张彻谈香港电影 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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　　香港武侠片一代宗师张彻，在他一生电影生涯中建树良多，尤以「阳刚」的动作片和「暴力美学」的个人风格名重华语电影界。他自五六十年代投身香港电影界，经历与见闻俱引人入胜。

　　本书为张彻导演晚年所撰，从中国戏曲影响入绪，按年代细述「邵氏」的盛衰、独立制片制度的形成、港产片的本地特色和合拍片电影的发展。文章见解独到，并不时列举大量鲜为局外人所知的圈内故事，以及像邵逸夫、邹文怀、徐克、吴宇森、姜大卫、狄龙、傅声、李小龙、成龙、周润发、许氏兄弟等影坛传奇人物的成就与趣闻，可读性高。本书同时收入张彻早年以「何观」为笔名撰

作者简介

张彻

　　（一九二三至二零零二），祖籍浙江青田，寄籍上海。

　　张彻从事电影工作凡四十年，处女作《阿里山风云》是台湾华语电影的「开基之作」，张氏为该片撰写的主题曲《高山青》流传海崃两岸，历久不衰。

　　六十年代初，张彻执导的武侠电影《独臂刀》，首破港产片收入百万元的票房纪录，有「百万导演」之美誉，并开创了他个人风格强烈的「阳刚」和「暴力美学」男性电影。由这部电影开始，张彻一生导演了97部作品，代表作有《独臂刀》、《金燕子》、《报仇》、《刺马》、《十三太保》等，带动香港的动作片趋于兴盛，对中国电影动作片贡献极大。

东方魅影：解析三十载香港电影的辉煌与沉浮 内容简介： 本书并非一部聚焦于某位特定导演的传记或评论集，而是以一个宏大而细致的视角，深入剖析了上世纪七十年代初至本世纪初，香港电影工业从崛起、鼎盛走向转型的关键历史时期。我们探讨的不是导演张彻个人的艺术成就，而是整个香港电影生态系统的复杂运作机制、其独特的文化土壤，以及在时代洪流中展现出的非凡生命力与必然的结构性调整。 本书分为六个主要部分，层层递进，构建起一幅关于“东方好莱坞”的立体画卷。 --- 第一部：战后重建与类型奠基（约1970-1977） 本部分着重考察香港电影工业如何在战后人口结构变化、本土文化觉醒以及邵氏与嘉禾两大巨头的激烈竞争中，奠定其日后高速发展的类型基础。我们不讨论张彻的武侠片，而是聚焦于许氏兄弟的都市喜剧如何捕捉了普通市民的焦虑与希望，成为最早的本土票房保证。 详细分析了： 1. “制片厂制度”的运作模式： 邵氏兄弟的垂直整合能力，从演员培训到后期发行的一体化流程，如何确保了稳定且高产的电影供给。 2. 喜剧的社会功能： 许冠文等人在作品中融入的阶层讽刺与俚语运用，如何建立了香港电影与本土观众之间前所未有的亲密感。 3. 类型片雏形： 除了武侠片之外，歌舞片、伦理剧在这一阶段的商业表现，以及它们为后续动作片和警匪片提供的技术和叙事模板。 --- 第二部：新浪潮的冲击与国际化初探（约1978-1984） 随着全球经济格局的变动和本土青年一代接受西方电影教育的回归，香港影坛迎来了一次结构性的冲击——“香港电影新浪潮”。本部分重点研究徐克、谭家明、方育平等人的出现，他们如何挑战了传统制片厂的叙事规范。 核心议题包括： 1. 视觉语言的革新： 新浪潮导演对场面调度、剪辑节奏的激进尝试，如何使得香港电影的“速度感”在亚洲乃至世界影坛独树一帜。 2. 题材的本土化深化： 对殖民历史、社会身份认同的探讨如何取代纯粹的娱乐叙事，例如对城市空间（如霓虹灯下的九龙城寨）的独特捕捉。 3. 嘉禾的弹性战略： 嘉禾影业如何通过给予新导演更大的创作空间，成功地在与邵氏的竞争中占据上风，实现了从“跟风”到“引领”的转变。 --- 第三部：武侠片工业的转型与现代动作片的诞生（约1980-1989） 尽管本书不直接聚焦于张彻，但本部分必须探讨武侠片工业在面对好莱坞动作片冲击下的自我重塑。香港电影的标志性标签——“动作片”，是如何从传统的武打体系演化为现代的、融合了特技、杂技和爆炸的综合性娱乐产品。 重点考察： 1. 程小东与成龙的贡献： 他们如何将杂耍、特技与功夫相结合，创造出兼具观赏性与危险性的“玩命式”动作美学，打破了以往武侠片的内敛。 2. “英雄片”的兴起： 探讨吴宇森等人在警匪片中对“兄弟情义”、“暴力美学”的提炼，如何形成一套独特的、带有宿命感的叙事模式，并迅速被东南亚市场接受。 3. 幕后工业的专业化： 聚焦于特技部门、武术指导团队的组织结构、薪酬体系以及技术升级，这些才是支撑动作片产量和质量的关键。 --- 第四部：喜剧的黄金时代与巨星体系的建立（约1985-1995） 这是香港电影产量和票房的巅峰时期。本部分详尽分析了周星驰的“无厘头”风格如何成为一种文化现象，以及这种风格在商业上的巨大成功如何影响了整个行业的创作风向。 主要内容涵盖： 1. 巨星的养成机制： 探讨电影公司如何围绕如周润发、刘德华、张国荣等特定明星，量身定制剧本、形象和营销策略，打造出具有强大号召力的个人品牌。 2. “无厘头”的语言学分析： 解析周星驰电影中对传统文化符号的解构、对社会阶层的错位表达，及其在本土观众群体中引发的文化共鸣。 3. 人才的流动性： 描述片场文化中，导演、编剧、演员之间频繁的合作与跳槽现象，这种高流动性如何激发了创意，同时也埋下了人才流失的隐患。 --- 第五部：亚洲金融风暴与市场结构的重塑（约1996-2003） 在九七回归的时代背景与亚洲金融危机的双重压力下，香港电影工业进入了艰难的调整期。本部分关注电影的“撤退”与“合资”现象。 重点研究： 1. 合拍片的兴起与限制： 探讨为了规避市场风险和满足审查要求，港片如何转向与中国内地的合拍模式，这种模式对本土叙事风格带来的稀释效应。 2. 本土制作的困境： 分析中小成本制作公司因融资困难而大量倒闭的商业案例，以及香港本土观众对电影院线消费习惯的改变。 3. 类型片的式微与复苏尝试： 探讨在商业片大潮下，艺术片和独立制作如何艰难地寻找生存空间，以及经典类型的回归（如王家卫对都市情感的持续深耕）。 --- 第六部：面向未来的接口：与全球及内地市场的对接（约2004至今） 本书的最后部分将目光投向香港电影在进入新世纪后面临的挑战：如何在全球化和本土化之间找到平衡点。我们分析的是电影工业的“去中心化”。 结论性探讨包括： 1. 人才的输出现象： 许多成熟的制作人才和导演，如何将主要精力转向内地市场，香港本土电影工业的“引擎”如何减速。 2. 电子媒体的冲击： 探讨DVD、互联网和流媒体对传统院线发行模式的颠覆性影响，以及香港电影人对新媒体平台的适应策略。 3. 文化遗产的保护与再解读： 讨论香港电影的独特美学和技艺，如何在新的艺术教育体系和电影档案机构中得到继承，以确保这段辉煌历史不会被遗忘。 本书旨在提供一个关于香港电影工业全景式的、基于商业运作、类型演变和社会背景的深度考察，侧重于群体现象、制度变迁和市场逻辑，而非单一创作者的个人历程。

