表演艺术概论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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表演是一门实践性极强的学科，同时它自身也在不断地发展，需要不断地再认识，不是『说』一些大道理，讲一些『高深』的理论就能把表演学到手，而是需要在由浅入深地讲述表演的同时，做若干循序渐进的表演练习，甚至必须反覆地做，边实践、边思考、边总结才能奏效。因此把此书定位为青年影视演员、影视表演爱好者加强自我艺术修养的基础教材及辅助参考。书中提出的理论问题和教学法方面的问题都有实践的支持和美学、教育学的支持。是一本表演学科实用型的普及入门读物。

舞台的呼吸：戏剧、舞蹈与音乐的交融之旅 内容提要： 本书并非对某一特定艺术门类的理论梳理，而是致力于构建一个宏大且精密的“表演生态系统”图景。它深入探讨了戏剧、舞蹈、音乐三大核心表演艺术如何独立发展，又如何在历史长河中相互渗透、彼此塑造，最终共同构筑起人类精神表达与文化传承的复杂殿堂。全书以跨学科的视角，剖析了从古希腊的酒神颂歌到当代沉浸式剧场的演变脉络，聚焦于“表演行为”本身所承载的媒介特性、社会功能及其对观众心灵的冲击机制。 第一章：起源的低语——人类本能的仪式化表达 本章溯源至人类早期社会中，歌唱、舞蹈与叙事作为生存必需的仪式性活动。我们考察了非洲部落的祭祀舞蹈、美索不达米亚的史诗吟诵，以及早期欧洲的农耕庆典。重点分析了“表演者”与“观众”身份的初步分化，以及这种集体仪式如何成为社群凝聚力的基础。探讨了模仿、节奏和情感外化在早期表达中的核心作用，为后续艺术形态的专业化奠定了人类学的基石。 第二章：古典结构的奠基——从祭坛到剧场 本章聚焦于古典文明对表演艺术形式的规范化建构。 戏剧的叙事骨架： 深入剖析古希腊悲剧的“三一律”与合唱队的作用，探讨亚里士多德《诗学》对戏剧结构的影响力。对比雅典大剧场与罗马圆形剧场的空间差异，解析其政治功能。 舞蹈的几何学： 考察巴洛克时期宫廷芭蕾的兴起，重点研究路易十四对舞蹈技术与美学的标准化进程，如“五大基本脚位”的诞生及其对人体姿态的哲学定义。 音乐的理性秩序： 分析古希腊音阶理论（如多利亚调式）如何影响早期西方音乐的理性构建。探讨音乐在宗教仪式中作为超越语言障碍的媒介所扮演的角色。 本章强调，古典时代是三大艺术“分离但并置”的阶段，各自在追求形式上的“完美比例”。 第三章：中世纪的信仰与世俗的裂痕 本章审视了中世纪欧洲，表演艺术如何被基督教神学重塑。 戏剧的复苏： 考察“神秘剧”和“道德剧”如何在教堂内部重生，探讨宗教教义如何通过视觉和听觉的综合体验得以传播。 吟游诗人的游牧： 分析世俗文学和音乐在民间流传的活力，吟游诗人如何成为最早的跨区域文化传播者，其歌曲与叙事结构如何区别于教会的庄严教化。 身体的禁锢与解放： 讨论教会对身体外露和狂放舞蹈的压制，以及民间狂欢节文化对表演自由的暗中坚持。 第四章：文艺复兴的回归与融合的萌芽 文艺复兴标志着人文主义的复兴，表演艺术开始摆脱单一的宗教束缚，寻求人性的深度挖掘。 