点线面（全新修订版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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　　艺术元素是艺术品的基础。
　　艺术科学的基础研究，首要课题即是艺术元素的分析。

　　颜色是琴键，眼睛是琴槌，灵魂是钢琴的琴絃。艺术家就是演奏的手，抚弄着一个又一个琴键，让灵魂震颤。

　　艺术品有如一面镜子，映照在我们的意识表面。当感觉隐退，画像也随之消失。而世间万象，都可以从内外两方面去体验；但内外如何分界，取决于现象自身的特性，随意不得。

　　《点．线．面》一书本为包浩斯学校的基础课程讲义，其内容与精神延续着前一本书：《艺术中的精神》，既贯彻抽象艺术的观点，以具体分析的方法研究抽象视觉元素的特征，又继续前书的视觉构成课题，从色彩构成转到平面构成，探讨现代构图理论的基本原则与观念。全书自成体系，内容具体，深入浅出，富含美学洞见。是一本艺术学系学生和对插画有兴趣的朋友们必看的案头书。

 

作者简介

康丁斯基（Wassily Kandinsky, 1866 - 1944）

　　俄国人，早年在莫斯科念法律和经济，并获教授职；30 岁后赴慕尼黑习画，且创立了「蓝骑士」社团，又在包浩斯学校任教，直至该校被纳粹关闭为止；之后，再转往巴黎，专事抽象绘画创作。康丁斯基是现代抽象表现主义艺术的实践和理论先驱，既是艺术家，又是理论家。康丁斯基着有《艺术中的精神》、《点线面》，俱是现代艺术理论的经典文献。
 

康丁斯基的一生
前言
自序
再版序
导言
点
线
面
附图
译后记
年表


 

自序

　　小书所录，乃是拙作《艺术中的精神》内容的延续。善始善终，也算有趣。

　　世界大战伊始，本人在康斯坦茨（Constance Lake）湖畔的戈尔达奇（Goldach）逗留三月，将素日理论及实践经验，一一条分缕析，居然也集腋成裘，蔚为可观。此后，这些成果尘封十年，未曾理会。今日再作收拾，遂有此书。

　　写作本书，初衷乃是要集中探索一门艺术的科学，然而此一问题，殊为复杂，且绝非绘画乃至艺术范畴自身所能概括。此书若能大略确立一些理论方向，构设一些分析方法，考量一些综合价值，也就聊以自慰了。
 
再版序
　　
　　自1914年以降，世事多变，时光如梭。乱世一年，堪比盛世十年。

　　本书面世，不过一年，亦有十年之功。书中所录的分析及综合方法，于理论及实践两端，不仅适用于绘画，亦适用其他艺术。「实证」和「精神」科学日新月异，倒似乎印证了本书理论。

　　再版之际，若要改动，无非是填补些个例插图，徒增篇幅，殊无大用，不如一仍照旧。是为序。
 
前言

希拉．瑞贝（Hilla Rebay）

　　瓦西里．康丁斯基（Wassily Kandinsky）1866年12月5日诞生于莫斯科。儿时，他便钟爱画画，对于色感的敏锐度尤其突出；相较于俄罗斯荒原的千里灰冷，莫斯科教堂穹顶上的落日红霞和俄罗斯农民画的浓墨重彩，更能启迪小瓦西里的视界。三十岁完成法律专业学习后，康丁斯基获得大学法律教授席位，然而，在这人生转捩点上，他却受到莫内﹝Claude Monet﹞画作的启发，决定放弃安稳的职业，前往德国慕尼黑学习绘画。康丁斯基事后回想起这一决定，形容自己是在学艺道路上「一了夙愿」。

　　在慕尼黑学画两年，康定斯基进入皇家画院，师从法朗兹．冯．史塔克（Franz von Stuck）。然而，不满足于学院论调的他，干脆于1902年自立门户，创办了一所美术学校，历时两年之后，却又草草关张了事，开始周游西欧列国，长达四年。旅行结束返回慕尼黑后，发生了一件奇妙的事：某晚，康丁斯基打量自己一幅旧作，由于灯色昏暗，只能看到画面上大体的线条和色调，他蓦地发现，尽管绘画主题已经难以辨认，画面反而显现某种魔力般的美感，而绘画主题似乎沦为多余。

　　诧异之余，康丁斯基花了整整两年时间研究这一神奇发现。在这段期间，他的创作虽仍以客观物象为基础，但在处理形色构成时，只将物象视为结构元素的一部分对待，作品已初具抽象特征。

　　1910年，康丁斯基完成其理论名着《艺术中的精神》（Concerning the Spiritual in Art），以此建立非物象绘画（non-objective painting）的哲学基础。接下来，他完成个人首批真正意义上的非物象绘画作品，公开展出后，一时举世瞩目，热评如潮。1914年至1921年，康丁斯基辗转于俄罗斯，在几所官方艺术机构任职，其间1919年任莫斯科图画文博馆（Museum of Pictorial Culture）馆长一职，创办艺术文化所，并为其撰写文化规划；1920年，他被提名为莫斯科大学的艺术教授，同年，还创立莫斯科艺术科学院（Academy of Artistic Science）并任副院长。

