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二十六位中国当代艺术家的访问集结
检视浮光掠影背后，中国艺术新浪潮的真实涌动

　　横扫近年国际艺术市场的中国艺术热，将作品动辄上百万美元的张晓刚、王广义、方力钧、岳敏君，树立成中外艺坛莫能忽视的四大金刚，也使得在他们身侧左右的中国艺术家，皆以其商业潜力难以测度，而顿时由僻寂角落跃入大众眼帘。在市场和学界的披沙拣金尚未落定之前，这波席卷全球艺术市场的中国艺术新浪潮中最显而易见的符号---咧嘴笑的大脸、光头、经处理的毛泽东时期海报标语和图像、面具、传统家庭照等---便大抵构成了今天人们眼中的中国当代艺术面貌。然而，中国当代艺术是否就如这些浮光掠影所泛指的种种，别无其他？

　　《新中国 新艺术：中国当代艺术家访问录》为二十六位中国当代艺术家的访问集结，其中多篇原来刊载于《艺术收藏+设计》杂志的「艺术家工作室」单元。在四大金刚之外，此本访问录亦包含了徐冰、蔡国强、曾梵志、刘野、刘炜、周铁海、罗中立、何多苓、周春芽、艾未未、俸正杰、王庆松、陈文波、展望、崔岫闻、洪浩、隋建国、杨飞云、叶永青、谷文达、杨少斌、刘小东等近年来在国际艺术市场或学界锋头正健的中国艺术家，使人可从近年如逢巨变的中国社会脉络中，辨出在浮光掠影背后，夹杂着传统、新建、淡泊、逐利、鲜艳、素朴的中国艺术新浪潮，其来势汹汹的涌动。

