日本美术101鑑赏导览手册 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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绘画是视觉的享受，音乐带来听觉的愉悦，料理则是借由味蕾而带来感动。好吃与否并不需要长篇大论，可以透过立即性的直感体验而心领神会。美术的鑑赏也是同样的道理……

－《日本美术101鑑赏导览手册》引言

　　◆  以简明方式依年代编排精选日本美术相关作品101件 ，深入浅出综览经典名作。
　　◆  彩色精印装订，图片精采。一本进入日本美术世界不可获缺的导览手册！

　　《日本美术101鑑赏导览手册》精心挑选了101件日本美术及相关的名作。书名虽名为「日本美术」，同时也包含了由中国漂洋过海至东瀛，并且对日本产生绝大影响力的绘画作品。以年代分类依序介绍日本各时期的经典名作，目录并以「中、日年表对照」方式编排交互参照。可清楚概览千年的日本美术进程，以及中国艺术对日本的影响。此外日本美术的传统当中，「书」自成领域，起源可追溯至中国。因此书末特地安排了中国书迹的名品解说，充实全书内容并构筑出全书的整体架构。内文中每件作品皆以一页做介绍，第个二页面则进一步深入美术鑑赏领域。引领读者由浅入深，更亲近艺术的天地。

　　美术鑑赏存在着特殊的方法或祕诀，如同品味美食一般。当我们品尝到佳餚，便会渴望进一步了解料理的材料、调味方式等，甚至会好奇这位厨师究竟是何方神圣？同样的，伫立于美好的作品之前，我们也会渴望知道，究竟是什么样的时代？什么样的土地？什么样子的方式？可以孕育、创作出此等扣人心弦的作品。艺术鑑赏的世界便是由此展开。《日本美术101鑑赏导览手册》将提供开启这个世界的钥匙，带领我们以坦率的心情进入美术殿堂。除了这本导览书之外，还有姊妹篇的《西洋美术101鑑赏导览手册》即将推出，如能合併参照阅读，将可以更深刻地理解美术的趣味性，并能尽情享受美术的盛宴。

译者简介

郑夙恩

　　1971年出生于台湾台南市。目前为亚洲大学创意设计学院专任助理教授。

　　台湾大学社会学系社会学组毕业，负笈日本留学。先后于神林恆道教授及藤田治彦教授指导下，取得国立大坂大学文学研究科文化表现论专攻美学领域之硕士学位与博士学位。曾任树德科技大学通识教育学院专任助理教授兼艺术组召集人。

