單書介紹↓↓↓
冊一《圖解PRO混音法：音像設計＋觀念解說＋實務操作，專業混音工程具體細膩全套展開》
日本超高人氣混音教學全程實作講解！
獨創樂器聲音特質象限座標，一步一步做出動漫音樂繽紛感
「為聲音做最好的安排、讓音樂完美昇華」是混音工程的使命，
也是高端聽覺美學的展現。
該按照什麼順序處理各部樂器、具體做法為何？以及該如何統合整體？
現為專業音樂人的作者一手創立的「石田流混音」，是一套深具系統性、目標明確、講究精準到位的混音法。打開本書有如親臨現場，在作者風趣不藏私的講解之下，構築有效率的工作邏輯、扎實的觀念，抽象的聲音美學透過有系統性的整理與豐富的教學專屬音檔示範也變得清楚具象。過去必須耗費時間精力才學得到的技術，本書已濃縮成容易吸收的精華，絕對是音樂人必取經之作。
【本書特色】
詳細解說各部樂器、人聲＆和聲、合音、效果音、合成器等處理順序及做法
做法適用任何曲風，一口氣學會終生受用的效率混音手法
技巧不限軟體應用，效果器種類、加掛目的、音色製作、參數設定全知識
【專業推薦】
王俊傑（Mr.K）知名混音工程師
林尚德 大禾音樂製作有限公司負責人
林正忠 知名混音工程師
陳弘偉 石田流混音入門班講師
蔡科俊Again 社團法人台灣流行音樂產業技術發展協會 理事長
向有成果的人學習，這是一條最快的捷徑。因為他已把自己的學習內化，做好整理與輸出，進而幫助整個學習圈的學子。──王俊傑（Mr.K）知名混音工程師
我的書櫃裡有全套易博士出版的 「最簡單的音樂創作書 」，這本我當然不會錯過！──林尚德 大禾音樂製作有限公司負責人
作者的前作《圖解混音入門》是著重在混音的根基「動態控制」上。這本續作有更進階的內容「音像設計」，是石田流混音最令人期待的部分。透過本書反覆演練過程，對混音製作的想像力絕對有幫助。──陳弘偉 石田流混音入門班講師
冊二《圖解重配和聲入門：基礎到進階，和弦進行50種重配技法》
完整教程╳實戰技巧╳豐富範例
只要調整和弦，就可以讓樂曲增添情感、閃閃發亮！
本書從最基礎的重配和聲知識開始解說，並且透過50種範例，由淺入深、循序漸進的帶領讀者熟悉活用，徹底掌握重配和聲。從連初學者也能立刻學會的簡單實用技巧到稍微有點複雜的專業技法都一一詳細說明，以完整的教程帶給讀者全面而具體的概念做法，鞏固音樂知識的基石。
此外，為了讓說明更加好懂，全書範例都以四小節為主，曲調則定為C大調、A小調。跟著本書做出情感鮮明的帥氣樂曲，一起輕鬆愉快地踏入重配和聲的世界吧！
【本書特色】
‧前奏、副歌等各段落意象分類解析，迅速學會如何重配整首樂曲
‧基礎知識解說、簡單實用技巧到專業複合技法，初學者也能輕鬆上手
‧全書範例皆設定為四小節，曲調則為C大調、A小調，好記又好懂，應用超簡單
‧音程度數、二五進行、分數和弦、反轉和弦等解說活用，作編曲必備技巧一次掌握
【專業推薦】（依姓氏筆劃排列）
許哲珮Peggy 創作歌手/音樂製作人
游政豪 金曲天后御用創作人
謝文德 迪士尼台灣中文版歌唱導演
冊三《圖解合成器音樂創作法：99種技法一次學會，原創音色隨心所欲》
基礎原理╳實務方法╳關鍵參數
最有態度的音樂創作法，完璧再現你對音樂的想像
Michael Jackson〈Thriller〉一撩，全地球都為之瘋狂！
那些超有態度的超級音色，究竟是如何做出來的？
只要想像得到的音色，合成器多能幫你再現出來！使用合成器做出的電子音樂，早已發展成為
全球三大流行樂種之一。而在流行音樂中加入電子獨創音色，打造超凡的聆聽感受，是最能表
達創作態度、展現風格的重要手法。
本書採用可免費下載的軟體合成器做為操作界面參考，從合成器基礎知識，音色設計原理及流
程，到音色設計工程的具體做法，解說經典音樂類型到新穎曲風的音色設計法、正統通用的襯
底與伴奏和弦音色，以及序列樂句、主奏與音效（SE）音色的製作方法，80年代起至今風靡的
迷幻音色（酸浩室曲風）、廣受歡迎的機器人效果音，以及現場表演時變化音色，都以專章介
