肖像雕塑法 (電子書) pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

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彼得‧魯比諾

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具体描述

以豐厚創作與教學基底累積的造型技藝　雕塑學習的必備專書

彼得．魯比諾（Peter Rubino）是當代少數集藝術家、教育家、作者頭銜於一身的世界雕塑名家。1972年投入創作以來，作品不勝枚舉，為全美國許多重要機構所典藏，包括為美國前總統歐巴馬與傳奇爵士鋼琴家戴夫．布魯貝克製作的肖像、六○年代洋基名匠羅傑．馬里斯的全身人像、迪士尼公司委製的「天使」紀念碑、以及為本•古里安大學設計的「萬物之母」抽象雕塑等。此外，他亦先後於美國國家設計學院、布魯克林博物館藝術學院、銀礦藝術中心等三所學校執教，擁有超過三十五年的深厚教學經驗。

魯比諾的創作注重觀察、解構，高超的捏塑功力悠遊於寫實與抽象之間。而最為人津津樂道的，莫過於在極短時間內結合音樂發展出的獨特現場雕塑表演。「黏土中的交響樂」（Symphony in Clay）即為他伴隨著貝多芬第五號交響曲，於二十分鐘內將逾百公斤的黏土捏塑成大音樂家的半身像，博得滿堂喝采。

多年來，魯比諾秉持「用熱誠去追尋」（Pursuit it with Passion）的理念，亦著有兩本不可多得、嘉惠後世的雕塑技法教學書。本書《肖像雕塑法》將其豐富的創作及教學實務化為圖文說明，逐步講解從材料準備、工具介紹、頭部結構觀察、現場雕塑演示、五官細節雕塑到燒製處理的完整過程。如此大師典範，引領世界各地無數雕塑學習者踏上創作之路。

本書特色

簡明直觀的圖文解說

近300張實作示範照，搭配清晰具體的核心要點

實用易學的創作技巧

強調實用，基礎技法強調實用、易於學習，初學者也能成功塑造肖像

結構拆解深入淺出

從解剖學出發，透視骨骼肌理、掌握五官比例，營造人物真實感

亞馬遜網路書店五星好評

使用真人模特兒進行雕刻的照片清晰、詳細，清楚說明了該區域的重點。
按照魯比諾的指示，我在第一次嘗試時就能構建出非常高的相似度。如果您想依循正確的方向上手並確定基礎知識，我無法想像有更好的書。
當我開始認真研究雕塑之後，借助這本書獲得極大的改進。我必須向所有對雕塑有興趣的人傳達這本書的重要性。