　　此后，康丁斯基返回柏林，在沃勒斯坦画廊（Wallerstein Gallery）展出个人首批「开放空间」（open-spaced）绘画作品。这些作品中，他画风陡转，从过去热情洋溢的色彩抒情走向精准明确的空间营造，他专注于开放空间的不同维度，将色的浓淡、形的缩展、线的纵横，乃至点的疏密这些空间元素，一一分析出来，使其各自呈现。1922年，康丁斯基进入包浩斯学校（Bauhaus）任教，启动了他的创作高峰期，至1923年，他对色彩的掌握与展现已臻完美，一如科学仪器般精确。包浩斯是所名闻遐迩的艺术学校，创立于威玛（Weimar），后迁往狄索（Dessau），不幸于1933年遭到顽固的纳粹当局勒令关闭。此后，康丁斯基辗转前往柏林，旋即又迁居巴黎，创作不息，直至1944年12月13日辞世。

　　在晚期作品中，康丁斯基专注于画面既有空间的高度平衡，并以此为准则，营造画面的视觉张力。如同许多大师级画家，康定斯基的绘画，用意不在穷摹万物，而在于笔墨传神。他甚至力排众议，坚称画家当如音乐家那样，摆脱一切物化束缚，以纯粹形式直抒胸臆，成为最早宣示「内心驱动」原则的大师。

　　彼时，绘画的写实传统还根深蒂固，大众的鉴赏品味也不过如此，康丁斯基却勇于坚持己见，开风气之先河。他的作品，吐露天生异禀，自成画韵格调，丝毫不受物象桎梏。他认为，非客观艺术的形式韵律，一旦运用得当，自有其内在生命和创新空间，且能以深刻意蕴触动观者；只是，艺术的这一内在生命，长期以来却受到穷于摹仿物象的传统绘画所摒弃，同时遭到机械平庸的所谓抽象装饰画所摒弃。

　　康丁斯基认为优异的艺术作品，皆遵循着对位元构成（counterpoint）的法则，以此展现色彩和形式的和谐、对比和韵律，使画面富含生气和趣味。为了阐明这些创作对位法则，造福后学，他数年如一日，潜心钻研相关艺术审美问题，并着述不辍，详解对位构成艺术的理论和技术要点。这些技术文献，对于心有灵犀的艺术人才来说，无疑大有裨益，当然，一般庸众却未必受用，毕竟碍于专业知识的匮乏，一般人往往习惯于单凭个人好恶判定作品。对他们而言，艺术佳作无异于一花一草或时兴小曲，不过是一时养眼悦耳而已，何必劳神深究。

　　非物象艺术的创造，要求艺术家对普遍的宇宙法则衍生直观的反应，并借此传达艺术意蕴。真正有悟性和创意的艺术家，必能从内心感受这无形的精神力量。艺术家凭借敏锐的感受力，在个人的精神领域内获取创作灵感，然后按照对位构成的法则，以丰富的视觉构成来表达他的意念，成就永恆不朽、浑然天成的艺术作品。

　　今天，艺术家的创作已经提升至精神表达层面，不再受制于物质客体。艺术家不必非得用鲜黄色去表现柠檬，或者非得用湖蓝色去映衬天空，亦毋须非要在世俗情感的推动下才萌发创作冲动。艺术家可以摆脱幻相的束缚，在空白纯净的画布上写意挥洒，创造姿态丰富的画面，毋须矫揉造作。一旦摆脱了摹写物象这一古老理念，艺术的自由度是无限宽广的；艺术家完全能以自身的审美想像，驰骋于精神领域。艺术家的眼界，从物象领域和透视框架中的三维幻相中解脱出来，真正迈入视觉本身的实在世界。非物象艺术家可以说是身体力行的导师，教人从一时的物象束缚中解脱，寻找真正的视觉快乐，并以视觉方式体悟抽象和永恆。非物象艺术作品引领观者渐渐领悟精纯有序的审美和谐，回归心灵的宁静平和。

　　这种先知般的非物质主义绘画理想，宣告精神时代即将到来。对绝对精神的探求，成为当前人类的潜意识渴望的先行者。借助于对电波、射线及原子等无形力量的驾驭，人类的物质生活越来越轻松，人类也得以自由地追寻更多梦想，提升文化和审美表达需求，探求永恆的实在。这一切似乎都触手可及，但似乎又为大多数人所忽视。

　　非物象绘画帮助心灵从物质主义的沉醉中解脱，从纯粹的审美愉悦中获得精神启迪。从这个意义上而言，非物象绘画的先驱人物康丁斯基，并不只是一位画家或者科学家，而更是一位具有宗教意义的预言家。早在物质密度、电波频率这些无形实体被科学证实，并由此开启人类无限的想像之前，他的抽象无形艺术理念就已经成型。真正理解康氏艺术理论中的深刻真理，或者真正领会康氏绘画作品的纯粹美感，都足以让人认识到康丁斯基的存在，在现代艺术世界的开拓意义。