　　着作：
　　《近代美术馆发展之研究》（财团法人台湾省文化基金会出版，2002年）、「世界遗产专栏」12篇（《艺术家》No340-351）等。

亚洲传统艺术的深度漫游：从印度到东南亚的瑰丽图景 导论：超越东亚，探索多元的亚洲美学脉络 本书旨在为艺术爱好者和专业研究者提供一份详尽的导览，聚焦于日本美术之外的亚洲艺术领域，特别是南亚（印度次大陆）及东南亚的古代至近现代艺术发展历程、核心主题、材料运用及文化语境。我们相信，要真正理解亚洲艺术的整体面貌，必须跳脱出以中日韩为核心的传统框架，深入探索那些同样拥有悠久历史和独特美学体系的文明区域。 本书将带领读者穿越印度河流域的神秘遗迹，抵达高棉帝国的宏伟石刻，再至爪哇的佛教寺庙群，构建一幅广阔而精细的“亚洲传统艺术”的非日本侧面图景。 --- 第一部分：南亚的史诗与精神疆域——印度艺术的源头活水 本部分将聚焦于印度次大陆的艺术发展，这是一个从早期文明至今，不断融合与创新的艺术中心。 第一章：印度河谷文明的早期符号（约公元前3300年-前1300年） 本章首先追溯至被誉为人类文明摇篮的印度河谷文明（如摩亨佐-达罗和哈拉帕）。我们将详述出土的陶器、印章（Sealings）及其上铭刻的动物和神秘符号。重点分析“祭司王”小雕像的写实主义倾向，以及青铜“舞女”所展现的早期人体动态与工艺水平。这些早期遗存如何奠定了印度艺术中对生命力与象征意义的执着追求，是理解后世印度教和佛教艺术的基础。 第二章：孔雀王朝与犍陀罗艺术的交汇（公元前4世纪-公元3世纪） 本章深入探讨亚历山大大帝东征后，印度本土孔雀王朝（Maurya）的艺术特征，特别是阿育王石柱的柱头雕刻艺术，它们所体现的力量感、对称性与波斯影响的痕迹。 随后，我们将耗费大量篇幅研究犍陀罗（Gandhara）佛教造像艺术。这一时期的艺术是希腊化（Hellenistic）美学与印度本土宗教思想首次大规模碰撞的结晶。我们将细致辨析犍陀罗佛像（特别是早期的“劝说式”佛陀）如何借用希腊神祇的造型手法（如卷发、衣褶的“湿衣法”），塑造出具有西方美感特征的东方神祇形象。这种文化杂糅的成果，直接影响了稍后丝绸之路沿线的中亚佛教艺术。 第三章：笈多王朝的黄金时代与神性的确立（公元4世纪-6世纪） 笈多王朝被誉为印度古典艺术的巅峰。本章将重点解析这一时期艺术的“内在化”和“完美化”倾向。 1. 萨尔纳特（Sarnath）与秣菟罗（Mathura）风格的对比：我们将对比秣菟罗地区更具本土特征、体态丰腴的赤土陶塑风格，与萨尔纳特地区更加典雅、趋向于“光环化”的雕塑风格。 2. “水波纹”衣褶的象征意义：详细解析笈多时期佛像中，衣褶的描绘如何从犍陀罗的写实褶皱，演变为程式化的、象征性的“水波纹”或“铁水流淌”的风格，标志着艺术家开始关注内在精神而非外在形体。 3. 湿婆与毗湿奴的早期塑像：探讨印度教三大主神形象在这一时期的成熟与定型，以及这些神祇图像如何服务于复杂的婆罗门教义。 第四章：南印度：石窟寺与巨型寺庙的史诗（公元7世纪至今） 本部分将视线转向南印度，特别是朱罗（Chola）王朝的艺术成就。 1. “活的艺术”——朱罗青铜造像：重点剖析朱罗王朝时期青铜造像的精湛技艺，尤其是对“舞神”湿婆（Nataraja）的刻画。我们将从其复杂的四臂姿态、火焰光环、脚踏恶魔的象征意义，以及其在游行庆典中的功能性，来阐释印度教雕塑的动态美学。 2. 巨型神庙的建筑结构：分析坦贾武尔的布里哈迪希瓦拉神庙（Brihadeeswarar Temple）等代表性建筑，探讨其高耸的维摩那（Vimana）、精密的力学结构，以及布满神祇浮雕的墙体如何构建出一个完整的宇宙模型。 --- 第二部分：东南亚的信仰交融：石材上的帝国意志 东南亚艺术的独特之处在于其对印度教和佛教思想的吸收与本土化，并将其转化为令人震撼的建筑奇观。 第五章：中南半岛的早期影响与占婆文化（今越南） 本章介绍印度文化对中南半岛的初期渗透。我们将关注占婆（Champa）王国的艺术特征，特别是其独特的印度教寺庙建筑风格——塔状结构（Kalan）的演变，以及雕塑中常见的对湿婆（Shiva）的崇拜形象。分析占婆艺术如何融合了印度德干高原和爪哇地区的风格，形成其自身的粗犷而充满张力的美学。 第六章：高棉帝国：从吴哥窟到巴戎寺的宏伟叙事 这是本书对东南亚艺术的重中之重。 1. 吴哥窟（Angkor Wat）的建筑与叙事壁画：详细解读吴哥窟作为一座“宇宙山”的布局理念，重点分析其长廊上的巨幅浮雕，如何以史诗性的笔触描绘《罗摩衍那》和《摩诃婆罗多》的场景，以及高棉国王的战争功绩。分析其印度教-佛教混合信仰的特征。 2. 巴戎寺（Bayon）的神秘微笑：深入剖析苏利耶跋摩二世晚期美学的转变。巴戎寺巨型四面佛塔的“微笑面容”，其宗教含义（可能是菩萨或国王的合一），以及其对吴哥建筑群中“人脸”主题的极致运用。我们将探讨这种神秘、内敛且略带诡谲的表情，如何代表了高棉艺术的最终成熟阶段。 第七章：爪哇的佛教与印度教的辉煌交响 本章转向印度尼西亚群岛，探索爪哇岛上壮丽的宗教建筑。 1. 婆罗浮屠（Borobudur）：曼陀罗的石刻实现：全面解析这座世界上最大的佛教寺庙。我们将从其建筑的三界结构（欲界、色界、无色界）入手，详细介绍其七层回廊上总计数千幅的佛教本生故事浮雕。重点分析其浮雕的叙事风格（接近于连环画的连续性）以及雕刻人物的肢体语言，如何体现中爪哇艺术的圆润和饱满。 2. 普兰巴南（Prambanan）与“印度教复兴”：与婆罗浮屠形成对比，分析普兰巴南寺庙群如何集中体现对印度教“三神”（梵天、毗湿奴、湿婆）的推崇，特别是其高耸的中央神塔和其上的湿婆神像雕刻。 第八章：泰国与缅甸：上座部佛教的艺术流变 本部分探讨了艺术如何适应上座部佛教（Theravada Buddhism）的传播和本土化。 1. 素可泰（Sukhothai）的“火焰光芒”：介绍素可泰时期（13世纪-15世纪）泰国佛教造像的标志性特征，尤其是那独一无二的“火焰式背光”和佛陀“行走姿态”（Walking Buddha）。分析这些特征如何突破笈多和高棉的写实传统，追求一种超凡脱俗、轻盈飘逸的理想化神性表达。 2. 缅甸蒲甘（Bagan）的砖石艺术：分析缅甸蒲甘平原上数千座古老寺庙的建筑风格，其对中印建筑元素的吸收，以及壁画中对佛教戒律和地方神祇的描绘。 --- 结语：亚洲艺术多元性与相互影响的格局 全书最后将回归总结：通过对南亚和东南亚艺术的考察，我们可以清晰地看到，亚洲艺术并非铁板一块。它是一个由贸易路线、宗教传播、王朝兴衰共同编织出的复杂网络。本书揭示了印度文明如何作为“文化输出源”，滋养了周边多元文明的艺术形态，最终形成了今天我们所见的，既有统一的精神内核，又各具地方风貌的宏大艺术图景。读者将获得一个理解“亚洲艺术”时，不可或缺的、广阔而深邃的参照系。