古今中外艺术名著系列：古典油画技法精粹（精装版）探索光影的魔术，捕捉永恒的瞬间本书汇集了文艺复兴至十九世纪末期欧洲大师们的油画创作心血与技术结晶，旨在为当代艺术家和艺术爱好者提供一套全面、深入且极具实操性的古典油画学习指南。我们摒弃了空泛的理论叙述，专注于对“如何观看”与“如何表现”的精细拆解，带领读者穿越时空，亲临那些艺术史上的关键时刻，掌握那些曾被视为秘传的技法。第一章：媒材的对话——从准备到底层的艺术油画的生命始于它所依附的基底。本章详尽考察了不同时代对画布、木板的选择与处理。我们不仅探讨了亚麻布、棉布的纹理特性如何影响最终的笔触感，更深入解析了历代大师们为确保颜料附着力与持久性所使用的复杂底层处理——从动物胶的调配比例到石膏（Gesso）的层数堆叠。详细内容包括： 1. 传统骨胶的制作与应用：详细记录了从动物骨骼提炼至熬制、过滤的完整流程，并对比了现代替代品的优劣。 2. 底料的哲学：分析了白色、灰色乃至深色底对画面色调产生的决定性影响。例如，伦勃朗偏爱的暖灰底与提香常用的深红色底，如何引导了他们对光线的处理方式。 3. “禁忌”的材料学：探讨了维米尔等画家使用的特殊矿物粉末作为底料的秘密，以及如何安全地在现代工作室中重现这种效果。第二章：色彩的炼金术——颜料的研磨与调配油画颜料的质感与色彩深度，往往取决于其研磨的精细程度和油的媒介剂的恰当配比。本章聚焦于颜料的物理性质，教会读者如何从矿物与植物中获取最纯净的色彩。深度解析色彩系统：古代颜料的“脾气”：详细考察了群青（Lapis Lazuli）、朱砂（Vermilion）、天然赭石等天然矿物颜料的颗粒结构、光照反应及耐候性。我们不满足于识别它们，而是要理解它们在混合时的流动性差异。媒介剂的配方解密：深入分析了油（亚麻籽油、罂粟油、核桃油）的干燥速度、光泽度和透明度的区别。特别展示了十七世纪画家如何通过混合松节油、树脂（如达玛树脂、科洛芬树脂）来调制出具有特定流动性的“画油”（Mediums）。灰色的诞生：阐述了古典油画中“高级灰”的构建逻辑。这不是简单地将所有颜色混合，而是通过邻近色的精确控制、高光与暗部的色彩对比，实现色彩的统一与和谐。第三章：光影的雕塑——古典素描与光线模拟古典油画的核心在于对三维形体的精确塑造，这完全依赖于对光线物理特性的深刻理解。本章将素描的基本功提升至油画的层面，教授读者如何“用色彩来描绘体积”。核心技法训练： 1. 明暗对照法（Chiaroscuro）的精妙运用：区别于现代的色彩分析，古典技法强调光线投射方向的单一性与强烈对比。书中详细拆解了卡拉瓦乔和委拉斯凯兹如何利用“剧场光”来突出焦点，以及如何处理被遮蔽区域的“环境光”反射。 2. 解剖与比例的几何学：结合人体骨骼与肌肉的结构图，指导读者如何在绘制复杂姿态时，准确判断体积的曲率和受光面。 3. 层次构建（Layering for Volume）：介绍如何通过多层不透明层（Impasto）与透明罩染（Glazing）的交替进行，来模拟皮肤、丝绸或金属在光线下微妙的质感变化，实现形体的“浮现”。第四章：笔触的语言——肌理与表现力油画的魅力在于其可触及的肌理。本章聚焦于画家运用画笔、画刀等工具时所展现的独特“笔触语言”，这是区分大师与匠人的关键所在。笔触的科学与艺术：笔触的“方向性”：分析了鲁本斯狂放流畅的笔触如何引导观者的视线，与安格尔细腻到几乎不可见的笔触（“玻璃般”的表面）形成的鲜明对比。湿接法（Alla Prima）与干接法的抉择：详细对比了快速完成的“一次画法”在捕捉瞬间动态上的优势，与需要多天干燥的“分层画法”在追求完美过渡上的优势。画刀的革命：探讨了十九世纪印象派画家如何利用画刀的边缘来切割颜色，创造出富有活力的斑块，以及这种技术对传统油画的冲击与融合。第五章：光线与氛围的掌控——罩染与细节的终结油画的“完成”并非意味着颜料的堆砌，而是对整体氛围的最后调和。本章是关于“收尾”的艺术。收官技艺： 1. 透明罩染（Glazing）的艺术：这是赋予画面深度和光泽感的关键步骤。书中详细指导如何精确计算树脂、稀释剂和极少量颜料的混合比例，以达到“穿透”底层色彩，产生宝石般光泽的效果。特别关注如何使用浅黄色或淡蓝色罩染来统一画面的色温。 2. 高光处理（The Final Touch）：讨论了如何使用厚涂的、纯净的颜料点缀在最受光照的区域（如眼睛、珠宝的边缘），以制造视觉的闪光点。 3. 作品的保护与修复基础：简要介绍了传统凡尼斯（Varnish）的种类及其对画作色彩的长期影响，为学习者提供了维护其艺术成果的初步知识。本书不仅是一本教程，更是一部跨越时空的技法档案，旨在帮助当代创作者超越模仿，真正领悟古典大师们是如何用画笔与颜料，构建出一个个不朽的视觉世界。通过对材料、光线和笔触的深入研究，读者将能够将油画提升到一种结构严谨而又充满生命力的表达形式。

著者信息

作者簡介

彼得‧魯比諾Peter Rubino
美國著名的雕塑藝術家。1947年出生於紐約布魯克林區，於美國國家設計學院（National Academy of Design）接受嚴謹的藝術專業訓練。作品形式從人物肖像到大型抽象雕像皆有，為世界各地許多重要機構典藏。魯比諾集教學、創作、著作成就於一身，在美國和義大利傳授多年來親自驗證有效的方法，教學總能切中要點，使入門與高階學習者都能帶著自信，愉快地創作高品質的雕塑。

教學經歷
美國國家設計學院（National Academy of Design）
布魯克林博物館藝術學院（Brooklyn Museum Art School）
銀礦藝術中心（Silvermine Arts Center）

肖像作品
好萊塢西部片巨星大衛‧卡納里（David Canary）
傳奇爵士鋼琴家戴夫‧布魯貝克（Dave Brubeck）
美國前總統巴拉克‧歐巴馬（Barack Obama）
美國職棒大聯盟最偉大一壘手盧‧賈里格（Lou Gehrig）

全身及大型雕塑作品
「萬物之母」（Mother of All Life）
收藏於本•古里安大學（Ben Gurion University）
「天使」（Angel）
收藏於美國迪士尼公司（Walt Disney Company）
美國職棒球員「羅傑‧馬里斯」（Roger Maris）
收藏於丹伯里鑄幣廠（Danbury Mint）

