导演笔记：导演椅上学到的130堂课(2版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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原文作者： Frank Hauser、Russell Reich

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• 实践指南

　　数年前，传说中的导演法兰克．豪瑟，静静地把十二页打字出来的笔记，拿给他当时的学生，罗素．莱克。豪瑟长期的职业生涯所累积的经验智慧淬鍊而得的笔记，是他个人与一大群剧场和电影的大人物共同分享戏剧工作的导演心得，包括亚历克．吉尼斯爵士、理察．波顿、茱蒂．丹契女爵士，和其他许多称唿豪瑟为他们的导演、良师益友、或导师的人。

　　罗素．莱克以他长期与豪瑟互动、讨论的内容及他自己的经验为基础，把这些笔记扩充、补强成为一本书。当莱克自己出版这本书时，宣称这是一本不受时间限制的经典，而现在终于有平装本问世。

　　书里行间确实可见洋溢的才华。正如史壮克与怀特对于英文写作与文法的贡献，豪瑟与莱克对于导演与演戏所提供的深度见解是无可比拟的。除此之外，这本书也包含对生活和领导力独特的指导----如何与人交际、预料问题、处理棘手的状况，因此，《导演笔记》不仅在舞台上极具重要性，在舞台下也同样有价值。

　　这130个「重点」涵盖的范围很广，从理解剧本到排练规则，如何与演员交谈，如何搏得观众笑声，以及舞台的关键元素。这些内容透露出年轻的伊恩．麦克伦和茱蒂．丹契如何开始他们的演员生涯，也引用许多艺术家罕见的说词，诸如契柯夫、卡山、和萧伯纳。对于投身于导演或演戏工作的学生或专业人士，正在寻求领导方面崭新概念的专业经理人，或是想要了解戏剧创作过程的剧场爱好者，阅读《导演手册》将会是一段珍贵、无价的经验。

本书特色

　　要当一位好导演，就从这本书开始。
　　亚马逊书店五颗星推荐
　　亚马逊书店分类排行榜前五名

　　当所有的书都强调严肃性时，英国传奇舞台剧法兰克．豪瑟这本广受好评的书，让读者可以在轻松隽永的130则短文中，体会当一个成功导演的秘密。对年轻的学生或新进入表演的生手来说，这本书提供的不是生硬的理论，而是一位优秀导演如何成功的私房密笈。不论是对舞台剧或是电视电影的剧情片，本书都有许多值得参考的内容。

作者简介

Frank Hauser 法兰克.豪瑟

　　现已辞世，于1956年在牛津大学成立《Meadow Players》，并且担任牛津剧场（Oxford Playhouse）的导演长达十七年。在这期间，他的许多戏剧作品可以在伦敦和纽约看到。1968年，他荣获「大英帝国司令勋章」（CBE），由英国女皇颁发最闻名于世的荣誉之一。