引言
序言
日本美术史的时代区分── 神林恆道
中国美术史的时代区分── 萱纪子
目次
飞鸟时代
1.〈天寿国绣帐残欠〉7世纪
2.〈弥勒菩萨半跏思惟像〉7世纪前半
3.〈观音菩萨立像〉7世纪
4.〈玉虫厨子〉7世纪中叶左右
5.〈法隆寺金堂〉7世纪后半

奈良时代
6. 〈药师寺东塔〉730年
7. 〈螺钿紫檀五絃琵琶〉8世纪前半
8. 〈阿修罗立像〉734年
9. 〈鸟毛立女屏风〉8世纪
10.〈四天王立像〉8世纪
11.〈月光菩萨立像〉8世纪
12.〈鑑真和尚坐像〉763年

平安时代
13.〈如意轮观音坐像〉9世纪前半左右
14. 空海〈风信帖〉9世纪
15.〈两界曼荼罗图〉9世纪后半
16. 传 小野道风〈继色纸〉947 ~ 957年
17. 传 纪贯之〈高野切第三种〉11世纪中期左右
18.〈平等院凤凰堂〉1053年

中国　北宋
19. 徽宗〈桃鸠图〉1107年

平安时代
20. 藤原定信〈本愿寺本三十六人歌集〉1112年
21. 绘 传 藤原隆能 词书 传 寂莲〈源氏物语绘卷〉1170年代
22.〈信贵山缘起绘卷〉12世纪后半
23.〈地狱草纸〉12世纪后半
24.〈鸟兽人物戏画〉12 ~ 13世纪

鎌仓时代
25.〈东大寺南大门〉1203年
26. 运庆∕快庆〈金刚力士立像〉1203年
27. 运庆〈无着菩萨立像〉﹝右﹞〈世亲菩萨立像〉﹝左﹞ 1208 ~ 1211年
28. 惠日房成忍〈明惠上人像〉13世纪后半

中国　南宋
29. 牧谿〈观音猿鹤图〉13世纪后半

室町时代
30. 一休宗纯〈七佛通戒偈〉15世纪
31.〈龙安寺石庭〉
32.〈慈照寺观音殿〉1489年
33. 雪舟等杨〈秋冬山水图〉15世纪中 ~ 16世纪初