教學著作
肖像雕塑法（The Portrait in Clay）
人像雕塑法（Sculpting the Figure in Clay）

譯者簡介

謝汝萱
曾任出版社編輯，現為自由譯者，近期譯作包括《什麼時候心才能不那麼累》、《暗示自我的力量》、《如何給自己一份無價的禮物》、《敘事弧》、《尋找新樂園》、《虔誠．超凡．梵蒂岡》、《當代酒標藝術》等。譯文賜教信箱：juhsuan9@gmail.com。

图书目录

引言
第一部基本原理
頭顱
頭部各面

第二部雕塑過程
材料與工具
雕塑現場模特兒肖像

第三部臉部各項特徵
鼻子
眼睛
耳朵
嘴與下巴

第四部最後加工階段
挖空雕塑
燒成
銅鏽與底座

參考資源
中英詞彙對照表

图书序言

ISBN：9789864802104
EISBN：9789864802142
規格：普通級
出版地：台灣
適讀年齡：10歲~99歲
檔案格式：EPUB固定版型
建議閱讀裝置：平板
TTS語音朗讀功能：無
檔案大小：37.1MB

本書分類：藝術設計> 雕塑> 塑像

图书试读

王維妮（楊英風美術館館長）

首先要感謝城邦集團的易博士出版社，為社會的藝術小眾出版這麼專業的工具書，身為前輩大藝術家楊英風和現代雕塑家楊奉琛的家人，備感榮幸能推薦此專業知識。

「雕」是把材料如木、石……等，運用雕鑿的工具，一塊塊地去除；而「塑」是相反地，由泥土等等的材料，一塊塊地往上疊加。所以「雕塑」這兩個字的意涵，包括了「加」與「減」，「陰」與「陽」的相對性，也因如同太極的陰陽兩儀，它成就了從古到今的所有造形的變化。無論過去傳統的工藝，或到當今現代的雕塑，都離不開最根本的原點——「陰」與「陽」，就如同雕與塑在字義上，已清楚表明了「加」與「減」。

學習人像雕塑，除了磨練各種技巧和長期的經驗，並可以逐漸累積到「熟能生巧」的地步，但最重要的是將人物的精、氣、神融入雕像內，這樣的塑像才有了靈氣與神采！
精采的雕像，在捏塑間同時可以表達人物的風格內涵，像雕塑音樂家、指揮家或者藝術家，最重要是可以從髮型、眼神、眉宇之間，甚至泥塑的觸感，創造出他的精神和氣質。
因此這本書，除了幫助初學者在清楚的步驟中，學到實用的技巧，進而在累積熟練經驗後，成為成熟的雕塑創作者。

好的雕塑是可以說話的，它可以像一部文學鉅作、一門哲學思想、一曲動人的樂章，它是發人深省的，啟迪心靈的，它是在表達深度內涵的，這些都應該是雕塑創作者努力的方向。雕塑人像不難，從這本書開始！

陳銘（國立臺灣藝術大學雕塑學系副教授）

從書名可看出這是一本工具書，作者彼得‧魯比諾（Peter Rubino）本身是位雕塑家，也是紐約國家美術學院的教師，1997年在家人和朋友的支持和協助下，編寫這本《肖像雕塑法》，幾乎很快地成為雕塑工作者重要的參考書。

本書的完備在於它鉅細靡遺地講述肖像塑製的過程與重點，甚至用剖析的方法圖解塑造過程。這對一個剛進入雕塑範疇的學習者來講是淺顯易懂的。也是二十餘年來一直為雕塑新鮮人所鍾愛的因素。它不僅僅是肖像製作的參考依據，同時也是「後肖像」階段繁瑣的陶塑成形與燒製方法的重要指引，幾乎可說是近二十年來無出其右者。