意大利即兴喜剧（Commedia dell'arte）： 详细分析“套式角色”（Stock Characters）如哈乐昆、潘塔隆的表演技巧。研究即兴创作如何挑战既有剧本的权威性，强调演员的个人魅力与临场反应。 歌剧的诞生： 探讨佛罗伦萨的“卡梅拉塔”小组如何试图复兴古希腊悲剧的“歌唱性台词”。分析早期歌剧（如蒙特威尔第的作品）在戏剧冲突、音乐抒情和舞台设计上的突破性尝试。 巴洛克的华丽与炫技： 考察巴洛克时期，为了彰显王权和艺术家的技巧，舞蹈、音乐（复调的成熟）和舞台机械的结合如何趋于极致的奢华与复杂。 第五章：启蒙时代的理性与情感的张力 本章探讨18、19世纪，表演艺术在社会思潮下的分化与对话。 戏剧的社会批判： 考察狄德罗和席勒等人对“严肃戏剧”的倡导，探讨戏剧如何成为反思社会弊病、鼓吹公民美德的工具。 浪漫主义的狂潮： 分析浪漫主义思潮对“崇高感”和“绝对情感”的追求如何体现在舞台上。考察古典芭蕾对叙事性、梦幻场景（如《仙女》）的偏爱，以及瓦格纳“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的宏大理论。 音乐的结构革命： 深入研究贝多芬以降，交响乐如何从服务于宫廷转向表达个体内在的史诗性冲突，以及声乐在浪漫主义歌剧中的解放。 第六章：现代性的破碎与重塑（20世纪至今） 进入现代，表演艺术经历了前所未有的解构与实验。 戏剧的颠覆： 分析梅耶荷德的“生物机械论”、布莱希的“疏离效应”，以及荒诞派戏剧对传统线性叙事的彻底否定。演员如何从“再现”转向“揭示”？ 舞蹈的自由肢体： 考察伊莎多拉·邓肯对古典束缚的反抗，以及现代舞（Martha Graham, Merce Cunningham）如何将地面、呼吸和内心感受纳入舞蹈语言，构建全新的身体语法。 音乐的边界消融： 研究20世纪音乐的多元化，从勋伯格的十二音体系到斯特拉文斯基的原始主义，再到电子音乐和环境音乐的兴起。关注非西方音乐体系对西方作曲家的启发。 媒介的介入： 探讨电影和电视技术如何首次将表演行为“固化”并大规模传播，以及录音技术对现场艺术的冲击与反作用力。 第七章：跨界、沉浸与未来的视域 本章展望当代表演艺术的趋势，关注“表演”行为如何在新的社会空间中定义自身。 身体的政治学： 考察后殖民理论、女性主义理论如何影响当代舞者的身体表述和戏剧的主题选择。 新马戏与剧场化： 分析太阳马戏团等流派如何将古典杂技、音乐剧和高科技舞台设计进行无缝整合，模糊了“高雅”与“通俗”的界限。 数字时代的表演生态： 探讨虚拟现实（VR）、增强现实（AR）技术对“现场性”的挑战，以及数字技术如何为表演者提供全新的“空间”与“交互”可能性。分析剧场艺术如何通过“参与式”和“沉浸式”体验，重新夺回观众的注意力焦点。 结语：表演作为一种生存的必要性 本书最终回归到对“表演”这一人类基本冲动的哲思。它并非提供一套表演技巧手册，而是旨在为学习者建立一个全景式的知识框架，理解人类文明是如何通过精心编排的动作、声音和故事，来理解世界、处理痛苦、庆祝生命，并最终实现自我超越的。本书强调，无论是独舞者的呼吸，还是交响乐团的齐奏，都指向一个共同的核心：在有限的时间和空间内，对“存在”进行一次集体的、有组织的感受与确认。