桃山时代
34. 狩野永德〈唐狮子图屏风〉16世纪后半
35. 长谷川等伯〈松林图屏风〉16世纪末

江户时代
36. 野野村仁清〈色绘雉香炉〉17世纪
37.〈风俗图屏风〉1624 ~ 1644年左右
38.〈桂离宫〉17世纪
39.〈东照宫阳明门〉1636年
40. 书 本阿弥光悦草图〈鹤下绘和歌卷〉17世纪
41. 俵屋宗达〈风神雷神图屏风〉17世纪前半
42. 久隅守景〈纳凉图屏风〉17世纪
43. 圆空〈马头观音菩萨立像〉1676年
44. 酒井田柿右卫门〈色绘花鸟文六角壶〉1670 ~ 1690年代
45. 池大雅〈五百罗汉图〉18世纪
46. 尾形光琳〈红白梅图屏风〉18世纪初期
47. 尾形干山〈锈绘染付梅图茶碗〉1710年代
48. 小田野直武〈不忍池图〉1770年代
49. 与谢芜村〈夜色楼台图〉1778 ~ 1783年左右
50. 圆山应举〈雪松图屏风〉1787年
51. 伊藤若沖〈仙人掌群鸡图〉1790年
52. 喜多川歌□〈妇女人相十品 吹玻璃鸣具的少女〉1790年代
53. 东洲斋写乐〈三代目大谷鬼次的江户兵卫〉1794年
54. 酒井抱一〈夏秋草图屏风〉1821年
55. 葛饰北斋〈富岳三十六景「神奈川沖浪里」〉1837年
56. 渡边华山〈鹰见泉石像〉1837年
57. 歌川广重〈名所江户百景「大桥安宅的骤雨」〉1857年

明治时代
58. 高桥由一〈鲑〉1877年
59. 狩野芳崖〈悲母观音图〉1888年
60. 浅井忠〈收获〉1890年
61. 高村光云〈老猿〉1893年
62. 黑田清辉〈湖畔〉1897年
63. 藤岛武二〈天平的面容〉1902年
64. 青木繁〈渔获〉1904年
65. 菱田春草〈落叶〉1909年
66. 荻原守卫〈女〉1910年

大正时代
67. 万铁五郎〈裸体美人〉1912年
68. 高村光太郎〈手〉1918年
69. 岸田刘生〈丽子微笑（手持青果）〉1921年
70. 李奥纳多．藤田嗣治〈五位裸女〉1923年
71. 竹内栖凤〈斑猫〉1924年
72. 土田□僊〈舞妓林泉〉1924年
73. 速水御舟〈炎舞〉1925年

昭和时代
74. 横山大观〈夜樱〉1929年
75. 安井曾太郎〈金蓉〉1934年
76. 上村松园〈序之舞〉1936年
77. 冈本太郎〈悲惨的胳膊〉1936年
78. 叆光〈有眼睛的风景〉1938年
79. 栋方志功〈二菩萨释迦十大弟子〉1939年
80. 会津八一〈浑斋近墨〉1941年
81. 梅原龙三郎〈北京秋天〉1942年
82. 须田国太郎〈犬〉1950年
83. 上田桑鸠〈爱〉1951年
84. 龟仓雄策〈第十八届奥林匹克运动会官方海报〉1962年
85. 森田子龙〈龙〉1965年
86. 长谷川洁〈有回转仪的风景〉1966年
87. 加山又造〈雪月花〉1967年
88. 吉原治良〈作品（黑地白圆）〉1968年
89. 白发一雄〈真理的祕密〉1975年
90. 上田薰〈生蛋B〉1976年
91. 田中一光〈日本舞蹈〉1981年
92. 野口勇〈Black．Slide．Mantra〉1992年

平成时代
93. 川□正〈多伦多计画〉1989年
94. 草间弥生〈镜子房间（南瓜）〉1991年

中国　西周
95.〈大盂鼎□铭〉西周前期

中国　后汉
96.〈曹全碑〉185年

中国　东晋
97. 王羲之〈兰亭序〉353年

中国　唐
98. 欧阳询〈九成宫醴泉铭〉632年
99. 孙过庭〈书谱〉687年
100. 颜真卿〈颜勤礼碑〉779年

中国　北宋
101. 黄庭坚〈黄州寒食诗卷跋〉11世纪

序１

　　在阅读这本鑑赏导览书之前，希望读者们先了解一件事情。「艺术」或「美术」的用语，是日本近代明治时期以降，作为「art」的翻译所形成的造语。在这之前，我们称之为「书画古董」。这门被翻译成「美术」的学问，隶属于被译为「美学」的学问范畴；而「美学」的原文为「aesthetics」，是西欧人文学底下的一个部门至于「美术」一词，最早公开使用于日本最早成立的国立美术学校-「工部美术学校」。