紹做法與活用方式。有效率地帶領讀者熟悉掌握合成器各種音色工程技法，做出貼近音樂想像、
原創滿點的理想聲音！
本書特色：
．清晰解說合成器原理構造，振盪器、濾波器、調變等旋鈕推桿不迷茫
．設定範例＋音色示範，步驟說明深入淺出，音色表現得心又應手
．各種經典音色、襯底伴奏、主奏、音效，設計手法徹底解說
．免費軟體＋參數插圖，入手無痛，練習簡便最容易
日本書評
「合成器很難！但是讀完這本書後就可以知道合成器轉哪個旋鈕會比較好，實在受益匪淺。要是把這本讀熟的話，應該就可以從合成器初學者畢業了吧（笑）！」
「對於對聲音有明確想像的合成器玩家、DAW作曲家而言，這本書在將理想音色具體實現上非常有幫助。」
「這本書將參數為什麼要這樣設定的理由都交代清楚，所以就算不是用書中所使用的軟體合成器也能夠應用。」
「對跟我一樣長年和合成器相處，在音樂創作路上跌跌撞撞的人來說，這本一定要入手！」
具体描述
好的，这是一份针对不同主题的图书简介，聚焦于音乐制作、编曲、录音技术等领域，完全不涉及您提供的“玩風格音樂創作套書”中的任何具体内容。 --- 音乐制作与音频工程系列精选 《数字音频工作站（DAW）深度解析与高级操作指南》 目标读者： 音乐制作人、录音工程师、音乐专业学生以及希望精通主流DAW（如Pro Tools, Logic Pro X, Ableton Live, Cubase）的用户。 内容概述： 本书是一本面向中高级用户的DAW操作与工作流优化实战手册。它不仅仅是软件界面的简单介绍，而是深入探讨了如何构建高效、专业化的数字录音室环境。 核心章节聚焦： 第一部分：工作站搭建与系统优化 1. 硬件与软件的协同： 深入解析音频接口（Audio Interface）的驱动优化、延迟管理（Buffer Size vs. Latency）的平衡策略，以及如何构建稳定的操作系统环境（macOS/Windows）以支持高负荷的音频项目。 2. 项目管理与模板构建： 探讨标准化Session文件结构、高效的轨道命名约定、颜色编码系统，以及创建可复用工程模板，极大地缩短项目启动时间。 第二部分：核心功能的高级应用 1. MIDI的高级编程艺术： 超越基本的音符输入，本书详细介绍了复杂的分层MIDI数据处理、控制器映射的深度定制、参数自动化（Automation）的曲线编辑技巧，以及使用脚本或宏实现重复性任务的自动化。 2. 音频编辑与修复的精细化： 讲解了弹性音频（Elastic Audio）的非破坏性编辑技术，时值校正（Time Stretching）的高级算法选择，以及如何利用频谱分析工具进行精确的噪音抑制、去齿音（De-essing）和修复棘手的录音瑕疵。 第三部分：内置工具的潜能挖掘 1. DAW内置效果器的深度剖析： 很多用户仅停留在对EQ和Compressor的基础使用。本书将解构DAW内建的卷积混响（Convolution Reverb）、动态EQ（Dynamic EQ）和多段压缩器的工作原理，展示如何利用这些工具实现以往需要第三方插件才能达到的效果。 2. 混音阶段的流程化策略： 建立从“Pre-Gain Staging”到“Final Polish”的系统化混音步骤，重点阐述如何有效利用总线（Bussing）架构进行信号分组处理，以及母带处理（Mastering）前的最终质量控制检查清单。 本书旨在帮助读者从“会用”DAW，跨越到“精通”DAW，将软件潜力完全转化为作品的专业品质。 --- 《现代录音棚技术：麦克风选择、拾音技巧与声学空间处理》 目标读者： 录音工程师、乐队成员、追求家庭录音棚（Project Studio）极致音质的音乐人。 内容概述： 本书是关于如何捕捉最高质量声音的权威指南。它强调了在数字处理之前，信号源和前端采集的重要性。内容涵盖了从物理声学原理到复杂多点拾音设置的全部环节。 关键技术领域解析： 第一部分：声学基础与空间塑造 1. 