好的，这是一本关于20世纪中叶至当代欧洲现代主义艺术运动的深入研究的图书简介，内容详实，旨在探讨艺术史上的关键转折点和主要流派的演变。 --- 欧洲现代主义的迷宫：从立体主义的结构革命到后现代的身份重塑 本书聚焦于20世纪上半叶至冷战结束期间，欧洲大陆上艺术思潮的剧烈碰撞、流派的兴衰更迭，以及艺术家们如何回应社会、政治和技术的深刻变革。 这部著作摒弃了简单的风格罗列，而是深入剖析了支撑起整个现代主义精神内核的哲学基础、社会语境和技术创新。 第一部分：现代性的黎明与结构的瓦解（约1905-1930） 本部分将详尽考察立体主义（Cubism）如何从根本上颠覆了文艺复兴以来的西方再现传统。我们不仅会分析毕加索和布拉克如何通过多重视角和平面化处理打破了单一的观察点，还将探究这一几何化倾向如何迅速外溢，影响到建筑设计、文学叙事乃至音乐结构。 立体主义的遗产与回响： 重点章节将细致描绘立体主义向更激进方向发展的两种主要路径： 1. 未来主义的动能崇拜： 分析意大利未来主义者如何将对速度、机器和暴力的迷恋转化为一种视觉语言，探讨其美学与政治倾向（特别是与法西斯主义的复杂关系）。 2. 至上主义与构成主义的抽象理想： 深入研究马列维奇在俄罗斯的“绝对艺术”尝试，以及塔特林和罗德琴科如何将艺术创作转化为社会工程的一部分。这部分内容将重点区分俄国革命语境下，抽象艺术如何被视为一种乌托邦的先声。 达达主义的“反艺术”宣言： 随后，我们将转向达达主义，将其视为对第一次世界大战的理性主义幻灭所做出的激烈反应。本书将详细阐述杜尚的现成品（Readymade）如何从根本上挑战了“艺术品”的定义和艺术家的权威性。通过对科隆、柏林、苏黎世和巴黎等地达达社群的比较研究，我们揭示了达达主义虽然短暂，却为后续的观念艺术奠定了不可磨灭的基础。 第二部分：超现实的探秘与战前的焦虑（约1920-1945） 本书的第二部分致力于挖掘潜意识的能量，重点剖析超现实主义（Surrealism）的理论根基与实践广度。 布勒东的理论框架： 我们将从心理学角度出发，细致梳理超现实主义如何系统地吸收了弗洛伊德的精神分析理论，并试图通过自动书写、梦境解析和客观偶然性（Objective Chance）来开启“更高的现实”。 跨媒介的实践： 本部分将超越绘画领域，分析萨尔瓦多·达利、马格里特和米罗等人在媒介上的创新。例如，达利的偏执狂批判法（Paranoiac-Critical Method）如何构建出令人不安的幻觉空间，以及米罗如何发展出一种看似幼稚、实则充满符号学的有机抽象。同时，也会涉及超现实主义在摄影和电影（如布努艾尔的作品）中的关键影响。 风格的危机与政治的阴影： 鉴于欧洲地缘政治的恶化，本章还将探讨艺术如何试图抵抗或介入政治现实。超现实主义者在西班牙内战期间的立场，以及面对纳粹政权对“堕落艺术”的清洗时，许多欧洲艺术家被迫流散的命运，都构成了现代主义进程中无法回避的悲剧性侧面。 第三部分：战后欧洲的重建与新方向的探索（约1945-1970） 第二次世界大战的结束标志着欧洲艺术重心的转移和新的哲学思潮的涌现。本部分将深入探讨战后欧洲艺术家如何处理创伤、重建文化身份，并与新兴的美国抽象表现主义进行对话与分野。 抽象的回归与“质朴的纯粹”： 我们将首先关注战后对纯粹抽象的再确认，特别是欧洲的“非具象艺术”（Art Informel）和“具体艺术”（Art Concret）。 1. 法国的行动派： 详尽分析塔皮埃斯和德·斯塔埃尔等人的“肌理派”（Tachisme），探讨他们如何通过粗粝的物质性和厚重的颜料来表达战后的沉重感和对人类存在的物质性追问。 2. 瑞士的几何纯粹： 对比分析瑞士的具体艺术运动，探讨他们如何坚持理性的、清晰的几何形式，试图在混乱中建立秩序，这与法国的激情表达形成了鲜明对比。 焦点：新现实主义（Nouveau Réalisme）的登场： 重点章节将描绘伊夫·克莱因、阿曼和丹尼尔·布伦等如何发起对美国抽象表现主义过度主观性的反动。新现实主义者通过直接挪用和累积日常物品（如消费废弃物、广告海报、甚至活体表演），试图将艺术带回社会现实，预示了波普艺术在欧洲的对应面。克莱因的“新现实主义”与他标志性的“国际克莱因蓝”（IKB）的哲学意义，将被置于对“空”与“无限”的探索中进行解读。 第四部分：结构主义的渗透与观念的浮现（约1960-1980） 本书的最后部分，将关注艺术如何逐渐脱离物质性和感官体验，转向对符号系统、语言结构和观看过程本身的质疑。 图像的解构与身体的介入： 探讨后现代思潮在艺术领域的前奏。我们会研究某些倾向于分析媒介本身的艺术家，他们开始关注印刷、大众媒体和日常符号的权力结构。同时，本书将考察欧洲在身体艺术（Body Art）和阶段表演（Performance Art）方面的独特贡献，特别是强调在严格的体制外进行创作的艺术家群体，他们如何利用身体的局限和脆弱性来挑战既有的审美范式。 结构主义的哲学反思： 深入分析结构主义和符号学思想（如罗兰·巴特和福柯的思想）如何潜移默化地影响了欧洲的艺术实践，促使艺术家开始“去中心化”作者的概念，关注作品的接受过程和语境依赖性。 结语：现代主义的终结与语境的胜利 全书的收尾部分将总结20世纪欧洲艺术的几个核心议题：从对“天赋”的崇拜到对“系统”的质疑；从对终极真理的追寻到对多重意义的接受。本书旨在全面展示欧洲现代艺术史的复杂性、内在的矛盾性，以及它如何为全球当代艺术的多元化格局铺平了道路。 --- 目标读者： 本书适合对20世纪西方艺术史、哲学思潮与社会文化史有浓厚兴趣的专业研究者、艺术史学生以及寻求深入了解现代艺术精神内核的普通读者。全书配有详尽的注释和高分辨率的图版索引，旨在提供一个严谨且富有洞察力的历史叙事。