评分☆☆☆☆☆

在台北的诚品书店闲逛，偶然翻到了这本《张彻谈香港电影》。虽然我并不是张彻的铁杆粉丝，但对于香港电影的黄金时代，我一直有着浓厚的兴趣。翻了几页，发现这本书的视角相当独特，它不是那种单纯的影评集，也不是枯燥的电影史罗列，而是通过张彻这位“东方教父”的视角，去剖析他眼中那些影响深远的作品和人物。我特别留意到书里关于邵氏兄弟时代的论述，那些老派的电影制作方式，演员的训练，以及市场上的竞争，都描述得非常生动。印象深刻的是，张彻似乎很看重剧本的扎实和人物的塑造，他不像现在很多电影那样追求浮夸的特效或者短暂的感官刺激，而是更倾向于讲述一个有血有肉的故事。书中提到的一些老牌明星，比如傅声、姜大卫，以及一些在他电影中出演反派的演员，张彻对他们的评价都相当中肯，既有赞赏也有鞭策。而且，他还谈到了当时电影审查制度对创作的影响，以及如何在有限的框架内发挥创意，这在如今看来，也颇具时代意义。总的来说，这本书让我对香港电影的幕后运作有了更深层次的理解，不单单是看热闹，而是能感受到那一代电影人是如何在时代的洪流中，用自己的热情和才华，一点一点打拼出属于香港电影的辉煌。

