而是一套深入的思维训练系统。它要求读者将乐理知识内化为一种直觉，使符号不再是需要被“解码”的障碍，而是直接通往作曲家思想和作品灵魂的媒介。通过对这些复杂结构、色彩和形式的掌握，学习者将能够以更深刻、更具洞察力的方式去欣赏、分析和最终创造音乐。 这是一次邀请，邀请您从“会拉琴”的层面，跃升至“懂得音乐如何运作”的境界。

作者简介

陈加容

　　怎么样可以让学生学的更好？
　　怎么说会更容易懂？
　　怎么教可以更有效？

　　20年来，陈加容老师每天都在教学实践中不停的思索这些问题。辅仁大学音乐研究所毕业、精通多种乐器及音乐理论的陈加容老师认为，老师不能只是把资讯供应给学生，而要多想十步一百步，先规划好蓝图和目标，再依照学生的特性，用最适当的方法，给予最容易吸收的课程内容。

　　在多年的教学生涯中，陈加容老师开发了许多种不同的教学方法，也辅导多位学生跨进音乐班窄门就读知名音乐班校，担任知音音乐班主任期间，还因教学和行政效率卓越，连续两年获新北市教育局颁发优良补习班奖章。
 

一、小节与拍号‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧1
二、拍子的强弱‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧7
三、力度记号‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧9
四、八分音符‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧13
五、八分休止符‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧14
六、圆滑线与连结线‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧21
七、E絃空絃音E‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧23
八、E絃第一把位的F‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧27
九、E絃第一把位的G‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧31
十、E絃第一把位的A‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧35
十一、E絃第一把位的B‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧39
十二、E絃第一把位的C‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧43
十三、完全小节与不完全小节‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧47
十四、强起拍与弱起拍‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧49
十五、升记号、降记号与还原记号‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧51
十六、临时记号与调号‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧55
十七、C大调音阶‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧59
十八、a小调音阶‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧61
十九、G大调音阶‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧63
二十、e小调音阶‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧65
二十一、附点四分音符‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧67
二十二、附点四分休止符‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧68
二十三、十六分音符‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧75
二十四、十六分休止符‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧76
二十五、附点八分音符‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧83
二十六、附点八分休止符‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧84
二十七、断奏、持音与延长音‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧‧91

 

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐学院的学生，对于乐理的要求自然是更为严苛。在经历了基础乐理的学习后，我一直在寻找一本能够帮助我深入理解和掌握更高级乐理知识的教材。《小提琴乐理课2(二版)》无疑满足了我的需求。这本书的体系非常完整，涵盖了从和声的进阶应用，到复调技法的剖析，再到音乐形式的深度解读等多个方面。作者在讲解和声时，不仅仅停留在理论的层面，更是深入探讨了不同和声进行在音乐中的情感表达作用，以及如何运用不协和和声来制造戏剧性的冲突和张力。我尤其赞赏书中关于“和弦的功能性与色彩性”的讨论，这让我对和弦的理解不再是简单的“属、下属、主”的划分，而是能够体会到不同和弦在音乐语境中带来的丰富色彩变化。在复调部分，书中对巴赫式的赋格、卡农等作品进行了细致的分析，通过对声部线条的追踪和相互关系的梳理，让我清晰地看到了多个旋律如何独立发展又如何有机地融合在一起，形成复杂的织体。这种分析方式，对于我日后进行作品创作和演奏都具有极强的指导意义。此外，书中对一些现代作曲技法的初步介绍，也让我看到了乐理学习的广度和深度，为我未来的学术研究提供了新的视野。这本书不仅是一本教材，更像是一本引导我进行深度音乐思考的工具书。

评分☆☆☆☆☆

我对音乐的兴趣，很大程度上源于对那些优美旋律和动人乐章的好奇。但要真正理解这些音乐的“内在逻辑”，乐理知识必不可少。《小提琴乐理课2(二版)》这本书，就像一把钥匙，为我打开了通往音乐世界更深层次的大门。我之前在学习小提琴时，对乐句的断句、乐句之间的连接总是有种“凭感觉”的模糊感，直到读了这本书关于“乐句分析”和“乐段组织”的章节，才恍然大悟。书中通过大量的实例，讲解了如何识别乐句的起点和终点，如何通过节奏、旋律、和声的变化来区分不同的乐段，以及如何通过重复、对比、变奏等手法，将这些乐段巧妙地组织成一个完整的篇章。这种结构化的分析方法，让我对音乐的整体框架有了清晰的认识，也让我能够更加有条理地去练习和演奏。我特别喜欢书中关于“模仿”和“卡农”的讲解，作者用非常直观的方式，展示了音乐中的“对话”是如何产生的，以及不同声部之间精妙的呼应和交织。这让我对音乐的“织体”有了全新的理解，也让我更加欣赏那些层次分明、富有张力的音乐作品。总的来说，这本书不仅提升了我对乐理知识的掌握程度，更重要的是，它让我学会了如何更深入地去“听”音乐，去品味音乐的精妙之处。