序

平静创作追寻艺术的乌托邦主义者—王广义
享受生活，乐在创作的思想修炼者—方力钧
坚持放缓的创作延续性—岳敏君
关于天书，关于文本、观念与艺术—徐冰
现代艺术的无限可能，就在于芸芸大众都可以感到很好玩—蔡国强
回想初衷，探索艺术潜能的挖掘者—张晓刚
面具下的真我—曾梵志
理性结构述说内心所欲传达情感故事—刘野
挑战，让才情得以淋漓尽致—刘炜
艺术，讲创意也谈策略—周铁海
当代艺术语境下的中国精神—罗中立
追寻隐藏于艺术中的诗性—何多苓
散发璀璨生命力的色彩—周春芽
在「破」与「立」之间，自由表述的创作观念—艾未未
让艳俗成为当代艺术的另一种风情—俸正杰
既艳俗又前卫，颠覆式的仿真世界—王庆松
让绘画成为记录社会与时代的视觉档案—陈文波
现代人文对话的新石头记—展望
从油画到摄影世界的女性主义叙事—崔岫闻
以视觉还原的解构意识—洪浩
雕塑，一如物理性沉思与感官的飙速—隋建国
温柔含蓄渗透心灵的写实油画—杨飞云
玩味繁复与简单的涂鸦绘画—叶永青
以水墨为起点，走前卫之路—谷文达
以艺术抒发暴力、阐述人性—杨少斌
以画笔纪实，以镜头记录—刘小东

序

　　自1998年高名潞在美国策画的「中国新艺术展」，与隔年史泽曼担任总策展人的第四十八届威尼斯双年展上，陈箴、蔡国强和黄永砯等中国当代艺术家的露面，以及范迪安策展的第五十一届威尼斯双年展中国馆之后，国际艺坛开始对这个它所长期忽视的新中国的艺术力量，投以关注。

　　中国的前卫艺术可追溯至1959年成立的无名画会，这个约廿位艺术家组成的画会曾于1974年举行公开画展，这也是第一个已知的非官方画展。1978年底至1979年初，中国的新艺术开始萌芽，当时一群艺术家开始创作以文化大革命的失败和代价为主题的作品，这些在1979年秋天首次展出的「伤痕绘画」虽然仍以歌颂文化大革命为主，但却表现出以往未被承认的身心创伤。同年，星星画会在北京开展，吸引了四千名观众参访。在星星画会之后，艺术形式上的实验陆续出现，而在80年代达到颠峰，最后做为一种现象表现在1989年栗宪庭、高名潞等人在中国美术馆策画的「中国现代艺术展」里，这场集结一百八十六位艺术家共两百九十三件作品的展览，原预定展出两週，但其间被迫关闭两次。

　　另一方面，在整个国际艺术活动的平台上，发主导声音的主要是西方国家的艺术，「西方中心主义」这种文化观念是佔据主流的。这种趋势从20世纪最后几年开始逐渐起了变化。国际艺术界，包括在西方艺术中心的内部产生一种向外眺望，向非西方国家的文化和艺术汲取经验、谋求交流的态势，形成世界文化的多元主义取代原先的西方中心主义。中国处在开放的社会变革中，展现出自己非常充沛的生机和活力。一位艺评家就曾指出：就中国艺术自身而言，经过了改革开放二十年的发展，到新世纪之交的时期，也表现出与国际社会交流和交往的新的愿望。从中国新艺术的发展历程来看这个必然性，20世纪80年代的中国艺术主要是借助西方现代艺术的已有成果，来调整原有单一的艺术观念和艺术标准。80年代中国艺术的主要标志是艺术的变革，特别是对原有艺术单一面貌的修正。到了90年代，随着中国市场经济体制的发展，整个艺术上的多样化也急遽地表现出来，中国新艺术到了此时表现出一种要在当代层面上与国际对话的潜质，成为丰富和调整国际艺术格局的一种力量。进入21世纪，中国的艺术生态发生了深刻的变革，从生活方式到所採用的语言及探索的观念取向，都是愈来愈个体化、多元化。