评分☆☆☆☆☆

《张彻谈香港电影》这本书，给我带来的不仅仅是电影知识的增长，更是一种对“时代精神”的感悟。张彻电影中的那些热血、冲动、以及对个体命运的挣扎，恰恰呼应了那个年代香港社会蓬勃发展、充满机遇与挑战的时代背景。书中他对于当时社会风貌的描绘，例如街头巷尾的市井生活，以及不同阶层的人们是如何在时代洪流中寻找自己的位置，这些细节的穿插，让电影分析不再是空中楼阁，而是落地生根的。我喜欢他谈论电影如何成为一种“社会情绪”的载体，如何反映民众的渴望和失落。他对于一些被忽视的社会议题，例如底层人物的生存困境，以及个体在巨大社会变革面前的渺小，都有所触及，这使得他的电影拥有了超越娱乐层面的深刻内涵。读到他分享自己创作初衷时，那种想要通过镜头传递某种信念和价值观的强烈愿望，让我动容。这本书让我明白，优秀的电影不仅仅是光影的艺术，更是时代精神的缩影，是人类情感的共鸣。它让我更加珍惜那些能够触动人心、引发思考的经典之作。

评分☆☆☆☆☆

《张彻谈香港电影》这本书，给我最大的感受就是其“见微知著”的功力。与其说是谈论电影，不如说是通过电影，去折射一个时代，一个社会的变迁。张彻作为香港电影的重要开拓者之一，他所经历和见证的，是那个经济起飞、文化多元的独特时期。书中很多篇章，都触及到了当时台湾与香港电影市场的交流，以及彼此的文化影响。我记得其中有一段，他谈到如何在台湾上映电影时，需要根据当地观众的口味进行一些调整，这让我看到了电影创作背后所蕴含的商业考量和文化敏感性。他对于不同类型电影的看法，从早期功夫片到后来的文艺片，都展现了他作为导演的广阔视野和不断探索的精神。而且，他对于电影技术和叙事手法的演进，也有着自己独到的见解。这本书的价值在于，它提供了一个“过来人”的视角，让我们能够理解，在那个还没有互联网、信息传播远不如现在发达的时代，电影是如何成为大众娱乐的主流，又是如何承载着人们的情感和梦想。阅读过程中，我感觉就像是在听一位长者，娓娓道来他与电影结缘一生的故事，有辛酸，有荣耀，但更多的是一种对电影艺术的执着和热爱。

评分☆☆☆☆☆

读完《张彻谈香港电影》，脑海中涌现的是一片五光十色的江湖气息，那是属于我少年时代香港电影的独特印记。这本书最让我着迷的地方，在于张彻对于“武侠片”的理解和解读，他不仅仅是描述一部电影的情节，更是深入到动作设计的哲学，以及如何通过镜头语言来营造那种硬桥硬马的阳刚之美。我一直觉得，张彻的电影有一种独特的“男性荷尔蒙”爆棚的感觉，血性、义气、以及那种不畏强权的江湖豪情，都是他作品中不可或缺的元素。书中对《独臂刀》、《刺马》等经典之作的分析，让我重新审视了这些影片在我记忆中的地位。他谈到自己如何构思武打场面，如何引导演员发挥出最好的表演，这些细节的描述，让普通观众也能窥见电影制作的匠心独运。尤其让我感到惊喜的是，他并没有回避创作过程中的困难和挫折，反而坦诚地分享了自己如何克服市场压力、如何与制片方博弈，这使得这本书不仅仅是一部电影评论，更像是一部个人奋斗史。读到他谈论如何让演员从“工具”变成“艺术家”，我也能理解为什么他能塑造出那么多令人难忘的角色。这本书让我想起了很多已经消失的电影院，以及那个时代人们看电影时的那种纯粹的快乐。

评分☆☆☆☆☆

让我特别想为《张彻谈香港电影》这本书写点什么，是因为它让我重新认识了“集体创作”这个概念。在以往的认知中，电影导演似乎是绝对的权威，但张彻在书中却反复强调了团队合作的重要性。他详细描述了与摄影师、剪辑师、编剧，甚至美术指导之间的默契配合，是如何将一个抽象的剧本，转化为具象的影像。这本书让我意识到，一部伟大的电影，从来都不是某个个人能够独立完成的。他对于自己作品中一些经典镜头的诞生过程的描述，例如如何运用慢镜头来营造戏剧张力，或者如何通过构图来突出人物的情绪，都让我大开眼界。我尤其被他谈到如何处理一些“绿叶”演员，如何让他们在有限的戏份中也能够闪耀光芒，这一点让我深感敬佩。这是一种对电影整体美学的追求，也是对每一个参与者价值的尊重。在阅读过程中，我不时会联想到一些当下国产电影的制作模式，对比之下，更能体会到张彻那个时代电影人身上那种精益求精的精神。这本书更像是一本“电影制作的百科全书”，让我对电影的理解，从观众的视角，拓展到了更专业、更深度的层面。