评分☆☆☆☆☆

这本《小提琴乐理课2(二版)》的到来，对我这个学琴多年的“老”学生来说，无疑是久旱逢甘霖。之前在学习过程中，总是觉得有些乐理知识，虽然知道大概，但深究起来就抓不住核心，就像隔着一层薄雾，难以看得透彻。尤其是在一些和声、曲式分析的进阶部分，更是显得力不从心。翻开这本书，最直观的感受就是它的编排非常清晰，逻辑性极强。作者似乎非常了解初学者和进阶者在乐理学习中可能遇到的普遍困惑，并且有针对性地进行了梳理和讲解。比如，在讲到转调时，书中不仅列举了各种常见的转调手法，还深入分析了转调在不同音乐风格中的应用，以及如何通过乐句的构建来自然地实现转调，避免生硬的连接。这种从理论到实践的过渡，让我感觉以前那些抽象的符号和规则，一下子变得生动起来，有了具体的音乐形象。而且，书中还穿插了一些小练习，这些练习并非机械的重复，而是鼓励读者去思考、去分析，甚至去尝试创作。我特别喜欢其中关于“动机发展”的章节，作者通过分析经典作品的片段，一步步揭示了作曲家如何将一个简单的音乐动机，经过变形、组合、扩展，最终发展成一首完整的乐章。这让我对音乐的“骨骼”有了更深的认识，也为我日后的即兴创作和作品分析打下了坚实的基础。总而言之，这本书的出版，让我感到多年来在乐理学习上的瓶颈得到了有效的突破，期待着在接下来的学习中，能够更上一层楼。

评分☆☆☆☆☆

我是一名对小提琴音乐充满热爱，但并非科班出身的业余爱好者。一直以来，我对乐理的理解都停留在比较浅显的层面，识谱、基本节奏、音程等尚可，但一旦涉及到更深入的音乐结构、和声进行，就感觉像是在云里雾里。这次偶然看到《小提琴乐理课2(二版)》，抱着试试看的心态入手，没想到给我带来了巨大的惊喜。这本书的语言风格非常亲切，不像许多枯燥的乐理教材，它更像是一位经验丰富的老师，循循善诱地引导你一步步探索音乐的奥秘。书中在讲解一些复杂的概念时，会巧妙地运用一些生动形象的比喻，或者结合大家耳熟能详的作品片段进行示范，这极大地降低了理解的门槛。我印象最深刻的是关于“曲式结构”的章节，书中详细介绍了奏鸣曲式、回旋曲式等几种常见的曲式，并且通过图示和详细的讲解，帮助我理解了乐章是如何由不同的乐句、乐段组合而成的，以及各个部分之间的逻辑关系。这让我听音乐时，不再是茫然地跟着旋律走，而是能够开始识别其中的“章节”，甚至预判接下来的发展。此外，书中还涉及了一些关于“配器”和“音色”的初步探讨，虽然篇幅不长，但足以让我对不同乐器的特性以及它们在音乐中扮演的角色有更深刻的认识。这种对音乐“美学”层面的关注，也让我感到非常受益。总的来说，这本书对于像我这样，希望在音乐的理解上更进一步的爱好者来说，是一份宝贵的礼物。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样的乐器维修技师来说，音乐本身就是一种职业的魅力所在。但要从根本上理解乐器发声的原理，以及音乐是如何通过音响传播，乐理知识的支撑是不可或缺的。《小提琴乐理课2(二版)》这本书，虽然名字是“小提琴乐理课”，但其涵盖的乐理知识却是普适性的，并且在某些方面，能够帮助我更好地理解音乐的物理基础。书中关于“音高、音色、音量”的构成原理，以及“泛音列”和“谐波”的讲解，对于我理解乐器发声的物理特性非常有帮助。比如，在维修某些乐器时，了解其泛音结构，可以帮助我更准确地判断问题所在，并进行相应的调整。此外，书中对“调律”和“音程体系”的详细阐述，也让我对不同音高关系在音乐中的和谐与不和谐产生了更深入的理解。我一直对乐器在不同调性下音色表现的微妙差异感到好奇，这本书中关于“调式”和“音阶”的解析，以及它们如何影响音乐的情感色彩，给了我一些启发。虽然书中没有直接涉及乐器维修的细节，但它所提供的乐理基础，无疑能够帮助我从更宏观的层面，去理解音乐的声学本质，从而在工作中获得更深刻的洞察。这本书，对于我而言，是一次将兴趣与专业相结合的独特体验。