　　中国当代艺术今日的活络和市场经济体制的发展，是从2000年开始成形，那年的第三届上海双年展可说为转捩点。随后商业画廊一个接一个出现，国际收藏家和拍卖公司开始出现中国热，使中国政府开始改变态度，转而把艺术当成达成商业和外交目标、进而巩固其全球地位的手段。中国当代艺术家的作品因为蓬勃的市场而愈发热络，例如2006年便是相当火热的一年。张晓刚、岳敏君、方力钧这些艺术家的作品等，为苏富比在中国当代艺术这块的收益增加了四倍之多，总计超过6000万美元。2006年11月佳士得在香港的拍卖会上，光是中国当代艺术便有6800万美元的拍价。刘小东的〈三崃新移民〉一幅油画在保利拍出275万美元的成交额，当时保利拍卖的总经理指出，中国当代艺术不仅在西方市场热门，连在本土都很抢手。

　　许多中国艺术家走向国际，不仅是声誉上的获得或市场上的效应，更是显示中国艺术自身的丰满、发展和水平的提高，能够在国际舞台上展示中国艺术的当代价值，中国当代艺术家的视野已经处在一个全球的信息圈中，大家开始关心个体的交流，形成了在全球化背景下中国艺术多种样式共存的一种生态，它处在当代，具有当代文化的属性和文化心理。

　　《新中国 新艺术——中国当代艺术家访问录》这本书，大多原是《艺术收藏＋设计》杂志从2008年4月号开始每期连载的「中国当代艺术家工作室」专栏至2010年3月内容集结出版的单行本，总计包括王广义、方力钧、岳敏君、徐冰、蔡国强、张晓刚、曾梵志、刘野、刘炜、周铁海、罗中立、何多苓、周春芽、艾未未、俸正杰、王庆松、陈文波、展望、崔岫闻、洪浩、隋建国、杨飞云、叶永青、谷文达、杨少斌、刘小东等二十六位中国当代艺术家的访问实录。他们都是上个世纪80年代以来活跃在中国当代艺坛的重要人物，访问多数是在他们的工作室进行，同时以摄影呈现每一位艺术家工作室实景，并选刊十多幅以上的代表作，可以真正阅读透视他们的创作心灵、欣赏作品内涵。二十六位名单，仅是已经连载的集结，这个受人欢迎与重视的「艺术家工作室」专栏，还在陆续进行採访与连载，日后也将推出续集。

　　透过本书系的出版，我们不仅可以抽样性的看出中国当代艺术的特质与概貌，更可进一步观察了解中国当代艺术何以会形成今日多元的模样。

何政广

评分☆☆☆☆☆

我总是对那些能够记录时代声音的艺术作品感到由衷的敬佩，而这本书的名字“新中国，新艺术”就暗示着它与这个时代有着千丝万缕的联系。我想，书中采访的艺术家们，他们的创作一定深深地烙印着时代的印记，他们用自己的艺术语言，记录着新中国的发展变迁，也表达着对当下社会的观察与思考。我非常好奇，在不同的历史时期，艺术家的创作主题和风格会发生怎样的变化？他们是如何在时代大潮中，找到自己的定位，并坚持自己的艺术追求的？这本书可能会揭示出，艺术家们的作品是如何反映社会现实的，他们是如何通过艺术来表达自己的观点和情感的。我期待能够从中了解到，在“新中国”这个特殊的历史背景下，艺术家们是如何在观念、形式、媒介等方面进行创新，从而推动中国当代艺术向前发展的。这不仅仅是对艺术的了解，更是对一个时代的深刻洞察。