房间声学入门与量化分析： 解释驻波（Standing Waves）、早期反射（Early Reflections）和混响时间（RT60）对录音的影响。介绍如何使用简易工具和测量软件（如REW）对小型录音空间进行声学诊断。 2. 吸音、扩散与陷波的实践： 详细指导不同频率吸收材料的选择（如薄膜、厚板、空腔共振器），以及如何战略性地布置吸音板和扩散体，以优化录音室的“声音透明度”。 第二部分：麦克风原理与应用 1. 换能器技术详解： 深入对比动圈、电容（心形、全向、八字形等指向性）、铝带（Ribbon）麦克风的工作原理，及其对瞬态响应和频率响应的影响。 2. 拾音技术的系统化分类： 人声录制： 针对不同音色和演唱风格（从轻柔吟唱到高动态摇滚）的麦克风搭配与距离控制。 原声乐器： 鼓组的复杂拾音阵列（从基础两点立体声到完整20支话筒设置）、吉他箱头（Cab Miking）的最佳点位，以及弦乐组的室内声场捕捉技术。 3. 立体声录音的艺术： 详尽讲解A/B、X/Y、ORTF、Blumlein等主流立体声拾音方法的设计意图、空间宽度（Stereo Width）的控制，以及它们在混音中营造的听感差异。 第三部分：前置放大器与信号链优化 1. 话放的音色塑造： 探讨不同类型前置放大器（晶体管、电子管、变压器耦合）如何为信号添加“色彩”和“厚度”。 2. 增益结构（Gain Staging）的黄金法则： 确保从麦克风到AD转换器，信号始终保持在最佳的动态余量内，避免削波（Clipping）或底噪（Noise Floor）过高。 本书致力于提供一套可量化、可复现的录音流程，帮助用户在每一次拾音时都能做出最科学的决策。 --- 《音乐理论与功能和声的现代视角》 目标读者： 作曲家、编曲家、影视配乐师、对传统和声体系有一定了解并希望将其应用于现代音乐创作中的人士。 内容概述： 本书超越了古典和声的规范，旨在将传统的功能和声框架与爵士乐、电影配乐、流行音乐中常用的延伸和弦、调式和非功能性和声进行有效融合。它是一座连接古典严谨性与现代创造力的桥梁。 主要内容模块： 第一部分：基础回顾与现代语境的重构 1. 音级系统与调性： 快速回顾大调、小调体系，并引入当代音乐中更灵活的音高处理方式，如四分音符系统和等音律对和声思维的冲击。 2. 和弦的垂直结构扩展： 深入研究七和弦（7th）、九和弦（9th）、十一和弦（11th）和十三和弦（13th）的构成与解决方式，重点讨论它们在爵士和R&B中的实际应用。 第二部分：功能和声的灵活运用 1. 次属和弦与等音转调： 详细分析次属和弦（Secondary Dominants）、减七和弦（Diminished Chords）的替代性功能，以及如何使用它们实现平稳或戏剧性的转调。 2. 和声色彩的控制： 讲解如何通过调整和弦的根音、三音或七音，来微妙地改变和声的“情绪色彩”（如使用升四音或降五音的和弦）。 第三部分：调式和声与非传统和声材料 1. 调式音阶的应用： 系统梳理自然大调、和声小调、旋律小调的七个派生调式（如Dorian, Lydian, Mixolydian）的和弦生成规律，并演示如何在流行歌曲中无缝切换调式以制造情绪转折。 2. 非功能性和声的构建： 探讨平行和声（Parallel Harmony）、集群和弦（Cluster Chords）以及基于特定音程关系（如五度圈外）构建的和声进行，这在电影配乐中尤为关键。 3. 低音线的驱动力： 强调低音线条在和声进行中作为“决定性因素”的角色，分析如何设计富有律动感和旋律性的贝斯线来支撑复杂的和声结构。 本书鼓励学习者不仅要理解“为什么”某个和弦听起来如此，更要掌握“如何”在自己的创作中精准地运用它们来服务于音乐的叙事目标。 --- 《电子音乐的节奏设计与律动塑形》 目标读者： 电子音乐制作人、节奏编程师、鼓机爱好者以及任何希望在节拍创作上实现突破的音乐人。 