Russell Reich 罗素.莱克

　　是个创意十足的导演，住在纽约。他曾经担任哈佛大学的驻校访问艺术家，以及纽约圆形剧团的艺术伙伴，并且是圆形剧团导演实验室的成员。

译者简介

李淑贞

　　现职：专业翻译
　　学历：国立清华大学外语学系毕业 

导演的炼金术：镜头之外的艺术与生存指南 （本书旨在提供一套全面的、跨越行业边界的实践性指导，侧重于创意实践、人际协作、项目管理以及个人心性的修炼，完全独立于任何特定导演的“笔记”或“课程集合”。） --- 第一部分：驾驭创意的混沌——从概念到剧本的深度解析 本书深入探讨了电影制作的初始阶段——创意的孕育与结构化。我们不谈论特定电影的拍摄细节，而是聚焦于如何将一个模糊的灵感转化为可执行的叙事蓝图。 一、灵感的“炼金术”：如何提纯原始意图？ 许多创作的开端是冲动而非清晰的愿景。本部分将指导创作者进行“意图提纯”的过程。我们探讨： 核心冲突的识别与放大： 如何在海量的素材中，迅速定位驱动整个故事的根本矛盾，并确保这个矛盾具有普适性或极端的独特性。 世界观的自洽性构建： 详细解析如何建立一套内在逻辑严密的规则体系（无论是现实主义还是科幻背景），确保观众的沉浸感不会因为规则的自相矛盾而瓦解。这包括对“信息植入点”的策略性布局，而非生硬的解释。 主题的层次化处理： 探讨一个好的故事如何承载多重主题，并避免说教。我们分析了“表层叙事”与“深层哲学”之间的张力，以及如何通过视觉隐喻来传达复杂思想，而非依赖对白。 二、剧本的工程学：结构之外的叙事驱动力 剧本不仅仅是场景和对白的堆砌，它是一种节奏的控制和心理的操纵。本书提供了超越传统“三幕式”范式的叙事工具箱： 节奏的非线性设计： 探讨如何使用插叙、闪回、平行剪辑等手法来构建情感回波，而不是仅仅为了增加悬念。重点分析“情感高潮点”与“信息释放点”的分离与重叠。 人物弧光的内爆与外爆： 研究角色转变的内在驱动力（心理创伤、认知失调）如何在外在行动中得以体现。我们提供了一套“动机-障碍-代价”的评估矩阵，用于测试角色决策的可靠性。 场景效率的最大化： 如何在每一个场景中，至少完成两个任务——推进情节和揭示人物性格。这涉及对白减法原则的严格执行，以及如何利用空间调度来暗示权力关系。 --- 第二部分：跨越鸿沟——技术、美学与团队协作的化学反应 制作环节是想象力与现实资源碰撞的熔炉。本部分着重于在预算、技术限制与艺术追求之间找到最优解。 三、视觉语言的解构与重构：超越风格的实用主义 本书不推崇盲目模仿任何既定美学，而是引导创作者发展其“视觉指纹”。 光线作为叙事工具： 分析光线的物理特性（色温、方向、硬度）如何直接影响观众的情绪感知和对场景中元素的信任度。我们讨论了在不同环境（自然光、室内布光）下，如何利用光影来引导视线和隐藏/揭示信息。 景别与运动的心理学关联： 探讨不同镜头语言（特写、广角、俯拍）与人类本能反应的对应关系。例如，如何在需要建立亲密感时，谨慎使用主观视角；如何在需要展现压迫感时，优化运镜的加速度。 “去风格化”的陷阱： 警示过度追求“独特风格”可能导致的作品的空洞化。强调视觉风格必须是服务于故事内核的自然延伸，而非装饰品。 四、团队的磁场：领导力、沟通与冲突管理 电影制作是集体创作的典范。本部分聚焦于“人”的管理艺术。 建立“共同愿景”的机制： 如何将一个复杂的艺术概念，用清晰、可量化的方式传达给技术部门（摄影、美术、特效）。我们提出“视觉摘要卡”和“情绪调色板”等工具，用于量化抽象概念。 授权与控制的哲学： 探讨何时必须坚守阵地，何时必须放手让专家发挥。这涉及对各部门头目的能力评估和信任建立，尤其是在高压环境下，如何保持团队的创造力而非陷入僵局。 预算与进度的“双向博弈”： 分析在资源受限时，如何与制片部门进行有效的谈判。这不是妥协，而是重新设计实现艺术目标的替代路径。探讨“预视觉化”（Pre-visualization）在控制后期制作失控风险中的核心作用。 --- 第三部分：制作的后勤学——从片场到影院的转化 本部分关注的焦点是如何将拍摄现场的成功经验，平稳过渡到最终交付，确保艺术意图在最终成品中得以忠实呈现。 五、剪辑室的第二次创作：重塑时间与空间 剪辑是导演对观众体验的最后一次强力干预。 节奏的微调与校准： 如何通过精确到帧的调整，改变观众对时间流逝的感知。我们研究“容忍度”——哪些停顿可以被拉长，哪些过渡必须被瞬间切断。 对白与声音场景的设计： 强调音效和音乐在构建环境真实感和推动潜意识情绪流动中的决定性作用。探讨混音阶段中，如何平衡环境声、音乐和对白之间的主次关系，避免“声音的拥堵”。 预演与测试的价值： 强调早期观众反馈的收集与分析，但这并非意味着盲从。指导创作者如何辨别“有效反馈”（关于清晰度和情感共鸣）与“无效反馈”（关于个人偏好）。 六、职业生涯的长期构建：适应与韧性 制作完成后，创作者的旅程仍在继续。 发行策略的理解： 即使不是制片人，导演也需要理解市场逻辑。分析不同发行渠道（影院、流媒体、节展）对影片最终剪辑和宣传策略的影响。 拒绝“完美陷阱”： 探讨创作过程中“完成比完美更重要”的现实意义。如何设定一个可接受的完成度，并学会放手，将注意力转移到下一个挑战上。 持续学习的结构化方法： 建立一套反思机制，将每一次项目的成功与失败都转化为可复用的经验模板，确保创作能力随着时间的推移持续迭代和深化。 本书的全部内容，是基于对创意流程的系统化理解、人际动态的精微洞察以及资源整合的实用技巧的总结，旨在为所有致力于用影像进行表达的创作者，提供一个坚实而灵活的行动框架。