　　「绘画」、「雕塑」、「建筑」也都是日本近代新的造语；绘画刚开始译为「画学」，「雕塑」则是组合「雕刻carving」与「塑造modelling」两个字而成。日本的大学建筑系曾经有一段时间被称为「造家学科」。「风景画」与「静物画」则分别为「landscape」、「still-life」的翻译语。一般说来，他们被视同为「山水」、「花鸟」的对应物而被接纳，但是事实上却无法完全唿应、等同。举例来说，严峻的水墨山水世界，与阳光洒落遍布的印象派风景画，在感官上充满了异质性。静物最原初的语源为「死去的自然natura morta」，但是东方花鸟的世界中，描绘的都是饱含生命力的花草、鸟兽、鱼虫。

　　对于年轻一辈而言，提到日本的传统美，他们联想到的是「歌舞伎」、「浮世绘」。然而与这些遥相对应的，还有「能剧」与「水墨画」的世界。简单地说，「歌□」与「雪舟」这种对照存在的审美意识，该如何理解比较好呢?从建筑领域来说，「日光东照宫」与「桂离宫」又是另一组不可思议的对照，而且这两件建筑物件，还几乎在同一个时代出现。日本或东方的美术，无法单纯地与西洋美术进行叠合比对。我们先将这个事实、前提置于脑海当中，针对精选的101件日本美术（编按：及相关）名作，逐一进行咀嚼、玩味。

序２

日本美术史的时代区分

　　日本「美术史」的编纂，究竟起源于何时?自古以来，中国便有《古画品录》、《历代名画记》，日本也有《等伯画说》、《本朝画史》等画论、画史类的着作。但是以我们现在所理解的「美术」的「历史」观点，所构筑而成的「美术史」，其成立则是在明治以降的日本近代。

　　日本首部的「美术史」，是明治29年由帝国博物馆委任冈仓觉三(天心)为主任，所着手编纂的官制美术史-《稿本日本帝国美术略史》。在这之前，大前年发布了「大日本帝国宪法」，前年则开设了帝国议会，日本正处于跻身西欧近代国家之列的体制整顿期。易言之，官制美术史的编纂，无疑是向诸国宣示国家威信的手段。

　　冈仓天心于明治23年起的三年间，在东京美术学校讲授「日本美术史」，这也是首次在公开的场域，所开设的「日本美术史」课程。他以艺术精神的自觉历史为主轴，将美术史进行定位与阐述，将日本美术区分为「古代」、「中世」、「近世」三个时代。「古代」指的是「奈良朝」，「中世」是「藤原氏时代」，「近世」则是「足利氏时代」。其实冈仓的思维来自于德国观念论的哲学家-黑格尔的历史哲学，并以其美学讲义作为学术基础。

　　依据他的主张，古代是奠基于小乘佛教思想的美术，衍生自人界、佛界两相隔的概念，因此属于壮丽感、理想性的美术。中世则以净土思想为基底的大乘佛教为中心，强调人有佛情，佛亦有人性，人佛之间相系相近，因此产生优美的情感性美术，并延伸到近世禅宗高淡、自觉的艺术境界。总之，冈仓将黑格尔绝对精神自觉的过程套用到佛教思想上，改变形式并进行解读。

　　有点儿小问题的部分，出现在「足利氏时代」。这段时期是从足利氏时代开始，包含之后的近世400年的时间。而近世又细分为「第一期 东山时代:以东山(足利)义政的思想为基础，雪舟、正信等人辈出，成为足利时代最盛期；「第二期 丰臣时代:以丰臣秀吉为中心，元信已逝，因秀吉偏好而产生足利时代中期华美之风，永德为其代表」；「第三期 宽永时代:自宽永至元禄时期，探幽、常信、一蝶、光琳属之」；「第四期 宽政时代:应举、吴春等人辈出，以写生技法试图创造足利时代的变化」。

　　到了「大日本帝国美术略史」，时代区分的设定变成「自国初至圣武天皇时代」、「桓武天皇时代到鎌仓幕府时代」、「足利幕府时代至德川氏幕政时代」三个时期。此后，日本美术史便以「上古」、「推古(天皇)」、「奈良前期」、「奈良本朝」、「平安前期」、「平安后期」、「鎌仓」、「足利」、「织丰(织田．丰臣)」、「德川」、「明治．大正」等时代区分法-意即以天皇的名称、政厅的所在地、年号、将军的名称交错使用的方式，成为普遍的通则。