内容概述： 本书专注于电子音乐创作中最为核心的要素——节奏。它涵盖了从基础的四四拍到复杂的多重律动（Polyrhythms）的编程技术，强调如何通过细微的时间调整和声音设计来赋予节拍以“人性化”和“驱动力”。 节奏工程核心要素： 第一部分：鼓组的音色设计与采样处理 1. Kick Drum（底鼓）的冲击力： 讲解如何通过EQ、瞬态塑形（Transient Shaping）和饱和（Saturation）技术，使底鼓在不同密度的混音中都能保持清晰的“敲击感”和“低频重量”。 2. Snare（军鼓）与Clap（拍手）的层次感： 学习如何分层（Layering）不同的军鼓和拍手样本，并通过时间错位（Micro-timing）和混响发送（Send Reverb）来创造空间深度。 3. Hi-Hat（踩镲）的动态变化： 探讨如何利用高通滤波（HPF）的自动化和微妙的开合变化，使踩镲在维持节奏骨架的同时，不会使混音听起来过于“拥挤”或“刺耳”。 第二部分：节奏编程与律动感（Groove）的构建 1. 量化与非量化（Groove Template）： 深入解释DAW中的Swing和Groove Pool功能，演示如何从真实演奏的音频中提取律动模板，并将其应用于MIDI编程中，以消除冰冷的机械感。 2. 复杂节奏型态的分解： 剖析Breakbeat、Shuffle、Half-Time等常见电子音乐节奏的底层结构，教授如何通过叠加不同的节奏循环（如叠加十六分音符循环与三连音循环）来构建复杂的复合律动。 第三部分：节奏元素在音乐中的功能性 1. 低频驱动与侧链压缩： 详细讲解侧链压缩（Sidechain Compression）不仅用于“泵浦效应”（Pumping Effect），更关键的是如何利用它来为底鼓在低频区域腾出空间，确保低音和底鼓的清晰分离。 2. 节奏的编排与进化： 讨论如何在歌曲的不同段落（如Verse, Build-up, Drop）中，通过增减节奏元素、改变填充音（Fills）和引入节奏延迟（Rhythmic Delay）来实现能量的平滑过渡与爆发。 本书的宗旨是教会读者超越预设的鼓组，将节奏编程视为一种声音设计行为，从而创作出具有独特签名风格的电子节拍。 ---
著者信息
石田剛毅(石田ごうき)
生於1981年，為I/O MUSIC株式會社的代表取締役社長，也是作詞作曲家、編曲家和音樂教育講師，同時還擔任音樂界的專業顧問。平時使用Cubase系統製作音樂。曾任職於島村樂器小倉分店、廣播電台的音響及企劃業務部門。住在鄉下的那段時間已經以自營音樂事業者的身分創業(2008年4月)，透過C D製作和音樂教學等自立門戶。在客戶之間累積起極高的推薦率和回客率，也因此穩定扎實地擴大業務。2010年春天，因想追求新的發展而單身赴東京，並僅以短短4個月的超快速時間將事業扶上軌道。並於次年春天為想成為「自營音樂事業者」的人設立了「如何成為自營音樂事業者」培訓課程，積極培育後進。2013年10月將工作室法人化，成立 I/O MUSIC 株式會社。
梅垣ルナ(Luna Umegaki)
作曲家／編曲家／鍵盤演奏者。四歲開始學習電子琴與鋼琴演奏，從學生時期開始從事正式作曲活動。畢業後，先後任職於Tamsoft 與索尼電腦娛樂事業（SCE），二○○一年離職成為全職作曲家。作品以遊戲等動態影像配樂為主，在創作了各種配樂的同時，也率領自己的演奏組合「Lu7」，發表充滿想像力的曲子，並帶來令人心曠神怡的鍵盤演奏。包括二○一九年一月發表的專輯《3395》在內，已發表五張專輯，目前正積極地從事各種音樂活動。著作包括《圖解作曲‧ 配樂》、《圖解PRO 作曲法》（中文版由易博士出版發行）與《転調テクニック50》（日文版由Rittor Music 發行）。
野崎貴朗