　　今天，摄影和电影已经足以承载记录事件、再现情景的功能，并满足一般的实用或情感表达诉求。现代技术已经让我们摆脱徒手复制的手段，这也促使艺术创作要根据审美冲动寻求更高的创意形式。现代人的眼睛已经越来越敏感，可以感受到纯粹节奏的生命力，感受到形式本身的「灵动」（in-between）趣味，感受到非物象杰作的本质力量。这类艺术创作，因其独特的精神性质，能够通过纯粹色彩和形式的对比变化、纯粹空间形式的对位和谐，获得经久不息的艺术感染力。在非物象绘画中，每一种用色和每一种构成，都有其自身的理由，同时又与其它的色彩和形式发生关联，在不断的对抗和吸引中达到自在的审美乐趣。作品因此散发的恬静气息，一如无垠星空般令人心旷神怡。

　　在二十世纪之前的千年间，盛行于西方绘画的形式理想（form-ideal）一直是围绕绘画主题展开。在绘画作品中，主题物件总是成为整体图形，理性地、静态地对应于现实世界中的物象。今天，艺术家得以摆脱这种窠臼，追求形式本身的灵动美感和韵律。这种新的灵动形式，与以前的静态形式不同，往往很难通过简单的记忆来把握；相反的，灵动形式本身意味着无限的变化，这种纯粹的形式变化带来的不是具体物象，而是超脱的悠远深邃。一些人在一时间可能很难把握住这种纯粹的和谐秩序，但久而久之，非物象作品的美就能显示出来。领会抽象艺术的过程，也是观画者的潜意识回归纯净感受的过程，而这纯粹的审美体验和心灵净化，则是受制于物象的客观绘画所不能企及的。

　　总而言之，非物象艺术的最深刻意义，在于它能启迪人类心灵，使之充分感受到宇宙的力量，并从中体验快乐，集中体验到纯粹创造的本质意味。我们喜爱康丁斯基的作品，因为他对美的表达方式，让我们认识真正的自己，为我们开启更高层次的精神世界。康丁斯基的非物象艺术，带给我们的意义，即是永恆。
 

导言
 
内外有别
 
世间万象，都可以从其内外两方面去体验。内外如何分定，取决于现象自身的特性，随意不得。
 
幽坐室内，隔窗望街，窗玻璃隔绝闹市的嘈杂，街上一切行色，依稀彷彿默剧魅影。窗里窗外，一时「恍如隔世」。
 
开门启户，走出幽室，观者置身于外面真实世界，并成为它一分子。五官暂态萌动，体验亦随之而来。这边闹市喧哗，不绝于耳，听到声调音速各异，抑扬顿挫，此起彼伏；那边车马往来，川流不息，看到线条生动，横竖不一，又看到色彩缤纷，此消彼长。
 
艺术品有如一面镜子，映照在我们的意识表面。它们的形象总像是在镜面之后，当感觉隐退，画像便逐渐消失，不留痕迹。我们和艺术品之间，有如隔了一堵透明却坚固的玻璃璧，难以直接沟通，但我们依然可以接收艺术的资讯，调动我们所有的官能去体验艺术品鲜活的生命力。
 
艺术分析
 
对艺术元素逐一精心分析研察，既有其科学价值，亦能架起一座桥樑，通达艺术品内在的生命脉动。
 
时人普遍认为，「剖析」（dissect）艺术必然为其带来灭顶之灾，这其实是源于对艺术元素的无知，从而不敢面对艺术元素自身的原始力量。
 
绘画和其他艺术形式
 
就分析研究方面而言，相比于其他艺术形式，绘画处于一种奇怪的地位。譬如建筑，因其固有的实用性，必须讲求一定程度的科学严谨，所以理论分析就势不可少。而抽象的音乐艺术虽无实际用途（进行曲和舞曲除外），乐理却也早已有所发展，目前看来虽还未够完善，至少也在不断推进。建筑和音乐，虽形式迥异，却都有自身的科学理论基础，似乎也未见不妥。
 
相较之下，其他艺术门类的理论研究多少显得迟缓，似乎总落在艺术本身发展之后。
 
绘画理论
 
绘画尤其如此。最近数十年，绘画的发展日新月异，不久前，更是从实用意义中解放出来，不必再为先前诸多既定目的服务。绘画艺术既已如此发展，对图画方法事以理论考察，则势在必行。没有严格的新理论作为支撑，艺术家也好，公众也好，若要为艺术寻求新路，恐怕都是妄谈。
 
早期理论
 
毋庸置疑，绘画理论并非一直如今日般处于空白状态。自古以来，初学者或多或少总要学些理论，比如技法、构图以及其他关于造型元素的基本知识。