　　西洋美术史以「样式」的变迁为基轴，构筑出美的历史。至于日本美术史，则是在一般史或是政治史的体系下进行时代的区分，在如是的范畴下记述、说明美术的发展。在这个前提下，如果再增添一些样式史的概念，则会演变成「先史」、「飞鸟」、「白凤」、「天平」、「弘仁」、「贞观」、「藤原」、「鎌仓」、「室町」、「桃山」(一般史当中多称为「安土．桃山」时代，但美术史则多半称为「桃山」)、「江户」、「明治．大正．昭和」的时代区分法。「飞鸟」、「白凤」、「天平」、「弘仁」、「贞观」、「藤原」的称唿法，是美术史固有的时代区分。有一些研究者认为，上述的日本美术史的时代区分，可以与西洋美术史当中的「古典主义」、「巴洛克」或是「矫饰主义」等样式概念相互叠合并进行思考。事实上，将天平雕刻视为日本的古典主义，公认飞鸟佛的表情洋溢着古拙的微笑，已经是非常习以为常的观点。

神林恆道

序３

中国美术史的时代区分

　　此本《日本美术101鑑赏导览手册》当中，包含了9件中国的作品。大部分都是书迹的相关作品。或许有不少读者会觉得不可思议，因为我们通称的「美术」范畴中，坊间出版品所列举的作品群通常不会加入书法之作。这是因为从明治初期开始，将书法与美术视为不同的领域，已经成为根深蒂固的通例。在这之前，书法通常在传达佛教教义的经文中、绘卷物的词书中、寺院的匾额中登场。因此在日本这个民族国家中，书法是用以支撑文化的重要支柱。于是，书法在这些重要场域、舞台中尽情挥洒，同时也在一般的生活层面生根茁壮。与熟识的亲友鱼雁往返，书信中所撰写的文字与内容足以掳获人心，使人为之动容，这便是典型的生活书法之例。

　　这些由书法所谱出的感性历史，若是要屏除中国的影响而不谈，将无法完整地娓娓道来。我们现在所使用的文字，本来就是由中国传递而来的。汉字是中国的珍贵资产，平假名．片假名便是在这个基础上所建构的，从而孕育出日本特有的文字体系。在本书当中，之所以特别粹选出中国书迹，便是希望挣脱狭义的「美术」框架，在漫长的历史中回顾文化上的紧密牵动与连结，让大家得以鑑赏到更具全面观照性的经典之作。

　　简单介绍一下中国美术史固有的时代区分及其源流。提及中国美术史的时代区分，基本上与王朝的时代区分是相互唿应对照的，这反映出中国特有的价值观。英语中的「China」，其实是中国「秦」王朝的音译。秦朝虽然只有短暂的14年，但是却整备好政治与文化的传统基底，树立了重要的启程碑。请看看世界地图，中国领土的广大辽阔是一目了然的。在这片宽广的土地上，有众多的民族生活着，同时也使用了各自分歧的语言。秦始皇为了要将多元、歧异的局面整合起来，因此立下了统一全国的雄心壮志。以货币、度量衡、车轨、文字为首，秦始皇强力推行重要单位的统一政策。特别是文字的统一，成为统驭生活样式、语言各异之诸多民族的重要关键，孕生出凝聚文化的强大力量。尔后，以汉字为中心的文化圈不断扩大。

　　「中国」一词，意味着伫立于世界中心的自我期许与骄矜。它明确地区别了知晓中华文明的人(华)、不识中华文明的人(夷)。而中华文化中相当具有代表性的文字，其造形上的洗鍊度以及运笔力道的强劲，即便时至今日，依然是支撑书法之美的规范；而其源流，正代表着为政者的权力象征。

　　为政者必须具备的技能，被尊称为「六艺」，即所谓「礼、乐、射、御、书、数」。一般认为，拥有高水平的六艺，才能具备贤能治世、德礼兼备的成熟人品。其理想形象的追求与探讨，可以见诸于孔子的思想当中。「六艺」中的书，不仅只是文字字形的书写。所谓书迹，原本便是为了某些目的而书写的物件。它用来传达讯息、想法等，因此内容本身便具备相当的重要性，所以从文章的构成、用词的选择，再到运笔的技巧，都可以发现独特的价值。也因此，在中国艺术的范畴中，文学与书法一直佔有崇高的地位。

　　从东汉时期开始，文字书写的用具素材大致底定，毛笔与纸成为书写的必备工具。也因为使用弹力丰厚的毛笔，运笔的速度、力道的强弱影响了文字的造形，显着而明确地表现出文字造形的变化。评论曼妙书法所撰述的书论，也诞生于这个时代。此后的东晋，书圣王羲之登场，还有擅长绘画与画中文字记述的顾恺之也活跃一时，因此为过去位阶稍低的绘画，带来稳固而确定的公认地位。