I.  了解剧本
II. 导演的角色
III.  选角
IV.  先读一次剧本
V.  排练守则
VI.  布局
VII.  与演员交谈
VIII. 让观众发笑
IX. 舞台元素
X. 最后几个秘诀

结语

附录 I：「什么」游戏
附录 II：朋友和敌人
附录 III：保持单纯化、增加变化、清楚明了
附录 IV：说真的
附录 V：推荐阅读

序言

　　人类表演的历史非常久远，我们穴居的祖先就已经会在部族面前表演打猎的过程。然而，学戏剧或电影的人都知道--特别是对导演工作有兴趣的人--要得到通过时间考验且精练纯熟的指导是多么不容易的事。

　　在我做为一个年轻导演的学习过程中，一直渴望得知最根本的原则，渴望获得具体的建议。亚里斯多德与斯坦尼斯拉夫斯基已做出他们的贡献，而谁是当代树立准则的人? 谁可以让我们学习去了解演员的性情和行为、一般观众的认知，或是有效解决排练谜团和表演危机的方法? 简而言之，谁知道这些准则？

　　后来，我遇见了法兰克．豪瑟。

　　那是在1980年代末期。我刚从学校毕业、离开不适合的华尔街银行的工作、前往伦敦追寻我的导演生涯。

　　在那里，我遇见了法兰克。他是我的老师之一，一个骨瘦如柴、声音粗嘎、机智、好说些戏谑的双关语、爱捉弄人的人。他那一身皱巴巴的衣服和平民化的作风，很难让人联想到他重要的成就；将近五十年的职业生涯中，他经营了牛津大学专业的戏场，在伦敦和纽约导演了无数的作品，指导了许多已经是或后来将成为英国戏剧舞台之王的人，包括艾利克．吉尼斯、理察．波顿、茱蒂．丹奇，以及伊恩．麦克伦。

　　我们认识的时候，正值法兰克在伦敦西区同时进行三场戏剧演出的工作尾声。在完成我们的学习作品后，法兰克邀我一同前往奇切斯特，一个位于英格兰南方充满各种庆典活动的戏剧小镇，担任他执导的「四季之人」（《A Man for All Seasons》台湾译名《良相佐国》）的助理导演。

　　有一天在排练前，惊喜从天而降。法兰克递给我一叠十二张印着打字机工整字体的文稿，第一页上印着谦虚的标题：执导笔记。

　　「你也许会发现这些对你有帮助，」他说。

　　「执导笔记」是他的智慧结晶----是他杰出的职业生涯所累积的经验去芜存菁后的产物。他私下分送给朋友和学生的「执导笔记」，说明他如何与演员交谈，如何分析一场戏，如何使排练维持轻快而有效率。也就是说，「执导笔记」告诉我们他如何把一个故事化为生动的戏剧表演。

　　法兰克在排练时的导演技巧，并不像他的「执导笔记」所显现出来的那么理论化，不过，这些重点确实抓住了他的工作要领和效能；他如外科手术般精准、快速的切入；他给演员的看似简单的指示，就像他本人一样，有时容易被低估了。

　　做为导演，弗兰克在必要的时候会努力工作，虽然外表看起来有点心不甘情不愿。他总会突然停下来，期待做为演员或学生的你说些什么，以负起积极参与对话的责任。毕竟，你有角色必须扮演。提出主张的是他，而沉思与实现的责任在你。只有在过了一些时间之后，大家才会领悟到，虽然他似乎做得不多、说得很少，却完成了这么多--显然是一位能干的导演兼老师。