福島縣白河市人。於日本大學藝術學部音樂學科學習作曲。信念是創作上必須發揮筆記型電腦的機動性。不時得更新最新技術，天生具備貪婪的烈士體質。同時運用數位和類比技術從事作曲、編曲、重新混音、錄音、混音、成音等全面性的聲音製作。曾經參與製作小島麻由美、ICE、Fayray、廣瀨香美、SOON、聖堂教父等眾多作品。近年則參與了Michiyo Honda、橿渕哲郎、EHAMIC、高橋瞳、Sonodaband、Gekkan Probowler、Bremen、MEXICO等人的作品。除了音樂製作方面，亦曾推動「G-yu.org」，嘗試在音樂界中導入免費增值（Freemium）模式。東京音樂專門學校（Tokyo School of Music）、福岡音樂專門學校（Fukuoka School of Music）兼任講師。傳言同時也以其他名義活動，詳細內容未定。
生於1981年，為I/O MUSIC株式會社的代表取締役社長，也是作詞作曲家、編曲家和音樂教育講師，同時還擔任音樂界的專業顧問。平時使用Cubase系統製作音樂。曾任職於島村樂器小倉分店、廣播電台的音響及企劃業務部門。住在鄉下的那段時間已經以自營音樂事業者的身分創業(2008年4月)，透過C D製作和音樂教學等自立門戶。在客戶之間累積起極高的推薦率和回客率，也因此穩定扎實地擴大業務。2010年春天，因想追求新的發展而單身赴東京，並僅以短短4個月的超快速時間將事業扶上軌道。並於次年春天為想成為「自營音樂事業者」的人設立了「如何成為自營音樂事業者」培訓課程，積極培育後進。2013年10月將工作室法人化，成立 I/O MUSIC 株式會社。
梅垣ルナ(Luna Umegaki)
作曲家／編曲家／鍵盤演奏者。四歲開始學習電子琴與鋼琴演奏，從學生時期開始從事正式作曲活動。畢業後，先後任職於Tamsoft 與索尼電腦娛樂事業（SCE），二○○一年離職成為全職作曲家。作品以遊戲等動態影像配樂為主，在創作了各種配樂的同時，也率領自己的演奏組合「Lu7」，發表充滿想像力的曲子，並帶來令人心曠神怡的鍵盤演奏。包括二○一九年一月發表的專輯《3395》在內，已發表五張專輯，目前正積極地從事各種音樂活動。著作包括《圖解作曲‧ 配樂》、《圖解PRO 作曲法》（中文版由易博士出版發行）與《転調テクニック50》（日文版由Rittor Music 發行）。
野崎貴朗
福島縣白河市人。於日本大學藝術學部音樂學科學習作曲。信念是創作上必須發揮筆記型電腦的機動性。不時得更新最新技術，天生具備貪婪的烈士體質。同時運用數位和類比技術從事作曲、編曲、重新混音、錄音、混音、成音等全面性的聲音製作。曾經參與製作小島麻由美、ICE、Fayray、廣瀨香美、SOON、聖堂教父等眾多作品。近年則參與了Michiyo Honda、橿渕哲郎、EHAMIC、高橋瞳、Sonodaband、Gekkan Probowler、Bremen、MEXICO等人的作品。除了音樂製作方面，亦曾推動「G-yu.org」，嘗試在音樂界中導入免費增值（Freemium）模式。東京音樂專門學校（Tokyo School of Music）、福岡音樂專門學校（Fukuoka School of Music）兼任講師。傳言同時也以其他名義活動，詳細內容未定。
图书目录
图书试读
用户评价
评分
這套書光看名字就知道是針對想認真鑽研音樂製作的同好準備的，雖然我還沒開始看裡面的內容，但光是「玩風格音樂創作套書」這個標題，就給了我一股強烈的動力。最近台灣獨立音樂圈的發展真的很蓬勃，各種風格百花齊放，但很多時候，光是聽得懂還不夠，還要會「做」出那個味道才行。我身邊很多朋友都是在摸索階段，遇到瓶頸就很容易卡住，不是混音聽起來總覺得少了什麼，就是和聲進行老是那幾套老梗。這套書光是涵蓋了混音、和聲、合成器這三大支柱，就讓人覺得非常紮實。這絕對不是那種蜻蜓點水、教你幾個基本按鈕的速成手冊，看排版和主題就知道，它想帶領讀者建立的是一個完整的音樂製作思維框架。我特別期待「圖解PRO混音法」那本，因為混音真的是一個玄學跟科學並存的領域，光靠YouTube上那些零碎的教學，很難建立起系統性的概念。希望這套書能讓我把那些聽起來「對了」但不知道為什麼對了的細節，全部轉化成我可以掌握的技術。總之，還沒翻開，光是這套組合拳的配置，就讓我嗅到了一股專業的氣息，準備好迎接一場硬仗了！