　　三国时代的吴，之后的东晋与宋齐梁陈六个朝代，都设都于建康，就是今天的南京。在这个时代里，书法传统价值观的基础业已稳固，优异卓越的书法陆续出现，绘画的地位也逐渐攀升，因此在六朝形成了文学、书法、绘画等艺术领域的区分。南齐的谢赫撰写了《古画品录》，在绘画鑑赏中提出了「六法」的重要观点。破题的「气韵生动」与「骨法用笔」两大法则，确认了书画领域的共通性，同时也成为尔后用以支撑艺术观的重要规范。而如是的规范，也延续、活用于为日本带来绝大文化影响力的隋唐时代。

　　北宋是中国艺术绽放独特个性花朵的年代。西方所指的「美的技术」，是将自身创造性的才能视为特殊技术，并且充分意识、自觉的过程；而西方「美的技术」的觉醒，便发生于文艺复兴时期。北宋正好也是「美的技术」产生自觉的时代，因此有人将宋朝比拟为中国的文艺复兴。而让中国创作者发挥创意的舞台，便是诗书画等重要的艺术领域。

　　紧接在后的明清时代，基本上也是以王朝的时代区分，套用于艺术史当中。如前所述，即便该时代高度评价、称颂作者的创意与自觉，但不可讳言的，依旧必须臣服于为政者(华)对于艺术世界的认知与偏好，这个显性的面向不曾改变。

　　本书所粹选的书法作品，是南朝系的物件。其主要的理由，在于南朝系的作品确实在中国形成一个很重要的流派，而且对于日本的影响关系，是非常深远显着的。然而，如果我们鸟瞰整个历史，同时并存数个王朝，各自为政的年代不无所见，而在如此的态势中，也会展现出各自迥异的美术特质。虽然说，王朝史与美术的关系不容小觑，但是这种区分法的套用，以及将多样风格的作品统摄在单一脉络底下观看的模式，是必须尽量避免的事情。只要留意到这个迷思，透过本书作品的鑑赏，不仅可以观察到日本在绘画、建筑、工艺等领域的横向连结，同时也可以试图探索其个别的历史，以及中国与日本的影响关系。这便是我们赋予自己的使命，也是我们对于读者收获的期待。 

萱纪子

评分☆☆☆☆☆

（一） 拿到这本《日本美术101鑑賞導覽手冊》真是太巧了！我最近正打算去日本旅行，想着能不能在出发前恶补一下日本的艺术文化，结果它就出现在我眼前，简直是天赐的礼物。虽然我不是什么艺术鉴赏的专家，但这本书的封面设计就足够吸引我了，那种淡淡的雅致，透着一股古朴的气息，让人一看就觉得内容一定很扎实。我本来还担心里面会不会充斥着太多晦涩难懂的专业术语，让我这个门外汉望而却步。但翻开目录，发现它竟然以“101”这样一个数字来命名，这立刻打消了我的顾虑。101通常意味着“入门”、“基础”、“必修”的意思，这表明作者很可能是在用一种非常通俗易懂的方式来引导读者进入日本美术的殿堂。我特别期待它能给我梳理清楚日本美术发展的脉络，比如从古老的绳纹时代到现代，哪些时期有哪些代表性的艺术风格，又有哪些不得不提的艺术大师和作品。我希望这本书能像一个经验丰富的向导，在我有限的旅行时间内，帮我 pinpoint 那些最值得一看、最能代表日本独特审美情趣的艺术精髓。我非常想了解，日本的浮世绘、屏风画、瓷器、雕塑等等，它们各自有着怎样的发展故事，又蕴含着怎样的文化象征意义？这本书的“鉴赏导览”这几个字，也让我对它充满了期待，我希望它不只是简单地罗列作品，而是能真正教我如何去“看”，如何去“品”，如何去体会那些隐藏在画作、器物背后的匠心与哲学。