「觀察」，是進入雕塑製做前很重要的一個課題，我也是如此要求學生，「眼睛觀察到的，手才跟得上做得出。不用眼睛觀察與腦袋思考，是沒辦法表達出被塑者動態與情緒的」。本書幾乎是把這些問題，做細緻的圖解和有秩序的編撰整理，導引讀者觀看並解析成形步驟，是雕塑初學者不可多得的好書。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我不得不说，作者对于“材料与媒介”的讨论深度远远超出了我的预期。我原以为这是一本专注于传统雕塑的指南，但书中关于如何让不同的材料——无论是坚硬的大理石、温润的木头，还是柔软的蜡——来“讲述”人物的故事，有非常精彩的论述。特别是关于“材质本身的语言”那几节，让我想起了我多年前尝试用陶土捏制的一个小人，当时总觉得成品缺乏生命力，现在回想起来，可能就是因为我没有真正理解陶土在烧制后会呈现出的那种粗粝质感所能表达的情绪。书中详细分析了特定材料的物理特性如何反作用于艺术家的创作意图，这是一种非常高阶的讨论维度。它教导我们，与其说是我们在控制材料，不如说是我们学会了如何聆听材料本身的诉求，并引导它去最大化地服务于肖像的主题表达。这对于任何想超越“手艺”层面，进入“创作”层面的学习者，都是极具启发性的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的理论性稍微有点重，对于像我这种更偏向实践操作的爱好者来说，一开始阅读的门槛确实不低。我原本是想找一本可以直接上手教我如何处理粘土或者石膏的技法书，但这本书更像是一本深层次的艺术哲学导论。不过，当我耐下性子读完关于“面部表情的心理学基础”那一章后，我开始明白，好的雕塑绝不仅仅是复制一张脸，而是要捕捉人物在特定时间点的情绪核心。作者引用了大量古典雕塑的例子进行分析，那些我以前走马观花看过的作品，现在在文字的引导下，我能看到雕刻家是如何通过调整眉骨的倾斜度、嘴角上扬的弧度，来传达出“威严”或“哀伤”的。虽然书中没有给我太多关于现代材料（比如树脂或3D打印）的使用建议，但它建立的理论框架非常坚实，让我感觉，即便以后换了任何材料，只要掌握了这些关于“内在真实”的表达方法，作品的灵魂就不会跑偏。对于想从“匠人”晋升到“艺术家”阶段的朋友来说，这本书提供的思维升级是无价的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得很吸引人，那种沉稳的色调搭配上精致的排版，一看就知道是本有份量的作品。我最近迷上了收藏一些老物件，尤其是那种有故事感的木雕和石雕，这本书的某些章节虽然没有直接触及到我最感兴趣的领域，但它对于“形体”与“神韵”的探讨，真的让我茅塞顿开。比如，它对光影如何塑造立体感的论述，让我重新审视了手上那尊清代的小型木雕佛像，以前只觉得“好看”，现在能从雕刻家的手法上去理解那种光线落在凹凸不平的表面时产生的微妙变化。虽然书里主要聚焦在“肖像”这个主题上，但我发现，很多关于人体结构解剖学的分析，对于理解任何三维艺术品的内在骨架都是相通的。我特别喜欢它提到的一些大师访谈录的片段，那些老一辈艺术家对于材料特性的执着和对“神似”而非“形似”的追求，那种匠人精神，光是阅读文字都能感受到那种温度。这本书的深度是需要时间去消化的，不是那种翻完就能立刻上手的工具书，更像是一本可以常年放在案头，每次翻阅都能发现新领悟的艺术理论宝典。

评分☆☆☆☆☆

对于一个在台湾生活，习惯了接受日韩系精细化审美熏陶的读者来说，这本书带来的冲击感在于它对“力量感”和“原始性”的强调。作者似乎不太在意那种过于精致、追求无可挑剔的表面光洁度，反而推崇那些带着刀痕、甚至略显粗粝但充满生命张力的作品。书中穿插的许多非西方传统肖像的案例，比如非洲部落的面具艺术，或是某些原始壁画中的人像符号，其处理手法与西方学院派形成了鲜明的对照。这种跨文化的比较视野，极大地拓宽了我的审美边界。它让我意识到，完美并不等于动人，有时，不完美中的张力和未经雕琢的原始冲动，更能捕捉到人性的复杂面向。这本书不是在教你如何“做”一个雕塑，而是在激发你思考，你想要通过这个雕塑，向世界“传达”一种什么样的、超越表象的、更具震撼力的存在感。它更像是一剂强心针，让你敢于在创作中注入更多的个人风格和强烈的、甚至略显“失控”的情感表达。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧（即使是电子版）也体现出一种对阅读体验的尊重。纸张的留白恰到好处，文字的密度适中，不会让人感到压迫。我最欣赏的一点是，作者在介绍历史脉络时，并没有采用那种平铺直叙的编年史写法，而是巧妙地将不同时期对“美”的理解变化，穿插在具体案例的分析中。比如，书中有一段对比了文艺复兴时期对理想化人体美的追求，与后现代主义对人体碎片化、解构性表达的探索，这种对比分析，让我对艺术史有了更动态的理解。虽然我个人的审美更偏向于古典的和谐比例，但作者客观地展示了每一种风格背后的社会文化动因，让我避免了陷入“非好即坏”的简单判断。对于希望系统性建立艺术史观的读者，这本书提供了一个非常扎实且有深度的切入点，它成功地将繁复的历史细节，梳理成了一条清晰的、围绕着“人像再现”这一核心命题的演进长河。