　　在我们认识十五年后，我向法兰克提出把他十二页的笔记扩充成一本书的想法。

　　他原始的笔记全部都还在这里面。这本书是在他原始的笔记中，补充上我在法兰克身边所观察到的其他技巧和教学，也增加了以我自己的经验和其他人的教学为基础的材料。

　　我们让这本书发出权威指导者的说话语气，喜欢动用「要…」、「不要…」、「一定要…」，和「绝对不要…」这些字眼。法兰克和我也许可以使用比较温和、比较建议式的口吻，不过，我们认为，因为过度而产生刺激总比因为温和而产生不了反应要好。

　　对于书中武断的主张，当然可以提出质疑--可以抵抗、辩论、甚至讨厌它们。我们的希望是，阅读这本书的人无法忽视它的存在。

了解剧本

1. 阅读剧本。
或是让编剧读剧本给你听。拔掉电话插头，不要应门，好好地坐着把剧本从头到尾读一遍。在剧本后面写下评语，非常简单的…「开头有点无聊」、「不太了解它的意图」、「最后一部分很感人」。

2. 休息一下，再读一次。
这一次，让你自己思考：想一想这出戏会是什么样子、你将会需要哪种类型的演员、第一次阅读时看到的问题是否自行解决了。

3. 如果可以选择的话，试着让设计者融入作品中。 制作执导由法兰西斯‧培根所设计的契柯夫作品「三姐妹」也许很有趣，但是这可能对演员和观众一点帮助都没有。

4. 不要太早决定最后的设计。
你永远会被工作室逼迫早点定案，不过，要尽可能拖延。当你愈来愈了解剧本时，想法一定会跟着改变。

5. 读每一个角色的部分，就好像你自己在扮演这个角色。
跳过没有你的戏的场景，专注在你自己的台词上。这么做会让你对这个角色有更清楚的想法，可以帮助你选择演员。

6. 不要用功过度。
「我把剧本的每一个字都记起来了」是导演最爱吹嘘的一句话，不过，这可能会限制住你的想像力。背台词是演员的工作，不是你的。有时候猜想一下这场戏会怎么走下去，可以让你更自由地思考。

7. 学着去爱一出你并不特别喜欢的戏。
你可能会被要求----或选择----执导一出，为了各种理由，你认 为不是那么好的戏。这种时候，最好把焦点放在这出戏的优 点上，不要试图修改它先天的问题。

8. 找出故事中激发观众兴趣的问题。
每一出好戏都有一个基本的问题：「她会不会…」，这个与主角相关的疑问悬在观众心中让观众保持兴趣，也是整出戏发展的重心。想一想莎士比亚的《哈姆雷特》：王子会为父报仇吗?易卜生的《玩偶之家》：娜拉会对她的丈夫托伐保密吗?

做为导演，你必须知道是什么让观众对进行中的情节保持兴趣。

9. 要知道人生经验就是受苦与解决痛苦
任何剧本都应该被问到：剧中人物如何受苦? 他们做些什么来 解 决他们的痛苦?

10. 要认知人物是行为塑造出来的。
就如亚里斯多德所教导我们的，我们主要是透过人的行为来认识他。其他人怎么说他，或是他怎么说他自己，可能是真的，也可能假的。

11. 要了解戏剧描绘的是处于特别情境中的人。
舞台上上演的不是一般人的日常生活，而是某种极度的、限定的、改变生命的情境。

这样的特殊情境是怎么产生的?亚瑟‧米勒说：「戏剧的结构永远是在说明故事为什么会有这样的结果。」

也就是说，某人曾经做过的事，其后果一定会纠缠着剧中的人物。这些过去的行为渗透进故事当中；它们威胁着平常的生活情境和角色的生命价值，强迫剧中人物做出选择。

如爱德华‧欧比所说：「戏剧就是这么回事，不是吗?麻烦事接二连三。」

12. 要知道努力的过程比结果重要。
剧中人物是否完成他们开始要完成的事并不重要，重要的是，他们的意图是清楚的----他们努力面对，遭遇阻碍，为了达成目标不断地做出选择。在清楚且不得已的情况中做选择，正是剧中人物吸引观众之处；他们不是改变环境就是被环境改变。