评分☆☆☆☆☆

作为一名普通的艺术爱好者，我常常被那些充满生命力的艺术作品所打动，但往往很难理解其创作的背后逻辑。这本书的出现，恰好填补了我在这方面的空白。我期待它能以一种平易近人的方式，将复杂的艺术理念和创作过程解读清楚。我希望书中能够用生动形象的语言，讲述艺术家们是如何从日常生活中汲取灵感，如何通过反复的实践和思考，最终将抽象的想法转化为具象的艺术作品。例如，当看到一幅色彩斑斓的油画时，我希望了解作者是如何选择这些色彩的，它们分别代表着怎样的情感或寓意？当欣赏一件造型奇特的雕塑时，我希望能知道艺术家是如何构思其形态的，材料的选择又有什么特殊含义？这本书，就像一位耐心的向导，带领我走进艺术家的内心世界，让我不仅仅是“看”艺术，更能“懂”艺术，从而更深层次地欣赏和理解它们的美。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书名本身就带着一种磅礴的气势：“新中国，新艺术”。这四个字仿佛召唤着一个充满变革与活力的时代，一个艺术家们勇于探索、敢于创新的年代。我猜想，书中收录的艺术家们，一定是中国当代艺术领域举足轻重的人物，他们的作品代表着中国艺术最前沿的探索方向。他们是如何在“新中国”的土壤上，生长出“新艺术”的呢？这其中的联系和张力，让我无比着迷。我想知道，这些艺术家在创作时，是否自觉地回应着时代赋予他们的使命？他们又是如何将中国传统的文化元素与现代的艺术理念相结合，创造出具有中国特色的当代艺术？我期待能够看到他们对西方艺术理论的吸收与转化，以及他们如何在此基础上，形成自己独特的哲学思考和艺术主张。这本书，或许能为我们描绘出一幅中国当代艺术发展的宏伟画卷，让我们看到艺术在中国这片土地上，如何焕发出勃勃生机。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是太有品位了！初次拿到手里，就被它沉甸甸的质感和封面那副极具张力的当代艺术作品所吸引。设计师在材质的选择上一定花了很多心思，触感温润而又带着某种坚韧，仿佛呼应了书中那些艺术家们创作时的坚守与力量。翻开扉页，墨色的留白与作品图像的鲜活形成了巧妙的对比，让人在阅读之前就感受到一种仪式感。纸张的厚度适中，印刷色彩饱满且还原度极高，每一幅作品图片都仿佛可以触摸到颜料的肌理，细节之处的呈现更是让人赞叹。字体的大小和行距也恰到好处，长时间阅读也不会感到疲劳。封面的设计并非简单的堆砌，而是经过深思熟虑的构图，将“新中国”的时代背景与“新艺术”的创新精神巧妙地融合在一起，既有历史的厚重感，又不失现代的活力。这种精心打磨的细节，无疑为读者营造了一种沉浸式的阅读体验，也充分展现了出版方在艺术书籍制作上的专业与用心，让人在品味艺术的同时，也能感受到设计本身带来的美学享受。

评分☆☆☆☆☆

我一直对中国当代艺术的发展轨迹充满好奇，尤其是那些站在时代前沿、用画笔和雕塑表达思想的艺术家们。这本书似乎提供了一个绝佳的窗口，让我得以窥探他们内心深处的创作世界。想象一下，能够“亲临”艺术家们的工作室，听他们讲述创作的灵感来源，理解他们作品背后蕴含的深层含义，这本身就是一种无与伦比的体验。我期待书中能够深入剖析这些艺术家是如何在时代的变迁中，汲取养分，又如何突破传统，创造出属于自己的独特艺术语言。不知道他们会分享哪些鲜为人知的故事？是关于那些反复修改的作品，还是关于那些在困境中坚持的信念？我希望这本书不仅仅是展示作品，更能挖掘出艺术家们鲜活的个性、他们的思考方式，以及他们如何与中国社会、文化进行对话。那种从艺术家的口中直接流淌出来的真诚分享，远比任何旁观者的评论都来得深刻和动人，让我能够真正感受到艺术的温度与力量。