评分我最近在嘗試做一些比較復古的Synthwave風格的東西，但總覺得鼓組和Bassline的層次感一直出不來，聽起來就是「電子味」太重，少了點那種厚實又帶點黏性的質感。這大概就是我在和聲編排和混音處理上的盲點吧。所以我才會對這套書產生濃厚的興趣。尤其「圖解重配和聲入門」這個主題，聽起來就很有意思。傳統的和聲學往往教你「怎麼寫出優美的古典和弦」，但對於現代流行樂、R&B、甚至是電子樂來說，很多時候需要的不是「優美」，而是「衝突感」或「獨特性」。如果這本書能教我如何解構現有音樂的和聲結構，並且提供一些「打破常規」的配法，那對我提升作品的辨識度會有極大的幫助。我猜測它不會只停留在基礎的四和弦進行，而是會深入探討如何透過和聲的色彩變化來營造特定的情緒和氛圍。希望它能讓我擺脫只會用C大調的窘境，真正開始玩弄和聲的「風格」！
评分說實在話，現在坊間的音樂教學書太多了，很多都是翻譯過來的，內容或許沒問題，但用語習慣和文化背景總覺得有點距離感，讀起來總像隔著一層紗。這套《玩風格音樂創作套書》光是「圖解」這個字眼就很有吸引力，因為音樂製作，尤其是像合成器這種參數爆炸的樂器，光用文字描述真的會讓人看到頭昏眼花。我一直覺得，要學好電子音樂或編曲，視覺化的輔助超級重要，什麼時候EQ要這樣拉，壓縮器要用什麼比例，如果能配上對應的波形圖或者介面截圖，那種「啊！原來如此！」的頓悟感才會出現。我對「圖解合成器音樂創作法」這本尤其期待，現在軟體合成器選擇多到嚇死人，每一台都有上百個旋鈕，新手光是看到那些LFO、Envelope、Filter Shape這些名詞就先退縮了。如果這套書能用清晰的圖解，把這些複雜的參數背後的聲音變化邏輯講透徹，那對我這種想從「亂轉旋鈕」進階到「目的性設計音色」的人來說，簡直是救星。感覺它會是一個非常實用的工具書，而不是擺著好看的理論大全。
评分我對這套書的期待，很大一部分來自於它所展現出的系統性規劃。音樂創作這條路，最怕的就是學東學西，什麼都懂一點皮毛，但永遠抓不到核心。這三冊涵蓋了從前期的聲音設計（合成器）、中期的結構佈局（和聲），到後期的成品打磨（混音），幾乎完整覆蓋了從零到一的創作流程。我最近嘗試自己做一些Beat，常常在合成器音色選好之後，就對和聲怎麼鋪陳感到茫然，然後好不容易寫完和弦進程，放到混音裡頭又發現鼓組被吃掉了，低頻糊成一團。這種前後脫節的狀態，讓我深感需要一本能把這三者串聯起來的指導手冊。我猜測這套書的作者一定是對整個製作流程有深刻理解的職人，才能設計出這樣環環相扣的學習路徑。對於想從愛好者晉升到專業水準的我們來說，這種結構化的知識體系，比單點突破來得更為重要且實用。期待能透過這套書，把我的創作流程徹底梳理一遍，做出真正有「風格」的作品出來！
评分坦白說，現在網路上資源多到爆炸，但最大的問題是它們的品質參差不齊，而且很多時候都是針對特定軟體或DAW的「操作教學」，而不是「音樂製作的通用思維」。我關注這套書很久了，就是看中它似乎想建立的是一個跨軟體的、更底層的製作邏輯。例如，混音原理（如動態控制、頻率分配）應該是通用的，無論你用Pro Tools、Ableton還是Logic，核心概念是一致的。如果這套書能將這些核心概念透過「圖解」的方式徹底釐清，那我花下去的時間絕對是值得的。我希望它能讓我從一個只會錄音、擺放音軌的「操作員」，蛻變成一個懂得如何「塑造聲場」和「烘托氛圍」的聲音設計師。尤其在現代音樂製作中，聲音的立體感和空間感越來越重要，這套書如果能把混音中的相位、立體聲像這些比較進階的議題也涵蓋進去，那這套書的價值就非常高了。
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