观众目睹每个角色的旅程，设身处地地跟着他们走：「我同意。」、「他为什么这么做?」、「这么做有意思；我永远也不会想出这么聪明的策略。」

当戏接近尾声，观众期待着迫切的冲突或奇蹟出现时，他们在乎发生什么事，但更在乎剧中人物对发生的事做什么反应。再强调一次，情感的旅程比目的地更重要。

13. 要认知结局就在戏的开埸。
所有最好的戏剧，结局必定就存在于戏开场的那一刻，以及之后的每一刻。从观众的角度来看，只有在戏结束之后，回过头来想才会了解、欣赏这一切。观众愿意的话会看到每一个元素都是不可或缺的；从头到尾的每一刻都牵动着最后的结果。

这一切都要靠身为导演的你，以优雅为目标----摒弃所有多余的事物(参考96. 每一事物都具有意义)。

像这样所有元素紧密结合的作品，说起来简单，做起来并不容易。然而，具有决定性力量的导演，必须找到一出戏一致的结构，让每个元素都具有其意义。

14. 用尽量少的言词表达出一出戏的核心。
应该用简单的一、两句话来表达。这是整个剧组的工作目标：
A. 演员和舞台设计应该给观众什么样的第一印象?
B. 又应该给观众什么样的最后印象?
C. 你打算如何从A走到B?

II. 导演的角色

15. 你是产科医生。
你不是生出一出戏的父母，而是孩子诞生时，为了临床的理由而在场的产科医生。大多数的时间，你的工作就是做些没有伤害的事。

不过，当出现问题的时候，你察觉到状况----并且客观地介入导正----就能够决定孩子的健康和生死。

评分☆☆☆☆☆

《导演笔记：导演椅上学到的130堂课（2版）》这个书名，让我联想到我过去在唱片公司工作时，偶尔也会接触到MV的拍摄。那时候，导演跟唱片企划、艺人之间的沟通，还有現場的調度，我只是远远看著，就觉得那是一个需要极高智慧和情商的行业。尤其是我自己本身也是一个很喜欢看电影，甚至会在观影后，忍不住去思考导演的镜头语言、叙事节奏，甚至是他想要传达的潜台词的人。台湾电影，近年来有许多让我惊艳的作品，从商业大片到文艺片，都有各自的精彩之处，这背后一定离不开导演们的深厚功力。我很好奇，这130堂课，会不会包含一些，导演在面对审查制度、市场压力，以及跟不同背景的工作人员合作时的实战经验？因为在台湾，我们有非常多元的文化背景，如何整合这些不同的声音，同时又保持创作的初衷，这绝对是一门艺术。而且，作为一个读者，我特别想知道，书中会不会有一些，关于如何培养自己的导演“语感”或者说是“风格”的指导？是不是有某些特定的训练方式，可以帮助一个人，找到属于自己的独特创作视角？我非常期待这本书能给我带来一些启发，让我更深入地理解电影艺术的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

《导演笔记：导演椅上学到的130堂课（2版）》这个书名，听起来就充满了智慧和经验的沉淀。我本身就是一个非常喜欢阅读，并且对创作过程充满好奇的人。虽然我不是电影科班出身，但从小就对电影情有独钟，尤其是台湾本土电影，更是我成长过程中不可或缺的一部分。我一直觉得，台湾的电影，有一种很独特的温暖和细腻，它能够触碰到我们内心最柔软的部分。这本书的书名，让我联想到很多我喜欢的台湾导演，像是侯孝贤、杨德昌，他们的作品总是能够引发我很多思考。我很好奇，这130堂课，会不会包含一些，关于如何发掘故事、如何构建人物，以及如何将抽象的情感转化为具象的影像的技巧？在台湾，我们有非常丰富的文化底蕴和独特的历史经验，我相信这些都是创作的宝贵素材。我非常希望这本书能够分享一些，如何将这些本土的元素，有机的融入到电影叙事中，并且在国际舞台上，展现出我们独特的艺术魅力。同时，我也很好奇，书中是否会探讨，如何在快节奏的现代社会中，保持创作的初心和持久的热情，这对于任何一位创作者来说，都是一个重要的课题。