作者简介

刘诗兵

　　湖北人，1938年9月出生，北京电影学院教授，中国电影表演学会副秘书长，中国影视艺术技术协会（学会）联盟教育专业委员会副主任。

　　他多年从事影视表演教学，主持全系教学与教研工作多年，曾发表过专着有《影视表演艺术讲课笔记》、《电影表演艺术概论》、（合着）、《中国电影表演百年史话》，执行主编了中国电影表演艺术学会丛书《新世纪电影表演论坛》（上、下）《电影表演创新集》、《银幕形象塑造》等。

第一章 绪论
第一节 表演艺术的特性和影视表演的特点
第二节 影视表演与戏剧表演的异同
第三节 做一名合格的影视演员

第二章 表演技巧基础训练
第一节 明确表演艺术的实质──动作
第二节 开展各种训练表演动作的手段
第三节 影视表演语言技巧、形体动作、声乐的综合训练
第四节 观察生活与表演习作
第五节 激发艺术想像进行小品创作
第六节 表演的影像记录与影视小品的创作学习

第三章 角色创作基础训练
第一节 探索形象创造的重要学习阶段
第二节 文学作品片段案头工作程序
第三节 学会行动分析方法──演员走向角色的途径
第四节 变剧作者的文学语言为演员口中说出的话
第五节 再谈组织「这一个」人物的行动与深化规定情境
第六节 在动作中把握表演时空
第七节 镜头介入使表演审美产生微妙的变化

第四章 舞台人物形象排练──完整人物的形象塑造（上）
第一节 话剧排演对影视演员的训练价值
第二节 扎实的案头分析──剧本事件、人物行动、主题思想、最高任务与贯穿动作
第三节 反覆强调「练」的学习过程，在行动与感觉中把握人物基调
第四节 在丰富的细节中展现人物性格与表演功力
第五节 言语的处理与舞台言语的风格规范
第六节 表演节奏与舞台表演空间的处理
第七节 性格化及在连续演出过程中的表演再创造

第五章 影视人物形象创作──完整人物的形象塑造（下）
第一节 影视表演创作最初的案头工作
第二节 表演可塑性和演员对自我在创作中的开拓与再认识
第三节 人物基调的把握与角色外部动作设计
第四节 现实主义表演方法的多元化与多样性
第五节 在影视多元素的有机融合中完成性格化创作
第六节 影视作品处理表演的要素
第七节 电影表演评论与表演审美

第六章 影视表演理论专题研究
第一节 现实主义（影剧）表演学派主要代表人物的论点及其创建
第二节 探索电影与戏剧不同的审美特征
第三节 表演艺术大师──赵丹
第四节 表演艺术大师──石挥
第五节 表演艺术大师──劳伯狄尼洛

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《表演艺术概论》，我真的非常惊喜。我一直以来都对舞台表演有着近乎痴迷的热情，特别是那种能够用肢体和声音去传递复杂情感的艺术家们，他们身上散发出的魅力，简直是无法抵挡。这本书的封面设计，我觉得非常传神，那种简洁而富有张力的构图，仿佛将整个舞台浓缩其中，让人一看就心生向往。我虽然不是表演专业的学生，但平常闲暇时，一定会挤出时间去看各种演出，从传统的京剧、歌仔戏，到现代的音乐剧、肢体剧，我都乐于尝试。我一直觉得，一个好的表演，不只是台上的演员在卖力，更是背后无数的艺术家共同努力的结晶。这本书看起来内容非常扎实，我稍微翻阅了一下，感觉它不仅涵盖了不同类型的表演艺术，还对它们的历史、理论和实践都有深入的剖析。我特别想了解其中关于“演员的准备”以及“观众的参与”这两个部分，因为我觉得，演员的每一次呈现，都需要精心的准备，而观众的反馈，也能在某种程度上影响到表演的走向，这是一种奇妙的互动。这本书给我的感觉，就像是一位经验丰富的艺术家，将他毕生的所学，毫无保留地传授给我。

评分☆☆☆☆☆

我最近有幸接触到这本《表演艺术概论》，这本书的装帧设计相当别致，封面上那种抽象的线条和色彩组合，总让我想起某些现代舞的编排，非常有艺术感。我本身是从事音乐教学的，虽然不是直接的表演者，但对表演艺术的理解和欣赏一直有着浓厚的兴趣。我总觉得，音乐的表演，比如声乐或器乐演奏，都需要一种高度的“在场感”，需要与观众产生共鸣，这和戏剧表演中演员的投入有着异曲同工之妙。这本书的篇幅看起来相当可观，我稍微翻了一下，发现它似乎对不同表演门类的理论基础、发展历程都有深入的探讨，这一点我特别欣赏。毕竟，任何一门艺术，如果只看其表面的华丽，而忽略了其背后深厚的根基，那就像是只看到了冰山一角。我对于其中关于“导演的艺术”和“舞台设计的理念”这两个章节特别感兴趣，因为我总觉得，一场成功的表演，不仅仅是演员一个人的功劳，更是整个团队，从编剧、导演到舞美、灯光、服装，共同打造出的一个整体。这本书给我一种感觉，它不仅仅是关于表演的“术”，更是关于表演的“道”，让人在欣赏艺术的同时，也能思考艺术背后的哲学和美学。