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（四） 我一直对日本的工艺品，尤其是那些精雕细琢的陶瓷器和漆器，充满了好奇。每次在博物馆或者一些专门的店铺看到它们，都忍不住会惊叹于那些匠人鬼斧神工般的技艺。我相信，《日本美术101鑑賞導覽手冊》一定不会错过这些令人赞叹的工艺美术。我特别想了解，日本的陶瓷艺术，比如有田烧、九谷烧等等，它们各自有哪些独特的风格和历史渊源？是什么让它们在世界陶瓷史上占有一席之地？同样，对于漆器，我希望了解从选材、制作到最后上漆的整个过程，以及不同地区、不同时代的漆器工艺有哪些显著的特点。是不是有一些特定的图案、纹饰，代表着某种吉祥的寓意或者家族的传承？我希望这本书能让我明白，这些看似普通的器皿，是如何被赋予生命和灵魂的。它不仅是生活用品，更是承载着历史、文化和美学理念的艺术品。我希望这本书的“鉴赏”部分，能够教会我如何去辨别一件器物的价值，如何去欣赏它所蕴含的细节和工艺，而不是仅仅看到它的表面光泽。

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（二） 我一直对日本的庭园艺术情有独钟，每次看到那些精心修剪的松树、错落有致的石头和潺潺流水，都觉得心灵得到了净化。我猜想，《日本美术101鑑賞導覽手冊》里应该会有关于这方面的内容吧？毕竟，庭园本身就是一种高度发展的艺术形式，它融合了建筑、园艺、雕塑，甚至是哲学思想。我特别好奇，日本的庭园是如何从自然中汲取灵感，又如何通过人工的雕琢来展现出“枯山水”那种意境深远的禅意，或是“回游式庭园”那种将自然景观浓缩于方寸之间的巧妙。我希望能在这本书里找到一些关于庭园设计原则的介绍，比如如何布置石头、选择植物，以及不同风格庭园的代表性案例。当然，除了庭园，我对日本的和服、茶道、以及那些充满仪式感的传统建筑也非常感兴趣。这些元素是否也被收录在这本“101”的指南里呢？如果它能帮我理解，一件和服的图案背后可能隐藏着怎样的季节寓意，一次茶道的每一个步骤又透露着怎样的“一期一会”的精神，那就太棒了。总而言之，我希望这本书能给我打开一扇窗，让我窥见日本艺术背后那深厚的文化底蕴和独特的精神追求，而不仅仅是停留在表面的欣赏。

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（五） 最近我开始对日本的传统建筑产生了浓厚的兴趣，尤其是那些古老的寺庙、神社以及武士的宅邸。我总觉得，这些建筑不仅仅是石头和木头堆砌起来的，它们本身就蕴含着一种深刻的哲学和美学思想。《日本美术101鑑賞導覽手冊》是否会涉及这方面的解读呢？我非常想知道，日本建筑是如何体现“侘寂”（wabi-sabi）之美，那种在不完美中发现美，在简朴中感受宁静的独特审美。比如，为什么很多寺庙的屋顶会采用那样一种朴素的瓦片，又为何庭院中的石灯笼会有那样一种残缺的美感？我还想了解，不同类型的日本建筑，比如贵族的居所、僧侣的修行之地，它们在布局、材料、装饰上分别有哪些特点？书中是否会介绍一些经典的日本建筑案例，并对其进行深入的剖析，让我能够理解，为什么日本人会选择这样的建造方式，又从中表达了怎样的生活态度和宇宙观。我期待这本书能为我揭示，日本建筑在空间、光影、材料上的运用，是如何与自然环境和谐共处，并最终营造出一种宁静致远的精神氛围。

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（三） 最近我迷上了日本动漫，尤其是那些画面精美、故事引人入胜的作品。这让我对日本的美学风格产生了浓厚的兴趣。我想到，动漫作为一种现代艺术形式，它的根源一定与日本传统的艺术息息相关。《日本美术101鑑賞導覽手冊》会不会探讨这种传承和发展呢？我非常想知道，那些在动漫中常见的夸张的表情、鲜艳的色彩、以及对自然景物的细腻描绘，是否都能在古代的日本艺术中找到影子？比如，漫画中的人物动态是否受到了屏风画中人物姿态的影响？那些色彩斑斓的背景是否借鉴了浮世绘的构图和用色？我希望这本书能帮助我建立起这种古今艺术之间的联系，让我理解，现代日本的流行文化，并非凭空出现，而是根植于他们悠久的艺术传统。我尤其期待书中能有一些关于日本插画、漫画发展的历史梳理，即使不专门介绍动漫，但如果能让我明白日本独特的线条、色彩、构图等美学偏好是如何形成的，那也非常有价值。这本书的“导览”性质，也让我期待它能像一条线索，串联起日本美术的过去与现在，让我能更深刻地理解我所喜爱的现代艺术。