评分☆☆☆☆☆

导演椅上学到的130堂课（2版），看到这个书名，我当下就联想到我大学时期，为了追逐电影梦，在片场打杂、甚至连道具组都待过的那些日子。那时候，导演二字对我而言，充满了神秘感，仿佛是掌管整个影像世界的魔法师。每天看著监视器里，导演如何跟演员沟通、如何调整镜头、如何处理突发状况，总觉得那是一种集大成者的艺术。这本书的名字，就好像一把钥匙，轻轻一敲，就打开了那扇我曾经窥探过的，充满挑战与魅力的领域。台湾的电影产业，近年来虽然面临不少困境，但优秀的导演和作品依然不断涌现，每部作品背后，都凝聚了多少心血和智慧？我相信这本书，不只是给有志于导演这个职业的人准备的，对于所有热爱电影、对创作有好奇心的人来说，都应该能从中找到共鸣。尤其是在我们这个土地上，很多优秀的导演，他们不只拍电影，更是用镜头书写著我们这片土地的故事，记录著时代的变迁，传递著人性的温度。我很好奇，这130堂课，到底是如何淬炼出来的？是某个特定阶段的经验总结，还是跨越漫长职业生涯的沉淀？我个人特别希望，书中能有一些关于台湾电影历史发展脉络中的具体案例分析，或者是一些本土导演在面对国际化挑战时的思考。毕竟，我们独特的文化背景和情感，才是我们电影最宝贵的资产。

评分☆☆☆☆☆

看到《导演笔记：导演椅上学到的130堂课（2版）》这个书名，我就想到我高中时期，第一次跟著老师去戏院后台参观的经验，那时候看到导演拿著喇叭，在一片混乱中还能冷静地下达指令，就觉得他们简直是神人。一直以来，我都是一个重度电影爱好者，尤其喜欢挖掘台湾本土电影的独特魅力。从早期的文艺片，到现在的各种类型片，台湾电影总能带给我很多惊喜和感动。我常常在想，导演这个职业，到底需要具备哪些特质？是不是像这本书说的那样，有130堂课可以去学习？我很想知道，这本书会不会包含一些，关于如何带领团队、如何激励演员，甚至是如何在拍摄过程中，处理各种突发状况的经验分享。毕竟，一部电影的成功，是集合了许多人的努力，而导演无疑是那个最关键的灵魂人物。如果这本书能让我更了解，一位导演是如何在纷繁复杂的创作过程中，找到自己的方向，并且将自己的想法清晰地传达给团队，那就太有价值了。我个人也对电影的视觉呈现非常在意，不知道书中是否会涉及一些，关于构图、色彩运用、或者光影技巧的探讨？

评分☆☆☆☆☆

哎唷，看到《导演笔记：导演椅上学到的130堂课（2版）》这个书名，我脑海里立刻浮现出好多经典台湾电影的画面！像《海角七号》那种讲在地故事的，还有《大佛普拉斯》那种黑色幽默又充满社会观察的，这些作品的成功，背后肯定有太多我们看不到的甘苦。我常常在想，当导演真的不是光有创意就够了，那个压力、那个责任，还有那个随时随地都要做出决定的临场反应，想想都让人头皮发麻。特别是现在科技这么发达，很多东西都改变了，不知道这2版的新内容，是不是加入了更多关于新媒体、新拍摄手法，或者是在预算有限的情况下，如何突破创意的讨论？毕竟，台湾电影不像好莱坞有那么雄厚的资源，很多时候都是靠著一股拼劲和智慧在撑著。我一直觉得，我们台湾的导演，特别擅长在看似平凡的生活中，挖掘出动人的情感和深刻的议题，这种能力，说实话，在很多西方电影里都很难看到。这本书如果能分享一些，如何将这种「台湾味」融入到叙事中，或者是在国际影展上，如何让我们的故事被更多人理解和欣赏的技巧，那真的会是大大加分。我本身就对电影制作流程很感兴趣，平时也会看一些幕后花絮，对导演这个角色更是充满好奇。