评分☆☆☆☆☆

天啊，我最近拿到一本《表演艺术概论》，这书的封面设计就让我眼前一亮，很有质感，颜色搭配也相当舒服，一看就知道是下了功夫的。我一直对舞台表演很有兴趣，尤其是能看到演员们在台上那种情绪的爆发和肢体的张力，总觉得那是一种很神奇的能量。这本书虽然我还没来得及深入研究，但光是翻阅目录，就觉得内容相当丰富。它好像涵盖了从戏剧、舞蹈到音乐剧等等很多不同的表演形式，而且不只是讲理论，还提到了一些历史发展的脉络，这点我特别喜欢。我总觉得要了解一门艺术，就得知道它的源头和演变过程，这样才能更深刻地理解它现在的样子。我尤其好奇其中关于“表演者身心训练”的部分，不知道里面有没有介绍一些具体的技巧，像是声乐、肢体开发之类的。我一直觉得演员的功力，除了天分，后天的努力和训练绝对是不可或缺的。这本书给我一种感觉，它不像是那种枯燥的学术论文，反而更像是一位资深艺术工作者，用他的经验和见解，娓娓道来一场艺术的盛宴。我迫不及待想找个周末，泡杯茶，安静地坐下来，好好沉浸在这本书的世界里，好好地学习一番，也许能从中找到一些启发，将来有机会也能站上舞台，体验一下那种魅力。

评分☆☆☆☆☆

最近收到这本《表演艺术概论》，说实话，它的厚度让我有点小小的震撼，但同时也充满了期待。我一直觉得，表演艺术是一种非常迷人的存在，它能够将抽象的情感、深刻的思想，通过演员的身体、声音和情感，具象化地呈现在我们眼前，让我们产生共鸣，甚至被深深触动。这本书的封面设计，用的是一种比较内敛的风格，但那种深邃的蓝色和点缀的金黄色，却仿佛蕴含着舞台上永恒的戏剧张力，让人一眼就能感受到它的分量。我本身是个很喜欢看戏的人，但很多时候，看完一场表演，我只会感受到它的震撼和感动，却很难说清楚具体好在哪里。我希望这本书能够帮助我更系统地理解表演艺术，了解不同类型的表演形式，比如话剧、歌剧、舞蹈，它们各自的特点和表现手法。我特别想知道，它里面有没有提到关于“角色塑造”的技巧，演员是如何从一个普通人，变成舞台上那个鲜活的角色，这其中的过程，对我来说总是充满神秘感。这本书给我的第一印象是，它是一本能够带我深入了解表演艺术“幕后故事”的教科书，它让我感觉，原来艺术的背后，有着如此丰富和深刻的学问。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，《表演艺术概论》这本书的封面设计，真的很有品味。那种淡淡的墨绿色搭配上简洁的烫金字体，给人一种沉静而又尊贵的质感，一看就知道不是那种譁眾取寵的出版物。我一直认为，表演艺术是一种非常独特的交流方式，它能够跨越语言和文化的障碍，直击人心。我尤其喜欢那些能够通过细腻的表演，将人物的内心世界刻画得淋漓尽致的作品，每一次观赏，都像是一次心灵的洗礼。这本书的厚度，让我对它所包含的内容充满了好奇，我初步浏览了一下，发现它似乎涵盖了相当广泛的领域，从戏剧的起源、发展，到不同时期、不同地域的表演风格，都有所涉猎。我一直觉得，要真正理解一门艺术，就必须深入了解它的历史和文化背景，这样才能更深刻地体会其精髓。我特别想知道，书中关于“表演的身体语言”和“声音的运用”这两个章节，有没有提供一些具体的分析和案例，因为我觉得，演员的身体和声音，就像是他们最直接的乐器，能够奏出最动人的旋律。这本书给我的感觉，它不仅仅是一本知识的传授，更是一种艺术的引领，让我对表演艺术的世界，有了更深层次的认知和期待。